人类的音乐

17世纪人们着迷于数字和尺寸测量。西方和声与对位出现！

歌剧出现！在意大利引发狂潮！

天主教弥撒本身就是一种充满喜剧性的表演。因而由此向歌剧的跳跃其跨度也不是很大。

意大利民间音乐也为歌剧的诞生创造了条件。

－－克劳迪奥蒙特威尔第！1567年诞生于阿玛蒂家族20多年前制作出首批真正小提琴的那座城镇克雷莫纳。

掀起民众对歌剧的狂热始于1607年《奥菲欧》当时蒙特威尔第已经40岁了。

第二部歌剧《阿丽亚娜》中的《哀悼阿丽亚娜》是献给死去的妻子，成为历史上第一段真正通俗的歌剧咏叹调。

他接手了威尼斯加布里埃里甥舅的圣马可大教堂的音乐指导。除了精于木铜管合唱的运用，也发展了弦乐器的技法，比如“拨弦奏法”“震音”（快速拉重复的音）。

1637年威尼斯的首家歌剧院开张，名为“圣卡西亚诺剧院”，蒙特威尔第时年70岁，又活了6年。

蒙特威尔第为听众口味妥协，常写两套旋律，一套朴素由歌手自己即兴，一套写了复杂的花腔。

歌剧成为连接历史的桥梁，有助于迎来“巴洛克时代”。

现代管弦乐团是从歌剧院的伴奏器乐组发端的；同时派生的还有古代的弦乐四重奏：有第一第二小提琴，中提琴，大提琴，外加一、两把倍低音提琴做额外烘托。

在歌剧诞生的同时期，意大利又冒出两种新体裁的器乐纯粹音乐（即不仅仅是为戏剧舞蹈歌唱伴奏）：奏鸣曲和协奏曲。

奏鸣曲和协奏曲都是以小提琴为器乐组的老大这样一个主张为基础的。巴洛克只有轻便的clarino女高音小号可以媲美小提琴的音色，而音量只有小号和圆号可以淹没小提琴的声音。

早起纯粹音乐都在私人场所举行。有室内奏鸣曲和教堂奏鸣曲两种形式都是现代奏鸣曲、交响曲、四重奏、协奏曲的祖先。

Corelli（小提琴家）开创了奏鸣曲的四乐章传统，并推广了“大协奏曲”这种体裁。让独奏者与乐队相互“角斗”的协奏曲确实是他发明的，虽然他的继承者维瓦尔第在形式上与后来的更为接近。

Corelli的音乐最明显不过地体现出歌剧与奏鸣曲、声乐与器乐以及情歌小曲世界与交响曲天地之间的精神连贯性和过渡联系。

17世纪，科技发展，伽里略日心说。法兰西文化和语言逐渐被公认为世界上最学者化、高贵和优雅的语言和文化。法语开始取代拉丁语称为国际外交的通用语。当时如果欧洲有的贵族不会讲法语就是被认为没教养。

吕利（意大利人来到法国），作曲和小提琴都是自学的。他是法王“国王24人小提琴队”的负责人，因法王路易十四酷爱芭蕾，他也成为芭蕾大师。［他也与当时的喜剧大师莫里哀争权夺利，并曾为莫里哀写过大量配乐。那也是拉辛和高乃依的时代，后者《熙德》成为当时继莎士比亚之后最有影响的悲剧。］

吕利的大量作品都有威严庄重的性格，带有典型的附点节奏，很快成为法国音乐风格的象征风靡全

ps.印度音乐和非洲音乐的节奏特征和对比

印度音乐是一个复杂得出奇的高度智力化的数学过程。演奏者从小就接受训练，学会如何用这些复杂困难的技法、原理来进行自然真实的表达。

非洲音乐的节奏只要求演奏着保持他自己的节拍，不要受总体效果的影响而推迟或提前。（一个七拍，一个十一拍，一个三拍或二十拍，然后suoy偶人是不是在一个节点上回合）影响到拉美洲，如桑巴或探戈有不同的节奏同时进行。这种非洲音乐在鼎盛时期产生的强大威力，其几何学般的比例关系和成倍数的变化令表演者和听众双方都陶醉不已。

当代小提琴制作大师：马里诺卡皮奇奥尼、戴维韦伯、普雷米斯尔施皮德伦和已故的伯特史密斯。

安东尼奥斯塔拉迪瓦里：个个精致高标准，一生一千多把小提琴。很多精致地饰有镶嵌木和珍珠母。因为这些琴也是专门为王公贵族购买的。

巴罗洛梅奥朱塞佩瓜内利德尔盖苏：质量层次不齐，但支支有自己特色。不美观但声学理想音色也非同一般。土里土气～～

二者都师承阿玛蒂家族。表现浪漫乐派的曲目方面，瓜内利琴无与伦比！

17世纪的英国，“三十年战争”。伟大的合唱传统－－托马斯塔利斯、威廉拜厄德、奥兰多吉彭斯。1652年出版商约翰普雷福德印为小提琴谱写的歌曲和舞曲赚大钱，曲集《英国舞曲大师》。“pochette”适合舞曲演奏乐师的便携小提琴。

17世纪末，英国出现了亨利伯塞尔！生于克伦威尔逝世后一年，父亲是音乐家。

16世纪后期，威尼斯音乐由两位大使操持：安德雷亚加布里埃里和他外甥乔万尼。两人解决了大型合唱队与数组木管、弦乐和铜管乐器融合的平衡关系，将后者安排进圣马可大教堂（1067年建）中相对于唱诗班的楼座里。这些表演者在其中运用轮唱和对唱互相问答，你来我往十分热闹，并由两架管风琴营造丰富的和声，提供背景支持。如此演奏堪称达到了文艺复兴时期意大利音乐的顶峰，并且是西方步入巴洛克时代的一个转折点；该时代的音乐一百年后在威尼斯的主要诠释者将是安东尼奥维瓦尔第。1583年，威尼斯共和国多戈做东宽带远道而来的日本王子，并向这些贵宾如数展示威尼斯人的音乐看家本领。1586年加布里埃里去世，乔瓦尼遂成为威尼斯的音乐霸主，而此时人声在西方音乐中的垄断地位也在瓦解。

乔万尼已经开始使用“通奏低音”，它常为键盘乐器演奏者用于为声乐伴奏。乔瓦尼的器乐谱写概念严谨精确，对后来的蒙特威尔第及其继承者都影响很大。从一个调性到另一个调性的转调很适合这种器乐谱写的本质－－延留不协和音（当时的新近发现，对后世影响巨大）。

这是转调的端倪，从一个调自由转向任何其他调性。这种自由移调在浪漫主义时期称为音乐的一大突出特点。该观念源自声乐创作，不协和音也经常为牧歌、经文歌和康塔塔的曲作者们所运用，为的是强调一些戏剧性词句的分量。

Appoggiatura早在du fay和machaunt的曲中就出现过。更早在《Sumer Is Icumen In》就有暗示，而如今变得不可抗拒。

瓦格纳后来把它变成了一种生活方式。

文艺复兴后，器乐将成为未来三百年西方音乐杰作产生的主要动力来源。

音乐在西方经过漫长的岁月才蓬勃发展起来，然而这并非没有好处。岁月使得我们吸收了过去时代的所有发展成果，并把它们转向新的用途。西方世界吸纳了音阶，并沿一条新途径发展了和声，从横向及纵向两个方面构筑了音乐大厦，创造了一种前所未闻的音乐语言。 然而，这一过程却用去了一千多年。逐渐地，西方人一再发现，音乐不止是血肉，骨骼和心脏，那些我们用来创造某种无形之物的工具，这无形之物使我们接触到了宇宙的颤动。这是这种不断探索的冲动构成了西方音乐的发展，经过许多世纪的奋斗成就其为今天我们所知的样子，成就其为在很大程度上让我们习以为常的东西。

“我研究印度音乐已有多年，并在这过程中有幸同印度伟大的西塔尔琴演奏家拉维•香卡十分愉快地合奏过印度音乐。拉维•香卡在把印度音乐的信息传达给西方人的过程中所做的贡献很可能超过我们这个时代的任何人。而且他在音乐上是如此全面、完整，以至于无论是学者，还是‘甲壳虫’乐队都很留意他。拉维•香卡这个名字在印度音乐史上拥有悠久的历史和杰出的地位，颇像德国的巴赫音乐家族”.

“拉维•香卡给了我特别的礼物因为他我可以用一种新的维度去体验音乐对于我来说他是天才只有莫扎特可以和他媲美。”