Kuma对《现代音乐人编曲手册》的笔记(3)

现代音乐人编曲手册
  • 书名: 现代音乐人编曲手册
  • 作者: [美] 安德烈·皮耶若罗/理查德·德罗萨
  • 副标题: 传统管弦乐配器和MIDI音序制作必备指南
  • 页数: 269
  • 出版社: 人民邮电出版社
  • 出版年: 2010-7
  • 第19页
    p19-p24
    1.管弦乐配器者最好在常用音域内完成配器。这对商业作曲家尤为重要,因为乐队排练时间有限,录音棚棚时费昂贵。
    2.泛音列决定了和声中同时发声的各个音符的清晰程度。以C为例,构成一个泛音列就是(1、1、5、1、3、5、b7、1、2、3、4、5、6……)在第一个八度里只有纯八度音程才是清晰的,第二个八度里就可以用纯五度和纯四度了,第三个八度开始就可以用大三度和小三度了,第四个八度就可以用大二度和小二度了。这也就是为什么弹钢琴左手的跨度总是那么大,右手跨度小。否则出来的声音就是浑浊的。
    3.移调乐器有三种:
    a.音高移调:【举例】降B调单簧管。如果单簧管乐手吹奏音符C,那么发出的声音和钢琴上的音符降B是一样的。因此,单簧管乐手需要上移大二度演奏才能和钢琴音高一样,吹奏D才等于钢琴的C。
    b.音区移调:【举例】低音提琴。低音提琴的音区大部分在低音谱表最下面那条线的下面,要加很多线,看起来很麻烦。所以低音提琴声部通常升高一个八度记表,这样音符全在线上,看着就舒服多了。
    c.谱号移调:【举例】吉他。吉他演奏的大多数音都落在低音谱表里,但是乐手一般只能阅读高音谱表,所以要转换下。
    非移调乐器通常被称为C调乐器。
    4.乐器演奏不同音会有不同的动态效果。有的高音更响,有的低音更响。【举例】小提琴、长笛、小号。三个乐器都演奏E7这个音,小提琴演奏起来最省劲,但由于弦长更短,所以声音单薄(所以管弦乐中一般总要有一堆的小提琴)。长笛乐手需要很多气才能吹出这个音,音色明亮而不尖利,穿透力好。小号乐手大部分根本吹不出这个音,如果吹出来了,音量上是最猛的。
    5.不同乐器有不同的演奏技巧上的难点。铜管怕快速连续的大跳,弦乐怕难对付的半音的复杂旋律(很难做到音高的准确),竖琴难以演奏钢琴片段(竖琴演奏半音要踩踏板)。
    不同乐器有不同的发音能力,不是想强就强想弱就弱的。
    管弦乐队没有延音踏板。
    分配音符时不应只考虑各声部的音域,还要考虑音色特点。
    键盘上难以演奏复调,所以钢琴乐手在编曲时要跳出他正常的演奏领域来思考问题。
    2011-02-11 04:12:30 2人喜欢 回应
  • 第31页
    p31-p34
    1.在早期传统乐队中,节奏相对于管弦组只是配角,通过一些音调变换为乐器添彩。军乐队则使打击乐器成为了骨架,成为了其他旋律乐器的伴奏支撑。四大件则构成了旋律乐器节奏与和声的基础。20世纪末的流行音乐出现了复杂的节奏织体。乐手必须遵循某种内部的规则以防止混乱。以前管弦乐作曲家会仔细写谱控制乐手的演奏,而在其他音乐(尤其非洲音乐和拉丁音乐)中,则会有一种代表着风格的听觉“规则”代代相传。而现在大多是鼓手根据作曲者或编曲者的指导自己创作节奏声部。
    2.节奏乐器通常要同时体现节奏动机和和声动机,大致可分为三组:键盘(钢琴、电颤琴、马林巴)、弦乐器(贝司、吉他、Banjo)、打击乐(各种鼓、三角铁、沙铃)。打击乐突出的地方在于:它能在不影响其他和声和旋律的情况下持续演奏。
    3.参与演奏的人越多,越需要乐手的自我约束。必须旁听其他乐手以实现节奏的准确,准确到每一拍甚至是每一分拍。通常音符最密集最快的那个声部可以告诉大家分拍(比如16分音符的踩镲)。
    4.各个乐器在音域上应找到合适的位置,以尽量使各自的声部可以被听到感觉到,而又不使整体混乱。泛音列将是非常重要的指导。钢琴最低两个八度是bass音区,尽量不要使和弦。第三四八度可为和声结构提供最好的支持。第五八度也可和前者联用。最上方的两个八度用处不大(和声)。当两件伴奏乐器必须出现在同一音区时,通常就会在节奏型上制造对比。【举例】吉他玩快速扫弦,键盘则玩长音和弦;吉他玩琶音,钢琴则玩切分和弦。
    5.bass既是节奏,又是和声,是地基型选手。基本在最低两个八度里演奏,偶尔也会超出以实现流动感效果。bass手可能原声bass和电bass都会弹,但基本只精通一种,而且很多是专攻特定风格的。
    6.原声bass和电bass有很多不一样,长得不一样,用起来不一样,听起来也不一样。
    原声bass:更温暖低沉,更少敲击感,更不灵活,更不准确,可以用琴弓拉,不需放大器,有4根弦(可能会有C弦扩展)
    电bass:更多高音,更多敲击感,更灵活(多指按弦),能“锁定”音高,不能拉奏,需放大器,可以有5根弦(演奏低音B)
    7.鼓手提供大部分节奏动量。他们能通过对每一拍中的分拍的渲染来加强节奏感(每拍的分拍通常包括八分、十六分音符和三连音)。双手双脚让鼓手同时演奏多种分拍。通常只有一种分拍处于主导地位。套鼓声音色彩丰富,能显著提高乐曲力量。套鼓的音高不会影响和声或旋律,所以这会给鼓手很大自由(定音鼓有音高,但不属于节奏乐器组)。
    8.小打能丰富乐曲的色彩,通常会持续演奏一个特定的节奏型。有时候会规律地出现在某一拍上,但频率不高。【举例】在一个4小节节奏型中,三角铁只出现在第一小节第三拍。
    9.键盘和吉他在功能上类似,但在实际运用中也有些不同。
    键盘:可以十指全用,可演奏音簇(连续半音组合)(砸键盘),转调更困难,更宽音域,重复音演奏困难,无法扫弦,容易演奏带延音的琶音。
    吉他:只能4指发声,演奏音簇相当困难,转调容易(指法技巧、变调夹),更窄音域,容易演奏重复音(同音不同弦),容易扫弦,很难演奏带延音的琶音。
    键盘适合于:大型和弦、宽音域、同时演奏伴奏和旋律、多和弦的延音琶音。
    吉他适合于:快速敲击感的扫弦、泛音、Planing和声技巧(不懂,转调么?)、连续快速的重复音。
    2011-04-25 00:59:50 2人喜欢 回应
  • 第35页
    p35-p38
    1.贝司:
    原声贝司(低音提琴):温暖、低沉、木质感。常用于爵士、民谣、乡村音乐、轻摇滚。
    电贝司(有品的):常见于摇滚、汽车城布鲁斯、Funk、棚录音乐。
    电贝司(无品的):平滑质感。常见于爵士摇滚乐。
    2.吉他:
    电吉他(实心琴):音色可变性大(特别在用了合唱、过载、fuzz-box(??)之后)。也能产生一种干净清澈的效果。
    电吉他(空心琴):温暖。适用于爵士风格。
    钢弦木吉他:常用于民谣、乡村、蓝草音乐(??)。
    尼龙弦木吉他:圆润温暖。常见于巴西波萨诺沃音乐(??)和爵士摇滚乐。适合演奏旋律、精致的分解和弦、古典音乐。一般不用拨片。演奏延音时,颤音应由左手完成。
    十二弦吉他:金属感强,声音大。通常以八度定弦。音色独特,常用于乡村和民谣。
    3.键盘:
    钢琴:三角钢琴和立式钢琴有区别。三角钢琴一般工艺和共鸣更好,长得也更好看。立式钢琴也能使,特别是为产生酒馆或沙龙效果时。
    Rhodes电钢琴:音色很特别。高音明亮,中音丰满,低音浑浊。因此尽可能避免用低音部分。20世纪70年代变得流行起来。很多电钢的音色都是以此为基础进行变化。常用于爵士摇滚乐和棚录音乐。
    Wurlitzer电钢琴:Rhodes的前身。音色清澈、纤薄、忧郁。基本无光泽。摇滚乐常用。
    电子击键古钢琴(Clavinet):颗粒感和鼻音感。常用于Funk,与大键琴(巴洛克时期键盘乐器,金属感和断奏感强)像。古钢琴音色更软,但合成器在模拟时大多加大了音量。常用于庄重高贵的音乐,与弦乐联用。
    风琴:传统键盘无法控制声音衰减,但是风琴能无限延长一个音符的发声,很像弦乐,可以用于铺底,也常用于紧张感达到高潮时。风琴大多出现在爵士、摇滚和教堂音乐中。基本没人认为演奏风琴和演奏钢琴一样舒服。演奏风琴需要双手双脚都很灵活。大多数都有多层键盘和像均衡器一样的一大排拉杆来调音色,还有一些踏板来演奏低音。由于乐器巨大,构造复杂,所以专注于风琴演奏的乐手并不多。于是出现了很多电子键盘试图模仿这种声音,以方便普通键盘手演奏。
    4.键盘打击乐:
    电颤琴:由金属音条制成,声音如水晶莹剔透。从阴暗,到醇厚,到微微发亮,再到明亮。常用于爵士乐和电影配乐中,音色可硬可软。
    马林巴:由木质音条制成,声音很非洲很墨西哥。常用于电影配乐和一些现代音乐。中低音区饱满温暖。用软棒轻滚,会产生飘渺灵动的效果。
    木琴:由木质音条制成,比马林巴更明亮。除了电影配乐和剧场音乐,就很少用了。
    钟琴:类似钢片琴,声音闪亮。音高的清晰度不行,常在其他乐器(木管、键盘)的高八度上作为加倍乐器用。常用于电影配乐和剧场音乐。
    5.套鼓:
    底鼓:鼓桶越大越低沉。一般分18、20、22英寸的。如果想让声音更低沉、鸣响更少,则需放松踩锤,用毛毡包裹。如果想声音更“砰”,则需在鼓里放个枕头。
    军鼓:音色多变。响弦(军鼓底部的金属线)、上下两张虎皮的松紧、鼓桶的宽度、鼓桶的材质都会影响音色。响弦越紧,鼓皮越紧,鼓桶越窄,鼓壳是金属的,则声音越清脆;反之,则声音越沉闷圆滑。
    通鼓(Tom):通常上鼓皮决定了通鼓的音色。鼓皮越厚越松,声音越“砰”;鼓皮越薄越紧,声音越脆,也更趋向可定义的音高。
    镲:点镲:主要用于轻柔、清亮的拍子上。鸣响所产生的泛音不应影响鼓槌敲击声。点镲种类多,有标准的20英寸带拱顶的镲片,无帽镲片(泛音少),用铆钉来产生“咝咝”效果的镲片。
    炸镲:最大的镲片,声音最沉。最好直径在14-18英寸之间,不能太厚。
    踩镲:用脚演奏。爵士乐中通常会在第2拍和第4拍上轻踩。摇滚和Funk中经常一边脚踩使之开合一边用鼓槌敲击。(+)表示合,(o)表示开。70年代的disco常使用这种踩镲节奏型。
    鼓槌的材质:鼓槌的影响很大。不同厚度与鼓槌头的音色不会一样。通常木槌比塑料槌更温暖,鼓刷(以前是金属的,现在是塑料的)常用于爵士和乡村乐中,现在也用于一些轻摇滚。小音棰(由硬毡制成)比较异国风情,适合镲片的渐强演奏,还能把通鼓上敲得像定音鼓一样。
    6.辅助打击乐器(小打):
    康茄鼓(Conga):用于古巴音乐,常用2-3只音高不同的鼓,比Tom鼓更空些,比小手鼓更低沉些。用手演奏。
    小手鼓(Bongo):比康茄鼓小,只有两只高低音鼓。音高较高,清脆,激动。用手演奏。
    蒂姆巴尔鼓(Timbales):鼓桶铁质,与小手鼓相似,但比小手鼓大,声音更洪亮。用鼓槌演奏。
    牛铃(Cowbell):通过消声的方式将一个金属声变成了更有断奏感的声音。声音很响。常持续不断地以四分音符演奏(拉丁音乐),可以指引其他更复杂的节奏型。
    阿果果铃(Agogo):与牛铃类似,但更轻,音高更高,有两个高低音铃。
    响棒(Claves):两支红木棒,相互打击能发出清脆有力的声音。响棒的节奏型(2-3和3-2)是所有拉丁音乐中最基本的节奏韵律。
    沙球/沙铃(Maracas/shakers):能发出一种独特的、或清脆或连贯的“哧”声。能在一个律动中有效地强化分拍。声音并不强,属于细节选手。
    三角铁(Triangle):常用于巴西音乐和电影配乐。一只手用金属棒敲,另一只手可以握住三角铁以消除余音(类似开镲和闭镲)。常连续演奏八分音符,并用持续共鸣和消音两种方法交替使用。能在细微处加强节奏型的饱和度(小三角铁最好)。
    铃鼓(Tambourine):拉丁音乐中没铃鼓,但在美国与巴西的民谣和摇滚中常使用(在巴西叫巴西铃鼓[pandeiro])。能发出一种独特的“叮当”声,可短促的一声,也可滚奏。铃鼓有鼓皮,可以像演奏其他鼓一样演奏铃鼓。但它的声音不纤细,不能持续不断地演奏。
    2011-04-27 16:16:42 1人喜欢 回应
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