【书籍】音乐与人生
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书籍：
📖一位钢琴家需要学会倾听，倾听自己的声音，倾听其他钢琴家的演奏，倾听人们从你的弹奏中得到的感受。
📖每天坚持练琴8到10小时。
📝我精神高度集中的练琴习惯，也只能保持4个小时。如果用DAW创作音乐，也只能坚6个小时。这与20岁时的体质状态无法比较，一整天在琴房里用吐纳心法练琴，也无杂事烦扰，内心也如明镜般清澈。
📖作曲家写的作品完成后还会不断地发展，会越来越伟大深刻。
📝创作的确是一种被喜悦激情附身的状态。在最开始时，是人苦于控制“笔”，因为这个时候灵感十分有限。当作品写作到了B段，“笔”就开始反过来控制人，那些内心"音乐"会争先恐后的往出冒，甚至到了折磨人的程度。当你全部完成作品后，才会感觉“排便通常”般的舒爽。然后，需要将作品放置Cubase 8或Logic Pro文件夹中，一个星期后再次修改，这样循环周期直到改的让自己满意为止。至于发不发表很无所谓，因为这个东西无价，只相当于自己的隐私相册，尤其虾米音乐网已经不存在了。随着日积月累，你创作的作品会越来越多，也会随着你的天赋感应越强而变得越完美，这是一种内心与音乐感知的磨合。当创作达到15首以上时，你闭眼睛睡觉也会被“笔”控制，眼前会浮现整个交响乐团编排的组合编排相位，他们拿着各种奇怪的乐器，而且乐团指挥站在你身边，或者歌手对着你演唱，比如说，梦中的席琳·迪翁对着你演唱那首雅尼指挥的《弗拉门戈》，这时，你就可以从梦中就欣赏到这个世上不存在的新作品。通常遇到这种情况，我基本都会起床喝口温水，看看窗外然后倒头接着睡，为了避免影响明天上班，久而久之，这个奇怪现象就不会再出现了。
📖对于学琴的人来说，最重要的是毅力。没有毅力，再有天才也没用。钢琴就像爬宝塔尖，是不断淘汰的过程。
📝上学时期的学琴，前提是利用科学合理的方法，除了间隔休息5-10分钟，尽量不浪费每1分钟的高度精神集中和心态的澄明。为了达成你对艺术真理的追求，也为了挑战自己的极限。练琴前除了需要准备术语词典、知网或书籍的攻略、铅笔、红笔、贴纸和日记本、几种不同版本的MP3以外，还需要在寝室准备水盆、毛巾和牙刷，用温水清理并维护自己的手指后，再去食堂吃饭。还要注意保护自己的腰部及坐骨神经，这或许与那本书布鲁瑟尔《练琴的艺术》基本一致。但参加工作以后，就不要在单位这样拼搏，尤其不要把乐谱拿到单位去，因为那些同事都不懂，反而会用调侃的目光看着我这个古怪的“紫老头”。
📖要区分开俄罗斯派和苏联派。俄罗斯派是建立在传统柴可夫斯基的基础之上；苏联派是要弹得快，弹得狠，弹得准。
📝看起来，我是苏联派的。
📖成功并不是看你在钢琴前工作多少时间，而是看领会东西所花费的精力、才智、感情，还有体力。
📖人们的不幸通常来源于他们给自己赋予的固定存在模式，而不是变化。
📝有时候的不幸，是因为把简单的东西弄复杂了。
📖在美国，所有的大学都是文化的中心，但大众却对文化知之甚少。
📖对一位年轻钢琴家，如果天赋平平，我会接力说服他放弃，因为这是一个艰难而又人才济济的行当，没必要死撑。
📝或者总体经济收益状况不良，也要趁早更换职业。大前研一也提到过这六个字，业在前，专在后。
📖即便有些人从四五岁就开始练琴，但他们却始终不明白乐器终究是一个工具。
📝工欲善其事，必先利其器。工具不仅不能没有，还要与时俱进，同样我会尽早更换掉这些古老的机械装置。
资料：
📚布格缪勒《二十五首练习曲Op.100》的分析/钟越红
📖布格缪勒作品第100号，原名为《25首流畅渐进练习曲——为年轻初学者而作》，后被人们编译为《二十五首练习曲Op.100》，也有译为《二十五首钢琴进阶曲》。
📖练习曲一般指那些用于锻炼演奏技巧的乐曲，它常用某种特定的形式不断反复或模进的方法，其节奏都较短促、快速、以达到某方面技法的基本锻炼目的。
📖“沙龙”是法语“Salon”的音译，译为客厅。17世纪欧洲，是上流社会中相互交流、铺撒关系网、交际圈的地方。主持人往往是一些名媛贵妇，比如某公爵或伯爵的夫人。成功地主持一个沙龙可以为她们赢得社会的赞誉，引领一个时代的风气。19世纪末期后，沙龙不局限在个人的客厅，也有都市公共俱乐部、咖啡馆和小酒馆，是许多文学艺术家常常光临的地方。到了20世纪中叶，沙龙逐渐消失。
📖钢琴在沙龙中只是一件娱乐物品，体现智慧、展示想象和发展个性的手段。
📖布格缪勒每一首练习曲都给出了节拍器的标识的速度，但对于钢琴初级阶段的学生来说，似乎速度相对过快。
📖连奏又称连音，是音与音之间连贯而没有缝隙的一种弹奏方法。所谓连奏，是在钢琴上通过手指的作用，把音与音互相连接起来。手指弹完一个音后要等到下一个手指弹出的音已被听到的时候才能离开琴键。
📖连奏重点是重量的转移，重量在手指之间交替移动，第一个音弹下去，手指站稳，支撑手臂和手的重量，然后弹第二个音，要把弹第一个音手指“落下”时承受的重量转移到第二个音上来。
📝弹肖邦时，我通常把它形容成一个手指伞式拱坡状，并低抬指主动弹奏的同时，再加上手腕将重心力量同时整体位移的过程。文章中这里形容的"稳"连不是“非常连”，有点类似巴洛克时期的作品，那种突出声部式的连奏。
📖非连奏也称非连音，特点是音与音之间留出一定空隙，音质清楚、结实、集中，带有颗粒感。
📖有些谱子上没有连线、跳音标记的，这种情况需要对音乐进行深入分析，来辨别是否用连音演奏。
📖非连音可分为三种：第一种是大臂的断奏；第二种是前臂的断奏。第三种是手指间的非连奏。
📝贝多芬的作品中，这种东西相当的多。尤其大臂断奏，记得在北京上大学时弹《热情奏鸣曲》就用过这一技术。
📖单音跳奏分为三种弹奏方法：第一种是前臂的跳奏，音色浑厚，具有一定穿透力。适宜力度较强，速度不是很快的跳奏中。第二种是手腕跳奏，可以控制力量的强与弱，并能够达到一定的演奏速度，是最常用的演奏方法。第三种是手指跳奏，发出的声音短促集中、轻快透明，适宜力度较弱，速度较快的跳奏中。
📖布格缪勒《二十五首练习曲Op.100》中，所涉及的技术类型有：音阶、半音阶、琶音、和弦、分解和弦、双音、连奏、非连奏、跳奏、装饰音、远距离大跳、左手跨越右手弹奏、同音换指、同音反复等。
📖布格缪勒《二十五首练习曲Op.100》在钢琴教学中的地位，是针对初学者的教材，一般达到车尔尼练习曲849程度的学生可以开始练习。
📚钢琴教学中“音乐表现力”的培养和训练初探/梁缘
📖贝多芬没有过多的表情，但他的演奏富有力度，有鲜明的对比，这是贝多芬演奏时的特点。
📚启发式艺术教育/蓝星
📖艺术是最不甘于平庸的人勤勉的精神探索的结晶。
📝也是聪明机敏，并且，有一定资金和时间挥霍的人的一种娱乐情怀。毕竟，一只上好的监听音箱就差不多1万，便宜的也能用白盆对付一阵子。此外声卡，电脑，DAW，还有音源……，这些加一起都属于高消费。
📚人之为人：美育学价值论/🎖徐岱
📖哲学的目的不在于治国安邦，而在于增进有限人生感受幸福的潜能。
📖人的生命是一种“欲望”，人类一切活动都以需求为前提。
📝而欲望无度，也同样会毁掉人类。
📖在我们的欲求中，不存在所谓的“错误的需要”，但我们却往往可能产生“错误的想要”。打个比方：“吸氧”是一种人人皆可欲求的合理的自然需要，但“吸毒”却是一种人人皆应避免的有害的想要。
📖如果商业化的艺术常常伤害了艺术的创造，那么政治化的艺术一定会毁了艺术的创造。因为自由就是艺术的灵魂。
📖没有逻辑我们无法理性地把握现实，但唯逻辑是从则会使我们远离现实。因为“生命不具有逻辑存在，存在不具有逻辑生命”。
📖美，是艺术的目标。人们对美的在意，是因为“美丽的东西恰恰就是带来幸福的东西”。
📖人们追求的目标不是快乐，而是幸福。因为“幸福意味着比享受和快乐更多的东西”。
📖许多货真价实而且无比优秀的诗人往往并不写诗，而是活在诗中。
📖美不仅要真实，还需要单纯。单纯是所有艺术创作中美的根本基础。
📖所谓“单纯”，即以欲望的节制而来的生命关怀，是诗之为“诗”的核心元素。
📖如果说“愤怒出战士”，那么“纯洁产生诗”。
📖生活中原本就不缺少诗意，只是它需要有“平常心”者去发现而已。
📖自然之美并不在眼睛，音乐之美并不在耳朵，一切美好的感受在心灵。更高尚的心灵能够体会到更美好的的感受。
📖一切自恋情节都有一个共同的特点，即对外部世界缺乏真正的兴趣。
📖人的原罪是自我中心主义。
📖当你发出“这世界怎么会这么美”的感叹，神往于暌隔已久的大自然美景并为之心醉情痴，这份体验能让你重新获得一种超越绝望的生命力。当永生的感觉在我们心中朦胧暗淡的时候，恢复我们永生感的最有效的方法就是去观赏美景。
📖信仰的意义在于，当我们在人生旅途中艰难跋涉时，为我们及时地提供一份前进的动力。因为，人除了由信念给自己带来的命运之外，没有其他命运。
📝有时候也不得不暂时丢弃信仰，否则生命会变得痛苦。
📖谈到“信仰”往往让人与“宗教”联系起来，但这其实是最大误解。
📖信仰不是别的，而是温暖，是生命，是热情，是整个精神生活的迸发，是个体对自身的超越。
📖宗教竭力想创造出一个彼世生存的幻想模式，而艺术则让人回归尘世，回归到现实问题的世界，回归到体验和认识人的生活意义的世界。
📖艺术让人得到陶冶，宗教却多半使人神魂颠倒。
📖宗教团体尽管各自为政，但却有一个共同点：人在宗教意识里不再表现为个体和个性。这与审美文化的精神格格不入。
📖一个“人”的成长路线：从阶级的人，到民族的人，到人类的人，到自然场中的人。所谓“自然场中的人”不是退回到赤身裸体的“原始人”，而是指经历了文化的诱惑和进步的好奇以后，返璞归真地具有自我控制力而成为自我主人的人，让不必要的“想要”融入到真正的“需要”之中。
📖美育的价值在于培育出真正的审美者，这样的人能够体现幸福的“诗人”、能够承担人间道义的“侠客”、能够在生命深处永远保持一份忧思与关怀的“园丁”。从一个无边的“消费者”向“审美者”转变。
📖世俗欲望不断让我们受到放纵的诱惑，“美”最终把人引向克制。
📚释与钢琴有关的两部作品——《降B小调柴科夫斯基第一钢琴协奏曲》及钢琴三重奏《纪念一位伟大的艺术家》/李蕾
📖降B小调柴一实际上是大调，因为仅头四小节为降B小调，末乐章结束在降B大调上，各乐章的大部分主题也是大调的。
📚谈创新能力培养目标下的儿童钢琴教学/杨振
📖钢琴是所有乐器中唯一能以最轻松的姿势坐着，以肩、臂、肘，腕最自然放松的状态来演奏的乐器。
📖学习钢琴，可以促进身心健康，提高智能，开扩视野，锻炼培养意志力，观察力，感受力，听辨力，记忆力，想象力，思维力。并在道德、情操、性格、素养的形成上，在潜移默化中受到美育的熏陶。
📝不清楚那些力的效果。但我个人对它的美育熏陶感到怀疑，或者是因为性格而内心偏于黑暗，总需要自己化解？
📖多年来，钢琴的业余教学都是按培养钢琴家的模式进行得。其主导思想是努力提高儿童的演奏技艺，可是，成千上万的琴童最终有几人能成为专业钢琴演奏家呢？
📝这句话让我陷入了沉思。就像在几年前，我阅读过今何在的《悟空传》一样，对世界充满了悲观与虚无。
📖不断提高和完善琴童的钢琴演奏技巧，是钢琴教师的职责。但是，如果教师过于片面追求“专业化”标准，过于强调技术训练，则是违背了业余钢琴教学的基本原则，也不能培养儿童的创新能力。
📝曾经当老师的那些年，我的策略都是征求学生自己的意见，如果对演奏不感兴趣，那么就没有必要进行专攻。每堂上课之前，我基本会挑选问这三个问题：
①练得怎样？②感觉自己弹得如何？③有什么新计划？
一些心有灵犀的学生，基本会提到他的学习心得、像培训班那个6岁的WS、17岁FJL，指点后能够立刻展示他们的得意之作或较全面的表达出自己的看法及作品的感受。而应付了事的学生会比较敷衍，这种情况大多会出现在成年人学生身上，只是简单对自己演奏持怀疑或否定态度。
通常一堂课45分钟，初学者会分为前半和后半。有些情况则需要2个小时，比如钢琴课与和声学。我会在授课笔记上记录并评估，下堂课是否教学生新的作品，还是放弃某些作品，回过头来解决一些对学生十分棘手的技术问题。而音乐理论知识，或者涉及一点钢琴调率与维修、作曲/编曲/混音工程学。
钢琴演奏作品的时间跨度，按照查尔斯·罗森的书中介绍，是从巴赫开始到施托克豪森结束。学习这件事必然辛苦，同样，钢琴学习必然需要花费大量时间和坚韧不拔的毅力。至于能否成为世界一流钢琴家，那么只需要从4岁开始，努力练习并重点在于积累经验，直到13岁时，甚至期间就能观察出来了。因此，判定专业与业余学习的分别，或许能很快做出决定。
📖对“创新”的含义定位太高，会直接地引发教师的为难情绪。
📝重要的是考虑学生的接受能力。引发我为难的情绪并不是这个，而是以各种奇葩情况出现的非课程内容，比如：初阶的课堂上“老师我渴了”“老师我要出去打个电话”，中阶的鸽派“老师拉肚子去不了”“老师我发烧了难受”等，以及高阶版的课堂上“老师，你不要跟我面前装13，我看我妈面子上听你课，你TM*什么都不是”……。这种情况发生时，能解决的是知识问题性质，但不能解决或不能接受并有目针对的。大体也算道不同不相与谋，我委婉让其资助人另请高明，使大家都合作愉快。
📖要学习钢琴的儿童实在太多，而受过专业训练并具有一定教学水平的教师实在太少。
📝我认为教师够用。我那年大学毕业后，直接去了当地一些私人培训机构，那里的学生基本都是短暂学习，而且也都是零基础。我在那里待了1年，学生平均最多时候，也仅给我分配3名。于是我回家后，又前往一些其他培训机构考察，发现这些机构推崇一些稀奇古怪的教学法，比如蒙眼式，还有小动作式，他们都与沉浸在放松自然的演奏中不同，甚至夸张并反其道而行之。我把它们放在一起综合分析，按耐并看完这些培训机构的专属教材，并推演学生未来方向，但结果都令我感到遗憾不得不放弃。每年，我都习惯性统计工资每月平均收入只有1500元左右，对全职1家兼职2家的教师而言，这可以说非常非常低。后来，我干脆换了其他职业，彻底告别教学市场。
📖学校始终应当把发展独立思考和独立判断的一般能力放在首位，而不应当把取得专门知识放在首位。如果一个人掌握了他的学科的基础，并且学会了独立思考和独立工作，就必定会找到自己的道理。
📝学生一旦开始进入正规学习时，我习惯给他们安排出思维导图式的计划，并给出我对每一步进阶会遇到各种问题的看法。
📖任何钢琴演奏总是以发出的声音、制造出声音为其目的，无论你弹的是练习曲还是艺术作品。
📖弹钢琴必然就是在声音上下功夫，说得更确切些，就是练习声音。
📝因此，学习以何种姿势发力，并达到某个时代的某个作曲家谱面的需要，是首先需要掌握的，其次，是对这些掌握的知识建立一个体系。但我猜测，那些学生能做好第一步就相当值得鼓励了，而至于第二步，应该几乎没有人会这样去构建一个针对作曲家本人的档案库。
📖即兴活动既是促使音乐思维发展的手段，也是验证音乐思维水平的手段之一。
📝即兴，也同样是早期创作音乐的试验田。这个能力的本质，是把一个叫做灵感的种子埋进土壤，让它以不可控的速度生根发芽，在用挑剔的耳朵，对这些野蛮的生长枝叶进行修剪。即便如此，这仍然未达到真实音乐创作的全部。音乐创作的根本，是把种子及其特征当作一种应用语言，它可以承载某种情绪，随着这种语言的不断发展而层层展开，最终汇聚成为森林之海，比如说，音乐《Between Worlds》。好的灵感就像好的种子，这个种子质量和存在意义，以及我们对其进行艺术性的修剪和嫁接，足以影响整篇文章是否具备深度。
📖老师为学生即兴伴奏非常适用于初级钢琴教学。
📖创新能力往往源于兴趣、爱好，源于好奇心、求知欲和想象力。
📝还有强大的毅力，以及超越常人清净的内心。但，更重要的是具备一种求“道”精神：一是为了信仰和自我达成的愿望，二是摆脱现实引力的钞能力。
📚现代派钢琴练习曲的演奏与教学实践/雷晴
📖现代音乐的特点是追求探索性、开拓性以及新意，尤其讲究自由的结构、奇特的节奏、不和谐的和声语言，复杂的多调性及无调性，奇异的音响效果，因而往往带有很大的刺激性。
📖普罗科菲耶夫承袭古典音乐传统风格，结合二十世纪新的音乐元素。是新古典时期艺术风格的作曲家之一。
📖新古典主义是二十世纪音乐重要的创作形式，流行于1920年代，这一派的作曲家虽然运用巴洛克、古典时期的形式架构进行创作，欲彰显复古精神，但其中还是有新的素材及想法，是一种结合传统与现代的创作风格。
🖍P15.{倒数第一段的第二行}“……链接B段到A’段的过渡乐段舍去，使乐曲突如其来的暑期和弦（谱例5）后紧凑……”
🔧……链接B段到A’段的过渡乐段舍去，使乐曲突如其来的【属七】和弦（谱例5）后紧凑……
📖普罗科菲耶夫将钢琴当作打击乐器，制造出不同以往的音响效果，另外，此组练习曲不仅是针对单一技巧问题所创作，而是交互结合许多不同技巧于一个乐曲当中，例如：双音、双手跳跃、交叉弹奏、八度进行等。
📖普罗科菲耶夫强调一种前所未有的阳刚风格，没有丝毫的柔情感伤，完全摆脱了浪漫主义的所有传统原则和表现手法上的细微处理，钢琴被当成打击乐器来使用，使乐曲充满丰富饱满的声响。因此，笔者建议，对于现代派钢琴作品应单手单声部练习。
📖普罗科菲耶夫的早期作品强调一种前所未有的阳刚风格，没有丝毫的柔情感伤，完全摆脱了浪漫主义的所有传统原则和表现手法上的细微处理。这种风格以敲击出金属般音色为主，几乎不运用踏板效果，也不依赖连音。
📖20世纪音乐风格和作曲技法呈现百花齐放多种多样的创作形态，很难用一种明确的风格来概括。
📝只能依照作品和音乐家而调整并选取不同的触键方法。
📚音乐教育对我国少年儿童智力影响研究/王瑾
📖智力包括：智力条件——注意力；智力窗口——观察；智力储存器——智力；智力翅膀——想象力；智力中枢——思维力；智力转换器——创造力；智力基础——口头语言表达力。
📖智力是一个人许多能力的总称，因此，人在某一方面有特殊能力或专长不等于智力。
📖音乐具有开发右脑潜能。
📝同时，音乐分析也能开发左脑能力。
📖人的大脑左半球负责完成语言、阅读、书写、计算等工作，被称为“语言脑”。大脑的右半球负责完成音乐、情感等工作，被称为“音乐脑”。
📖由于人类生活离不开语言，因而“语言脑”的利用率则特别的高，“音乐脑”的利用率则较低，从而造成左右脑的功能失调。
📖“音乐脑”能使人产生创造力、联想力、直观力、想象力及灵感。
📖幼儿时期如果经常接触音乐，不仅会受到自然美、艺术美的熏陶，而且能促进他们正确地认识世界、理解他人，更加热爱生活，朝气蓬勃地成长。
📝理论上似乎如此。但我是否热爱生活，这一点我不敢确定。我比较懒，而且比起与人交往，我更喜欢与文字打交道，平时也没有什么朝气，或许纯属个人问题。
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