素描的诀窍

Project 1- B: 今天画着画着有点自暴自弃了 不过能够未来留多一点进步空间也挺好

Project 1-A是画脚 画完之后才意识到是不是该把腿p细一点儿...

素描的诀窍

前言

第一章 作画步骤

内在对话

即使你已经养成了批评性对话的习惯，要改变它也不难。

如果眼睛主要集中在作画对象上，就会画得更好些。

诱发词

当你的手在画纸上移动时，轻声对自己说出像“尖”“锋利”“长”“圆”“错综”“刚硬”这样的词（通常重复地说），它们可以使你不断保持对面前对象的感受，同样也使你更容易将这种效果准确地创造出来。

描绘出作画过程想当简单：观察对象，记下轮廓或形状；在脑海里将那个轮廓或者形状保留片刻，而后在还有很深记忆时把它画下来。

观察、记忆、作画；观察、记忆、作画。

注意，这个序列中不包括思考。

盲画

观察、记忆、作画，这个过程可以压缩成一个单一的行动，叫做盲画。

画勾勒

“叠笔”有两个优点：1，你无须浪费大量时间去擦线条，而可以将这些时间花在更好地观察对象上。2，带有叠笔的作品看上去更有活力。

观察与认识

我们画的并不是事物，而是线条。

我们称这种语言为线条语言。这种语言包含：角度、形状、色调、大小。

观察才是第一位的。在规则与观察相互冲突时，忘记规则，按照观察作画。这就是所谓的保留“纯视觉”。

真正的观察意味着无视逻辑，而按照眼睛所看到的来画。

眯眼法

个性化

观察对象时，多些好奇，少用逻辑。

开发形状意识

自然界中，没有线条，只有色块，彼此映衬。

画的什么真的并不重要，在学会根据事物的形状去观察事物后，就什么都可以画好。

形状四规则：

1，先画大的形状，再画小的形状。

如果不能确定，就用眯眼法。把用眯眼所看到的那些形状先画下来。

所有的绘画都是一道工序。你在纸上做一些记号。这些记号会引导你画出其他记号。通常只有当你做到这个记号时，才知道自己会在这里做记号。这道工序就是从一个大的形状开始的。

2，画出“装饰”形状，包括强光部分，阴影部分，反射部分，图案部分，以及笔触部分。

之所以把阴影、反射等称为“装饰”形状，是因为它们给我们的视觉体验增添了大量的生机和变化。同样他们也为作品增添了生机和变化。

如果你从一个全新的角度观察它们，就会发现它们都是一些几何形状——拉长的三角形，歪斜的梯形，凹陷的圆形——有着特殊轮廓的形状。

要使作品显得“真实”，显得丰富漂亮，就要能够发现对象的装饰形状。

先要画主要形状，再画次要形状。

3，把各种形状连在一起画。

4，“圈围”形状也要画下来。

圈围空间或者形状通常存在于事物与背景的混合体中。

既然画形状要比画事物容易许多，那么只要看到圈围形状就把它画下来。同时，培养在画事物和画圈围形状间转换的习惯，以掌握一种更为流畅灵活的作画方法。

我认识一个画家，他在画风景时，总是背对风景，俯下身去，从两腿间看风景。他认为这样可以使自己从一个全新的角度来观察风景。

聚焦法

不使疲劳影响作画的最好方法是运用“聚焦法”。

“聚焦法”使你可以把时间和精力集中在部分地方。比如，在做人物画时，重要的部分可能是头和手。

自我评估放在作画结束后进行，如果可能得话，在景物或是模特还在面前的时候进行。

第一章作画步骤中的诀窍

第一章指出作画是一种可以学习的技能，并指出了通过观察作画在培养这种技能中的重要性。

运用实用性对话。作画时，不要用事物语言，而要用线条语言和形状语言与自己对话。给自己探索性信息，而不要用判断性信息。

使用诱发词来引导自己的手作画。把你所希望画的轮廓特征用一个词表达出来。不出声地重复这个词。

盲画。要时时地边看对象边作画。

使用叠笔，而不是抹擦。在改正错误或是修改歪曲部分时，只要在原先的线条边上画上新的线条——不要抹擦原来的线条。

运用观察，而非常识。学会把注意力集中在对象上，而不是画上。

要表现特征，就要观察到什么画什么。你要能够画独特的事物，而不是画象征性的普遍事物。

简化形状。若果你感觉会被对象的细部给搅混，就使用眯眼法，它可以使细部好处理些。

寻找形状。学会把对象看做一系列相互连接的形状。先画主要的形状，再画次要的、装饰性的形状。要注意连在一起的形状和圈围形状。

聚焦。把对象中最重要的部分分离出来重点作画，对其他部分则简单画之。

第二章 艺术家笔势

区分你的两种笔势

作画也同样有两种模式：直觉模式和分析模式。前者是自由的，而后者则受约束。我们使用直觉技能在抓住本质，获取精神、捕获感觉。而当我们要细化作品，修饰作品，定型作品时，则使用分析模式。

直觉式（自由体）

快速，粗略，武断

紧凑，笼统

冲动，松散，联结

分析式模式（约束体）

精确，细微，仔细

耐心，审慎

慎重，分解

要临摹，效仿

我们意识到一幅画即使主要是用不受限制的自由体画的，它也同样要用约束体画出聚焦部分，这样才能与周围随意自由的线条相互协调。

梵高作品中狂暴扭曲的线条已经有很多的评述。

德加的作品有两个不变的标志：一是“聚焦”，而是“叠笔”。

莫兰迪的作品——在这个过程中，浅色调是用一系列短而平行的线条表现出来的，而深色调的表现，则是在原来线条上加上与之垂直的一系列线条。这就是交叉阴影线。如果色调还要再深些，就再从另外一个角度加上一系列线条。

临摹

临摹大师作品——作画比例一定要一致，或者大一些。

通过临摹大师作品，你可以感受到他的经历。与他的情感想通。在临摹线条中去感受他的笔势，并且这种感觉逐渐在自己心中形成。对他的作品一根线条一根线条地模仿，非常机械也非常费力。但是，随着你不断画下去，就会发现这样做变得容易，也更为轻松。你开始认识到他的笔势了，并且在不知不觉中画出了线条。这时你与他融为一体，感觉达到了一种“最佳状态”。

仿效

临摹之后就是效仿，它是指用别人的笔势风格来做自己的画。

自由笔势

拿笔时，把手离笔尖远一些，这样它会自己摇摆起来。要放弃控制，代之以灵活和速度。带动肘部和肩部，以使线条更能游动。手的根部轻置在画纸上。

画姿态时，“草草作画”针对的是对象的动作，而不是对象本身。

一笔画并不是画外形。拿笔在对象的内外游走，沿轮廓而行，不要抬起笔。

如果把自由笔势画作为长期不断发展的练习，那么偶尔做出来的一些“珍品”，会成为一种快乐的体验。

控制笔势

为了能够更好地进行控制，拿笔时，把手靠近作画工具头部。要画的是短而精确的线条。笔尖要细，作画要慢，画的效果也要时时加以评价。

硬边缘指的是有非常明显界限的边缘；软边缘指的则是逐渐淡没的边缘。

精确细部时，手靠近笔尖，笔尖要细。

刚开始作画时，主要使用远距离握笔。

当逐渐精细、明朗化时，就主要使用近距离握笔。

探究作画工具

为了结构清晰期间，我把作画工具分为两类：墨汁类和粉末类。

抹擦

第二章

艺术家笔势中的诀窍

区分你的两种笔势。既有直觉的“自由笔试”，又有分析的“控制笔势”。每种笔势都有相应的态度和相应的握笔方式。熟悉每种笔势的特征，练习交替使用两种笔势。

自由笔势。用几根轻快的线条画出对象的整体姿态，而不管对象的比例是否恰当和细部是否精确。

控制笔势。对小块区域作画，仔细耐心地描绘线条，画出色调。多用眯眼法观察或者退出观察，进行检查评价。

临摹。选择一件艺术作品进行临摹，从中感受笔势，亲近画家。

仿效。对一个画家的作品进行临摹后，试着用这个画家的笔势，自己做一幅画。再把自己当做另一个人，会发现自己能做出新鲜有趣的作品。

尝试使用各种作画工具和技能。探究每种作画工具对同一对象的不同表现形式极其优点。

把橡皮擦和手作为作画工具。抹擦、弄污点等都有有效的作画方法。使用它们可以软化、勾画、淡化或者“突出”作品中的一些部分。

第三章 比例：测量事情

所有具备才赋的画家都有一个共性，那就是都有精确判断的眼睛。

在成为画家的过程中，画精确比例是最能通过练习和训练提高的一个方面。

目测法

三种目测技能——

1，找到中点。

2，使用垂直线和水平线。

3，对比测量。

人体平均身高是七个人头的高度。

找中点

把对象当做一个形状，在中点处分割开来。中点以上的部分必须占画面上部的50%，而中点以下的部分必须占画面下部的50%。谨慎地找到并使用中点，它可以保证分割开的两个半部比例均匀。

使用垂直线和水平线

把铅笔当做木匠工具使用，就可以构建出对象的垂直成线和水平成线，并一次一线地把它们画到纸上。在表现对象的姿势动作时，这种方法特别有效。

寻找对比测量

就是用铅笔测量对象的一个部分的长度，然后把它与其他部分的长度进行对比。通过这种方法可以找到正确恰当的比例。

从中间点入手，能够解决作画中主要的比例问题。这种测量方法在刚开始作画时，可能只用一次，但却可以免去后面一大堆麻烦。

画面越要精确，垂直线和水平线越要用的更多。

透视缩短

透视缩短发法就是用透视法来画人或物体。在本质上它是个很简单的原则：即物体的末端显露得越多，侧面就显露得越少。

头像正面观察——审视这个形状的轮廓，记住其中主要的明暗部分。

先轻轻地勾勒出头部的大体形状。找到从顶部到底部之间的中点；画一条横穿脸部的水平线，然后从顶部到底部画一条纵向中线。根据这条线来确定脸部各部分的位置。

45度角观察脸部

从正面看时，头部大体是一个蛋形，即上下的长度比左右的宽度来得长一些。然而，随着头部转向一边，后脑勺的部分就越多地显露出来，到完全是侧面时，前额到后脑的距离与头部到下巴的距离就差不多相等。

夸大比例

第三章比例：测量事物中的诀窍

目测：使用铅笔作为测量工具，把它举在面前，伸直手臂，闭上一只眼。测量笔尖与大拇指之间的距离。

找中点。使用这种方法可以很快对整体比例有所认识。它也可以帮助你在画纸上定位对象。

使用垂直线和水平线。把铅笔垂直举起或者水平举起，都可以定出线来。它不仅可以提高比例的精确度，而且可以提供姿态位置的信息。

对比测量。对象中不同的部分之间的关系要通过测量表现出来。特别要寻找那些长度几乎相等的部位。

透视缩短。在做肖像画这类需要很高精确度的时候，测量就要更为精确，而且要多做测量。

夸大比例。寻找明显的特征强调突出。偶尔把对对象的情感与对象本身之间的相互作用表达出来，可以刺激作画才能。

第四章 光的效果

科学家和哲学家们的工作是驱除幻影，而画家们要做的却是制造、保持幻影。

光的效果有一个极妙的特征，那就是如果我们仔细观察、精确作画，这种效果不难产生。认识到光与影是协调一致的，这对我们会很有帮助。

映射

对光的图案的了解可以通过一种方法达到，我把它叫做映射。

在使用这种方法时，要把所有光和影都分解成具体明确的形状，就好像地图上的各个区域一样。同时也要在每个形状之间设定界限，即使影不明显，也要定出界限；必要得话，可以随意定。这样就做出了一张有结构的映射图，并可以以此为起点，开始后面的修饰作画。

映射美在速度。映射画都有意做得简单，无意注重细节。

果断、清晰都是非常重要的。

在画素描时，我用一个小技巧来区分硬边缘和软边缘。对硬边缘，我就在边界处止笔。而对于软边缘，我则用锯状线条滑过边界线。

光的逻辑可以简单描述为：当光射在一件三维物体上时，会产生出亮的一面，暗的一面以及投影。暗的一面色调也不均匀，从其他物体发出的反射光投射到了暗的一面——亮面、暗面、投影、反射光。

了解光影图案的有利之处就在于它是理解光影图案的基础。它不是作画规则：它是观察规则。它与映射一道使用，就可以对付复杂的问题。

面与面交接的地方区别最大。

塞尚把球体、立方体、圆柱体、以及圆锥体称作四大基本形状——自然中一切都是由这四个基本形状构成。

画光最好的方法是分两步走：先想想光影图案，而后画映射。

造型

处理边缘

在作画中，边缘指的是任何两个形状的交界处。

一幅色调到位的画，就主要表现在能将两种边缘处理得很好。

画硬边缘需要锋利的作画工具。

画软边缘则需要的是淡化的技巧，如交叉阴影线法、边线画法、擦抹法等。

光越强烈越直接，边缘就越深越明显。

在作色调画前先提一个问题：光源在哪儿？一旦找到了光源，就可以运用光的逻辑，而光影图案也就清楚了。

要理解光，就要想象它只来自于一个光源。

分析光

夸大氛围

光的性质能够牵动人的情感。在某些条件下的光可能会触发那些过于细微而无法用言语表达的记忆。

要体验光与氛围的一种好方法就是效仿莫奈。

鼓励在特殊光线下作画。

问自己：光源在哪儿？

找出光影图案：光面、暗面、反射光、投影。

在开始作画时，先用映射法，勾勒出这些部分。

用硬边缘和软边缘定出造型。

把最明显的对比留给最重要的部分，弱化其他部分的对比。

《罗宾汉》——城堡的墙上的投射出决斗双方的影子进行着你死我活的争斗。

投影的这一特性非常有用，因为我们只要稍微移动、加深、拉长，扩大或者重塑投影，就能够达到渲染氛围的效果。

只要稍微转化一下重点，鼓起一点勇气，就可以把投影变为主要角色。

对于景象万千的风景，你也不一定会措手无措，下面五种方法帮你把问题简化——

1，不要让画纸受太阳的直射。

这样可以减少因白纸反射而引起的强烈对比。这样眼睛也不会太累。

2，使用眯眼法。

眯眼法可以简化观察到的事物，对事物有个总览，而不是根据习惯一个部分一个部分地细看事物。

运用眯眼法，就可以把色调分为三类：浅的、中等的、深的。

色调明度简图注释出这三类色调的一般分布状况。

3，使用取景器。

4，做明度简图。

5，耐心构建色调。

不管结果时明时暗，明度图案只是把对象分割成几个色调形状：浅色、深色、和中间色调。

光的形状和影的形状，尤其是影的形状，可以作为连接成分使用。

形状合并起来会产生连贯一致。

在合并形状时，要打破事物的分界。

记住合并原则：把色调相同或极相似的部分连接起来。无需把整条边界都连接起来，有时只要连接其中几处就已足够。

合并形状

把观察到的物体转化为形状。

光与影以装饰形状以及形状合并的形式为图案服务。

用光设计

第四章 把亮的部分和暗的部分当做地图上的区域映射出来。开始时把阴影部分的边界明确定出来，以后可以淡化、修改部分边界。

用光影图案定造型。找出光影图案的四个基本要素：亮面、暗面、投影和反射光。小心谨慎地勾画出这四个要素，就可以产生很强的三维感。

处理好硬边缘和软边缘。前者要有力度，后者要有柔度。两种边缘处理得好的话，可以产生非常逼真的效果。

通过渲染光影和光的性质分析光。

渲染氛围。要想让画更吸引人，更打动人，就要使用特殊效果的光，勾画特殊的投影，或是在重要部分的暗处投上光。

比较色调，从而构建色调关系。色调是在彼此对比中才显出深浅的。

合并阴影形状。阴影是伟大的统一者，它可以把画中的不同部分连接起来。用一个阴影形状就可以把一群小的形状拉到一起，细节不再是最重要，而整体的效果却明显增强。

用光来制作图案。当你开始把光和影作为形状看待的时候，他们就成为了制图的工具，勾画出各种图案。

第五章 深度效果

要让画面有深度效果，就要根据观察作画。

产生深度效果的四种方法

重叠形式

缩小尺寸

汇聚线条

淡化边缘和对比

透视作图

在运用透视作画法时，对象就仿佛是透明的一样。我们把观察到的画出来的，把观察不到的也画出来；不仅画出外在的形状，也捕获潜在的结构。这样就产生出立体感和空间中的深度效果。

建议用透视思考代替透视作画

在画面上的一切都与眼睛水平线有关。

在眼睛水平线以上的所有水平线，比如窗眉、门框顶以及天花板嵌线等，在朝离你相反的方向延伸时，都显得向下倾斜。而在眼睛水平线以下的水平线，则显得向上倾斜。如果在眼睛水平线上正好有一条水平线，那它就一点也不倾斜。这是透视观察的本质。

交汇点是平行线条在透视观察情况下所要交汇的一个点。所有朝后延伸的水平平行线都会在眼睛水平线上的某一点交汇。

不管眼睛水平线是高、中还是低位，平行线都似乎汇集到眼睛水平线上。

眼睛水平线和交汇点事理解线条透视观察的基础。

画椭圆的第一条规则：确定眼睛水平线。第二条规则：靠近眼睛水平线的地方，椭圆的开口就小些，或者更扁平些。

第五章 深度效果中的诀窍

运用四种深度效果原则。重叠形式，缩小尺寸，聚集平行线以及淡化边缘和对比度。它们可以增强三维空间感。

透视固体物体作画。就好像它们是透明的一样，这样可以理解它们的基本构造。

目测角度。把垂直成线和水平成线作为一种快速的方法来测量透视观察中物体的角度。

确定眼睛水平线和交汇点。在画建筑或机械对象时，首先确定眼睛水平线赫尔交汇点。即使它们不再画纸上，也能估计出它们的位置。

画椭圆。在透视观察画圆时，要使它们对称，两端是圆角，并且注意与眼睛水平线的关系。

目测角度

眼睛水平线及交汇点

勾画椭圆

第六章 笔触效果

仅仅去观察还是不够的，还需要对所画的物体进行多种新鲜、生动而且具体的感官联系——尤其是通过触觉的联系。

清晰化与简笔化

要使得对象清晰，就要仔细作画；要表现对象的细微痕迹，就啊哟使用简笔。清晰化要求的是缓慢、谨慎、具体，而简笔化要求的则是迅速、随意、概括。要有效地表现笔触就要既有清晰又有简笔。

在好的绘画作品中，总有些地方提醒观众“这是幅画”。

简笔就是用一些简单、重复的线条把具体清晰部分以外的区域表现出来。

感觉线条

简笔画笔触主要是对感觉的反应。我发现有一种好方法，那就是照自己的方式来画。

重复和变化

如果只能在画面上做一处简笔，那我会这样画：重复，但要变化。

重复中的变化不仅是艺术，而且是自然中的设计原则。

我们在重复中感动平静，但也因为不安宁的天性，所以我们也在变化中感到快乐。

对比笔触

我们欣赏笔触的方法之一就是把它与其他不同的笔触进行对比。

一幅画不是相互分离的简单组合。画中的每个笔触部分都与它周围的其他笔触部分关联。它们相互起作用，提高其中一个笔触的感觉可能也就提高了它周围笔触的感觉。

统一笔触

笔触线条可以成为建立连接的桥梁，也可以使已有的连接变得更牢固一些。

对于头发，首先应该注意的事它的整体形状。把头发分割成更小的形状。根据发型划分通常不会超过两三种形状。

最后，用几缕到位的绺发和细丝作为收笔。

树叶——同样把它们作为组织形状方面的问题来处理。先找到主要的形状，特别要注意亮与暗的部分。把这些部分勾勒出来。简单来回涂抹画常常可以勾画出大的形状，之后再使用短线表现树叶笔触。

服饰的折痕实际上是形状。它们是形状，可以使用映射法把它们区别开来。边缘特别重要。

反光表面——重新塑造笔触的第一步通常是把暗色、中色和亮色的形状仔细地勾画出来。特别要注意白色强光部分。

仔细观察硬边缘和软边缘的混合处。

距离拉远

距离不同，线条笔触也要改变。

离事物越远，笔触越看不清楚。

线条变换

第六章 笔触效果中的诀窍

清晰化和简笔化。把对表面的仔细勾画和风格化的笔触线条结合起来。

感觉线条。发动触觉，运用作画工具“感觉出”表面。

重复和变化。努力勾画每个笔触中的重复图案和细微变化。

对比笔触。勾画好一个笔触也就提高了它旁边的笔触效果。

统一笔触。使用同样的笔触线条去加强画面与组成部分之间的联系。

距离拉远，线条变化。离物体逐渐远时，要改变线条以反映出物体变化的视觉特征。

第七章 图案与构图

做草图与画图案的区别就在于前者关心的是事物，而后者则更注重事物之间的关系。构图不仅要画物体，而且要画出整体的图案，考虑到整张画纸。

1，构成画面的块状不仅包括对象的形状，而且包括背景的形状。

2，好的构图来自于整体感。它体现的是部分之间的关系，而不只是表现某个特殊部分。

3，画面关系总是建立在模棱两可或看似矛盾的形态之上的。

记住一切皆形状。

在构图中，常常把色调相同，但形状不同的部分合并起来，以产生统一的画面。

使用形状构图

感觉图案

本质上说感觉图案的方式是非言语的方式，但却可以通过玩一种叫做“这是什么图案”的言语游戏来培养这种方式。随便找一个地点，挑一个方向看，用一句话和形状语言描述出观察结果。使用诸如“部分”“大块”“小块”“形状”这类的词，不要使用物体的名称。

取景

只要进行取景，复杂的问题就变得好处理得多。

图片裁切

图片裁切可以看作是背景与画纸边缘交界处所产生的结果，也可以看作是一种激进的构图设计。图片裁切有助于培养勇气，因为它需要的事斩钉截铁的决心。图片裁切突出了构图。

进行图片裁切的原因——

1，使观众靠得更近，从而与对象有更亲密的接触。

2，把一个更大的背景形状分割成了更多更有特色的小块形状。

如果你裁切了物体的顶部，那么你就要让物体的底部有空余的空间，反之亦然。如果裁切了物体的一边，就要让另一边有空余的空间。最好不要在狭窄的结合处进行裁切。最后，还要避免在切线处裁切。

我问自己三个问题，从而让自己迅速动笔进行构图——

1，要纵向构图还是横向构图。

2，背景大些，还是对象大些。

3，能否把对象形状减少对五个乃至更少。

有时，不看画面会画得更好，比如在盲画时。

通过临摹和效仿别人的作品，会发现自己的作画特征。

努力要营造逼真的效果，但同时又提醒观众，他们看的还是一幅画，而不是实物。

在把实物准确无误地画下来的同时，又想要强化夸大某些部分。

把实物和背景放在一起，组成一个共同的形状，让两个不可能同时出现的事物同时出现。

使用跨板，是构图中的一个重要部分，它比人们在艺术和生活通常索要估计的还要普遍。

在作画中重复形状，可以使画面产生一种舒适的视觉节拍，而同时这些形状又各具特色、变化多端，这就使得画面产生了与这种节拍相对应的有趣旋律。这就是跨板。观众的视线来回跳跃，一会儿看的事统一的整体，一会儿观看的事独特的个体。

重复形状有许多方法。最简单的一种就是画相似的事物。

进行重复、变化创作的另一种方法是根据照片或想象画，单个物体或动物。

投影部分就是对所画物体的重复，负面形状也可以做到这一点。

从简单角度来说，作品是由非常少的几个有序的形状构成。从复杂角度来说，它又可以分解成大量不同的形状。跨板所做的就是把复杂性融入前者，而把简单性引入后者。

跨板中的对立面

运动或改变，静止或一致，它们分别是自然中第一和第二个奥秘。

构图的推拉力——

观众的眼睛要停留在画面内；观众的眼睛要保持移动。

跨板特别适合用来画人。如果人体的一边是简单、内敛、静态的，那么就让另一边表现出复杂、突出和动态。

产生动态与静态跨板的另一种方法就是把两只手画得不一样。

识别相切部分

当一个形状与另一个形状相切但没有重叠时，就产生了相切。但是相切部分太惹眼了，要尽量避免。

第七章 图案与构图中的诀窍

使用形状构图时，使用形状为画面构图。

感觉图案。寻找对象中的光面与暗面的抽象排列。使用语言把它们描述出来，以加强图案的印象。

取景。使用取景器圈所要画的景象。

图片裁切。在边界处裁去对象的部分，以产生更大的背景形状和更紧密的构图。对立矛盾。在同一幅画重使用对立的想法，以产生创造性的平衡。

辨别相切情况。画面的各个部分要避免碰巧出现的没有明显重叠的连接。

第八章 绘画与想像

连接两个袋子

每个创造性的思维，相像或者怪异的想法都会用一种全新的方法把至少两个部分放在一起。

创造性作画

在写生簿上作画是创造性作画的最好方式。

一直充满对对象的好奇，不要太注重结果，就可以使你获得最好的结果。来一点幽默也不错。

见惯不惯

从特殊的角度看普通事物。

带着一种游戏的精神，从一种非惯例的角度进行创造是可能的。

要提高机遇只要做一件简单的事——带着写生簿。

在启动很慢的时候，有一种方法可以变被动为主动。那就是按顺序工作。这时不要制作一幅画，而是作有三到四幅的套图。

我的灵感来自于艺术、历史和电影。

在使用照片作画时，我建议以下两个简单标准：

1，把它作为一种练习方法——比如临摹色调或分析比例。

2，把它作为创作的出发点——对它们加以改变、夸大或组合，以创造出新的作品。

每个画家迟早会把注意力集中在某个特殊领域。

画家们常常在一段时间内就某个主题创作，而后再换一个主题。

主题探索——空荡的环境；一物百样；装饰图形；弯曲反射；放大；破碎图像或隐藏图像。

第八章 绘画与想象中的诀窍

想象力，既构思怪异想法的能力，是每个人思维结构中的一部分。不管自己是否意识到，我们每个人的大脑中每天都会积极产生怪想。有创造性的人与“没有创造性”的人之间唯一区别，就在于有创造性的人接受自己的怪想。

连接两个袋子。创造性思维的过程就是把两个毫不相干的袋子连接起来。运用到作画中，就是把至少两个不同的想法在同一张画纸上混合表现出来。这些想法之间的联系可能不大。

放松一些。对对象和自己都采取一种轻松、友好的态度，有些幽默感。不要担心画的结果是怎样，而要去寻求作画的本质。起笔之后，就无须知道，也不应该知道结果会是怎样。在画的过程中如果产生了怪想，不要抛开，跟着它走下去。

见惯不惯。从一个新的角度观察见惯、普通的物体，这是进行想象作画的基础。它可以使从一个特殊的角度画物体，也可以是把不相关的物体混在一起，还可以是改变物体的相对大小、弯曲、重组或是使用象征手法。

按顺序作画。做一系列的画，每幅画之间有细微的变化，从中为想象营造一种最为健康的环境。在做每一幅画时都会有进一步的发现，而在做下一幅画时就会把它运用其中。它可以逐步开发你的创造力。

使用不同的材料。直观材料和非直观材料都可以很好地激发灵感。使用艺术、摄影和电视作为材料，也可以使用诗歌、文学和音乐作为材料。尤其要尽量在画中使用最有力的材料：自己的个人经历和体验。

探索主题。在一段时间内，就某个特别的主题或主题的表现方法，进行大量创作。看起来是注意力的范围缩小了，但实际上却是挖掘出了发现主题的更大潜能。

结束语

后记

如果你是一位初学画者，想要学好素描并取得成效，你就要习惯于慢慢地描画，而且要判断出，哪些光线和多少光线具有头等程度的亮度；阴影也同样，要认清哪些比另外一些更暗，它们是怎样互混成一片的，它们的大小比例如何，要互相加以比较；要认清轮廓线的来龙去脉，线条的弯转曲线，何处线条清晰，何处模糊，以及何处宽阔，何处纤细。最后还要使你所画的阴影和光统一在一起，没有界线和边缘，就像烟雾一样。当你养成用功的习惯，通过手不停地描画和你的见解不断地加深时，你的技术也就会急速提高，甚至连你自己都没还能察觉到这一点。

书初期讲画线条，可以不过多思考把线条画准，观察到什么，客观用手记下来，而不是凭借自己对实物的经验。这一过程思考会比较少。

引申：在一些问题上，不要带自己的偏见。把一件事情看成一张白纸。

有一条简单的规则：每次碰到困惑或混淆的时候，就问自己：“我看到的是什么？”

临摹。作者很坦诚地告诉我们，他在临摹时经历的情感变化，让有同样困惑的我们能够接受临摹这一成长的必经之路。