笔记

真是越薄的书越难读，既不懂电影也不懂音乐还得通过书籍媒介进入，没有配套音乐听和画面看确实也给媒介的分裂提供了一些感性认知（不）。八卦够好看（不），对电影音乐的分析示例非常细腻有趣，如法国香颂的打岔、慎重地不要搞当众接吻。

感官和技术的二律背反在于被动的听觉召唤前个人主义的集体性但音乐本身是技术，非理性以理性媒介展开。技术和美学的关系缠绕而不脱钩，比如收音的工具麦克风如何作为电影工业一环形塑其中的音乐。艺术形式有不同的时空特性，电影音乐在其中有特殊的位置。对电影是戏剧（强度）和小说/史诗（讲故事）混合的分析让人想起卢卡奇（包括认为风格归于统一性而电影音乐谈不上风格而是要谈规划），纵向强度波动和横向流畅连续性之间的矛盾是通过音乐的组织和结构来调和。

同样需要调和的还有画面和音乐这两种媒介。“面对打着手势的面具，人们会把自身体验为完全与之一样、被哑默所威胁的生物。电影音乐的起源不可分离地联系着口头语言的衰退”。视听的分裂在此处凸显，当屏幕上的人物行动、说话而无声时，同时具备了有生和无生的特质，是鬼影憧憧的幽灵，那种震惊和uncanny让人感到不适，因此需要音乐来帮助承受。进一步说，有声片也是一样的，人物是会说话的影像同样让人不安。这种画面和话语的不协调来自于电影的原则是对运动的拍摄，因此在此之外的东西呈现出来都会显得异质，是否让观影人群意识到放映机器的存在也有类似的考量。音乐的位置在于给予运动正当性，一种身体实在的感觉。例子是好的芭蕾音乐不表现舞者感情、使其认同，而是召唤人们去跳舞。

总而言之两种媒介（音乐和画面）之间的关系不能是： 1. 标准化：音乐作为提示音、背景音效、插入音 2. 必须发展处理两者之间关系的意识与技术，比如远近、模糊与否等，重视层次性。 即音乐不能被视为电影的点缀或者次级的东西而存在，而是和画面平起平坐的第二种媒介，两者之间的关系以及音乐本身需要被严肃对待。至此电影音乐从属于电影的地位被分裂开这两种不同的媒介所提升到平行。两种东西起源和特性不同，形式内容之不匹配，技术与美学之不匹配，媒介的异质性恰恰是社会的疏离，暴露总比掩盖好，统一的幻觉和认同需要抵制。

噪音具有自然的部分也具有音乐的部分，需要混在一起。技术和知识的不足无法被割裂开。创作主体的两难在于入乎其内出乎其外，必须同时既是又不适音乐的主体。失败的实验表现在精密、疏离和客观，走向自动写作。

“电影音乐不应该成为伪个性化的工具”、“存在越是乏味，旋律越是甜美”、自上而下的整合、文化工业的控制、遗忘分心、漫不经心这些词句一出，阿味儿和语境就太浓了，自我意识到矛盾性和自我否定是解毒剂。但20世纪西马中布莱希特艾斯勒的“介入”实践和阿多诺的“不介入”批判并不必然是两条泾渭分明的路径（不鼓励观众认同、认为乌合之众的认识是过度简化），尽管前面两人生计所迫已经到了“当我在人群中间浑浑噩噩地蹒跚行走的时候，突然听到有人叫我的小名”的合拍程度。后者将理论家的谨慎和不（假装）积极付诸于书桌分析工作：一面是自律的音乐、内在的形式和拒绝交流揭露矛盾与分裂的实验性质，一面是技术和文化工业。“一本书的手稿实际上就是这本书本身；一部电影的脚本最多只是在影片创作过程中充当指导说明”，太多社会学成分需要考虑，乐观的策略是颠倒从外到内的顺序，从内部形式着手，再自然产生效果。