第二章 场面调度

构筑影像时，我们得像绘画大师对待画布般，考虑其效果和表达方式。
                                   ——马塞尔.卡内
本章提要:视觉材料如何被安排、构图、拍摄。景框的画面比例，电影、电视和录像画面的长与宽。景框的功能:除去无关紧要者，标明特殊者，象征性用法。景框内位置的暗示:上、下、中、边缘。景框外（画外）是何意义，为什么？影像如何被结构、构图和设计？我们最先看哪里？主导处。区域的需要:空间如何代表权利的意念。位置与摄影机的关系和暗示意义。动作的空间，紧和松的画面。距离形式和他们如何定义人的距离，摄影机的距离和镜头。开放和封闭的形式:窗户或紧闭的影像？场面调度十五种元素的分析。
场面调度一词借自法国剧场，原意是“舞台上的布位”，在剧场里泛指在固定舞台上一切视觉元素的安排，这个部分包括围绕舞台的前方，或表演区延伸到观众席中。
2.1  景框
1.85:1标准银幕
2.35:1宽银幕
场面调度的四个元素:动作的安排；布景与道具；构图方式；景框中事物被拍摄的方式。
默片时代，圈入圈出（指以圆形或椭圆形圈入或圈出银幕上的一部分）常被适度使用。
景框:“孤立凸显”的技法
形式主义者以银幕中央的构图来支配一般的说明性镜头。
景框的上部往往象征了权力、权威和精神信仰。放在这个部位的人或物，似乎控制了下方。上部也带有强烈的上帝般的光荣。这种方式也常用于拍摄皇宫或高山。一般而论，若在上部的人物其貌不扬，给人的感受即是危险而具威胁性。然而，这只适用于在其他人物比这个主要人物小或同样大时。
《拿破仑》是默片时代最著名的宽银幕实验经典作品。
景框的下部代表服从、脆弱、无力。放在此部分的人或物似乎都“弱”于上部，而且靠外缘的黑暗太近，也常具“危险”意义。如一个画面中不止一人，那么在景框下的人物往往似被上部之人支配。
左或右的边缘部分看起来都不太重要。因为他们离中央太远。它们靠近景框外的黑暗，许多导演好用黑暗象征缺乏光芒，也与未知的、未见的、可怕的意象相关。通常银幕外的黑暗部分象征被湮灭，甚至死亡。一般来说，不重要、被忽视、无名的人物都比较靠“不重要的”边缘。
也有导演将重要视觉因素完全放在景框外，尤其是那些与黑暗、神秘、死亡相关联的角色。
两个景框外的空间具有象征性:一个是场景后的空间，另一个是摄影机前的空间。
导演会指引眼光到对比最强的区域
其次，我们的眼睛会注意到对比次强的区域。
一般来说，对比最强的主导因素往往与喜剧趣味相关。
构图的上半部永远比下半部重。
单独的人或物也会比群体显得重，所以有时导演会孤立出个人角色与群众。
线条的运用亦能产生一些心理效果。
弯曲的线条也是电影工作者常利用的表达方式。S、X、三角形和圆形是艺术家最喜欢的形状。
平行主义是设计的通用原则，旨在表达相似、和谐和相互强化的关系。
2.3 区域空间
在一个白色为主的画面中，颜色较深的物体即是主导。而画面的右边会比左边重，即更主导。站立的主导坐着的人物。
景框内的空间是表达的一个重点。
权力、权威和主控性是由电影的脉络和上下文来决定。
摄影机拍摄人物的五种基本方位:完全正面—面对摄影机；四分之一侧面—；侧面—人物注视右方或左方；四分之三侧面；背对摄影机。
完全正面的方位是最亲近的—人物面对我们，邀请我们参与他的一切。
正面的摄影是所有安排中最亲密者，也最明白、直接、清晰，往往最具侵略性，尤其当演员朝摄影机走来时。
大部分导演常用四分之一侧面的位置，因为它的参与感不如完全正面的位置。侧面则较疏离，人物并不知道他被观察。四分之三侧面的位置更疏离，通常用来表示人物的不友善及反社会的情感，人物的背有部分对着我们，拒绝我们的关心。
空间的大小可以用来象征不同意义。一般而言，镜头越靠近，被摄物体的限制感亦越大，这种镜头我们称为紧的取镜。相反的，镜头越远即为松的取镜，象征了自由开阔。
导演也常常会用完全中立的物体和线条来象征人的受困，换句话说，用物体来笼罩一个形象。
2.4  距离关系
人类学家爱德华.霍尔:距离关系—在固定空间内的有机关系—可以因外在环境，如天气、噪音及光线而改变人的空间距离关系。
霍尔将人类使用距离的关系分为四种:亲密的；个人的；社会的；公众的。
霍尔以人的皮肤至十八英寸称之为“亲密距离”，这种距离有人与人之间身体的爱、安慰和温柔关系。
“个人距离”大概是十八英寸到四英尺的距离（约手臂长）。
“社会距离”约为四英尺到十二英尺长。
“公众距离”则是十二英尺至二十五英尺或更远的距离。
“亲密距离”比较接近特写和大特写；“个人距离”约是中近景；“社会距离”约在中景和全景距离内，而“公众距离”则在远景和大远景内。
摄影机离被摄物愈远，我们观众的态度就愈中立。尤其是公众距离，总会引起某种疏离感。相反的，越接近一个角色，情绪渲染力就越不同。卓别林的著名格言就是“喜剧用远景，悲剧用特写。”《城市之光》
2.5  开放与封闭的形式
一般来说，现实主义导演偏爱用开放的形式，而形式主义导演倾向封闭的形式。从风格上来说，开放的形式含蓄而内敛，封闭的形式较自觉和明显。
从视觉设计来说，开放形式强调非正式，不突兀的构图，影像结构似不明朗，组织似乎较散漫，人与物也好像不是故意安排的。封闭的形式则强调形式设计，大部分因素都显示经过构图的精确安排，而视觉重量的平衡也经过仔细设计。
开放形式运用不自觉的简单技巧，导演重视现实的立即性、熟悉和亲切的层面。有时他会用即兴情况造成自然而直接的效果，这种效果在紧密控制状态下是较难捕捉的。
封闭的形式较强调陌生的事物，影像富于质感的对比和逼人的视觉效果。由于其场面调度经过准确的控制和风格化处理，影像会显得人工化，离现实较远。封闭形式的视觉信息较多，远比肤浅的现实主义还多。开放形式重真实而舍形式美感，封闭形式则为美感而牺牲表现的真实。
两者对构图的观念也不同。开放形式较不重框架观念，暗示景框外仍有许多现实未纳入，强调空间意义是连续的，导演亦好用“摇镜”横过场景。
封闭形式的镜头有如一个完整的小天地，所有的信息都被仔细安排于景框内。
开放式电影的摄影机一般会被戏剧所引导。
封闭形式电影的摄影机却像在期待戏剧性的发展。人与物是安排在事先决定的镜位里。这种期待式的镜位象征了脆弱及宿命，摄影机好像在事情发生之前就已经“知道”。
系统化的场面调度分析包括以下十五种元素:
1对比最强的区域:观众的眼睛首先注意到什么？为什么？
2.灯光风格:是高调还是低调？高反差？或综合？
3.镜头与摄影机距离:什么样的镜头？摄影机与被摄物体距离多远？
4.镜头角度:是仰角、俯角，还是水平视线？
5.色彩:主色为何？有无对比色？色彩有何象征意义？
6.镜片/滤镜/底片:被摄物是否要扭曲？
7.对比次强的区域:在眼睛看到画面中对比最强的区域后，会停留在哪里？
8.密度:景框中有多少视觉元素？僵硬灰白？一般？充满细节？
9.构图:二维空间如何分割及组织？
10.形式:开放或封闭？被摄物是不是在窗框或拱门之内？安排是否平衡？
11.景框:紧或松？角色是否无转身之地？或可活动自如？
12.景深:影像包含多少平面？前景、背景和主体的关系如何？
13.演员的位置:演员占据画面中的什么位置？中间？上方？下方？边缘？为什么？
14.表演位置:角色要如何面对摄影机？
15.距离关系:角色之间的距离如何？
完整的场面调度除图像（或图征）元素外，还应包括服装及场景设计等。
电影中最重要的元素—视觉影像。