Name: 商人与收藏
ISBN: 9787544733717

作者: [美] 汤姆金斯
出版社: 译林出版社
副标题: 大都会艺术博物馆创建记
原作名: Merchants and Masterpieces:the Story of the Metropolitan Museum of Art
译者: 张建新
出版年: 2014-5
页数: 318
定价: 38
装帧: 平装
丛书: 博物馆与文化遗产译丛
ISBN: 9787544733717

豆瓣评分

8.3

96人评价

5星

35.4%
4星

54.2%
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评价:

内容简介 · · · · · ·

本书是《让木乃伊跳舞》的姊妹篇。两者承前启后，异曲同工，在讲述美国大都会艺术博物馆故事的同时，揭示了不同时代背景下美国博物馆以及美国社会在文化等方面的发展演变进程。《商人与收藏》是一部大都会艺术博物馆的百年史，成书于大都会艺术博物馆成立百年之际，为官方认可的信史。

作者简介 · · · · · ·

卡尔文•汤姆金斯,《纽约客》杂志撰稿人，艺术评论家。1970年，汤姆金斯接受大都会艺术博物馆邀请，为其撰写建馆百年史《商人与收藏》。时至今日，此书仍是外界了解大都会艺术博物馆的重要作品。汤姆金斯的其他代表作包括《新娘和单身汉：五位先锋派大师》、《马塞尔•杜尚的世界》、《活得好就是对敌人最好的报复：杰拉尔德与萨拉•墨菲的生活》。

目录 · · · · · ·

前言
第一章
富裕的社会上层人士
第二章
风靡一时的藏品征集
第三章
· · · · · · (更多)

"商人与收藏"试读 · · · · · ·

（摘自《商人与收藏》，第51—56页）（19世纪末，大都会艺术博物馆的第一任馆长切斯诺拉将军卷入了一场关于赝品的论战。）这场论战的影响波及此后很多年，引发了一场马拉松式的诉讼和轰动一时的审判。论战的起因是1880年8月纽约《业余艺术》杂志刊登的一篇文章。文章的作者是加斯顿•弗阿尔当，其父是著名的法国文物艺术品交易商，也是1872年切斯诺拉将第一批收藏送往伦敦的..

· · · · · · (查看全部试读)

原文摘录 · · · · · · ( 全部 )

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。 (查看原文)

Ultramarine 2015-04-14 12:11:19

—— 引自第268页
泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。 (查看原文)

Ultramarine 2015-04-14 12:17:38

—— 引自第282页

> 全部原文摘录

豆瓣成员常用的标签(共58个) · · · · · ·

博物馆艺术艺术史美国文化历史当代艺术城市文化

丛书信息

　　博物馆与文化遗产译丛 (共4册), 这套丛书还有《让木乃伊跳舞》,《博物馆变迁》,《博物馆起源》,

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我来说两句

短评 · · · · · · ( 全部 45 条 )

商人与收藏的话题 · · · · · · ( 全部条 )

什么是话题

无论是一部作品、一个人，还是一件事，都往往可以衍生出许多不同的话题。将这些话题细分出来，分别进行讨论，会有更多收获。

我要写书评

商人与收藏的书评 · · · · · · ( 全部 4 条 )

热门 / 最新 / 好友 /只看本版本的评论

小克 2015-02-10 10:15:50

金钱与品位的胜利

最近读书不勤，唯一看完的是Ata送的这本《商人与收藏》。我喜欢博物馆，这本书对我来说非常有趣。这是《纽约客》作者Calvin Tomkins受邀为纽约大都会博物馆写的，梳理了它的历史：作为世界上最有影响力的博物馆之一，纽约大都会博物馆是如何成立、如何发展和嬗变，如何获得藏品... (展开)

1 0回应

泠夏 2014-12-06 22:54:02

一个发达的公民社会对于艺术的支持

这篇书评可能有关键情节透露

粗略地刷了一遍《商人与收藏》。随着大都会馆长和董事长的不停更换，一个随社会进步而发展的趋势愈发鲜明：董事们的权力日趋减少而旁落到馆长带领下的各部门专业人员手中。在建馆之初，董事们不仅是博物馆资金的主要来源，还是入藏参考和捐赠的有力支援，基本是... (展开)

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郑渝川 2014-11-28 10:05:37

重塑美国文化气质的博物馆

这篇书评可能有关键情节透露

18世纪末，新生的美国并不急于推广艺术。艺术被视为旧欧洲甚至与自由、民主相对的概念。进入19世纪后，这个国度随着工业化、都市化进程，开始点燃公众对艺术的兴趣。纽约成为美国艺术、欧洲大陆艺术品在美的交易中心。1864年，纽约成功举办了大都会艺术博览会。... (展开)

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小沙皇 2018-12-16 13:07:49

笔记

当我能连锅端的时候，又何必为一件小玩意儿费劲！藏品征集和展览方式处处体现着商人风格，展现了作为博物馆底层逻辑的商人精神。商人的武士精神。商人和商人精神是大都会艺术博物馆的底层逻辑。商人主导创建的博物馆，组织和运营模式都很像一家公司。把文物买回来，把他们的... (展开)

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第1页 1~4章

魏文绮 (.)

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际...
2018-07-08 12:52

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。
大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际上，社会公众的参与或许表明大都会博物馆的真正工作才刚刚起步。 1880年3月，大都会博物馆终于在纽约中央公园有了新家。相信以更美的形式传播艺术知识，将直接有助于教化人性，使劳苦大众得到教育，变得更为高雅。博物馆生存的基础和理由是发挥其教育功能，博物馆不能只是堆积收藏精品（此举常被认为绝无可能）。艺术家则属于梦幻沉思和冥思苦想阶层，他们不懂世故，缺乏进取心、事业心。对卖弄风情的情妇感情炽热，沉溺于自我世界而不能自拔。美国的艺术拍卖和展览数量持续增长，包括廉价艺术印刷品热销及欧洲游不断升温，都极大提高了“重商主义和艺术的社会重要性”。而意大利的诸多城市，则依靠着继承下来的艺术珍品过活。大都会博物馆董事们对“各行各业的工匠”极感兴趣，诚心为他们提供具有启迪性的展览，以“展示过去取得的成就，供其模仿和超越”。然而，博物馆一词的最初含义是自然科学，而不是绘画和雕塑。 ……他们中间越来越多的成员认为，绘画和雕塑已成为人们精装家居的必需品。 3年之后，美国艺术联盟名存实亡，法院以非法经营彩票罪将其强行关闭。如纽约诸多更具娱乐性的设施一样，最早构建大都会博物馆的想法始于巴黎。美国本土艺术家的数量和能力在增长，但他们仍然被迫出国学习，因为在自己的祖国，他们找不到任何能够观赏过去伟大作品的地方。而艺术是崇高道德的导师，能够扬善抑恶。一座值得纽约和这个国家拥有的伟大博物馆，应展示世界各国、各时代的艺术史，包括纯艺术和实用艺术。即博物馆必须成为普及教育的工具，其基本功能是社会和道德教育——之后才是审美教育。这些艺术博物馆出现于18世纪末，与最早出现的百科全书处于同一历史时期。第一座公共博物馆诞生于1793年，当时，共和政权没收了卢浮宫及其所有珍宝，宣布对人民开发。欧洲的博物馆扔紧抱贵族鉴赏的传统观念不放。即便是卢浮宫，在1793年对公共开放时，每10天中有5天只对专业艺术家开放；其结果是，卢浮宫自此成为主要的法国艺术试验室，而外国游客则成为观众中的绝大多数。大英博物馆于1759年对公众开放，直到19世纪，该馆扔在实行书面预约参观，参观者还必须是合格的“绅士”。现在，绝大多数欧洲博物馆，包括卢浮宫，认为它们的主要服务对象是艺术家、学者和鉴赏家。欧洲的博物馆容忍但绝不培养公众。只是最近这些年，它们才更多想到了公共教育。与当时绝大多数收藏家一样，他只买“当代”的东西，也就是说，只买当代法国学院派画作：…… “鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐。” 他们相信没有国家的大规模支持，这个新设机构生存机会极小。 1870年，古典杰作热刚刚兴起。在19世纪前六七十年——事实上，几乎与历史所有其他阶段一样——人们的主要兴趣一直是当代艺术；（ps：大意，中央公园离市区太远，当时人们倾向于将大都会博物馆建立在老纽约水库，于是）……怀疑是否能够说服人们跑那么远去看艺术品。 ……特别是托马斯·纳斯特在《哈泼斯周刊》上发表的那些讽刺漫画，即便是文盲选民也看得懂。由卡福特·沃克斯和雅各布·默德公司设计（ps：大都会博物馆的新址）。《商人与收藏》 ps：这货那么早就开始做这种资金充足的大项目，建筑果然是万岁的事业啊。但这些有限的藏品组成了一个连续的整体，为无法前往欧洲的学生提供了有益的学习资源。事实上，在那些日子里，博物馆董事们接受可以得到的任何东西。 1874年，大都会博物馆再次尝试在晚间开放，以满足因白天事务缠身而无暇来馆参观的艺术爱好者的要求。结果表明，此类观众数量少得令人痛苦——平均每晚只有32位“神人”到访。他们立场坚定，不愿意在礼拜日“像游乐场一样“开放博物馆”。强调说“机械师和工匠”是我们观众中最稳定、最好学的人群”。 19世纪是业余考古学家的黄金时代。塞浦路斯很早以来一直是地中海贸易中心和希腊神话中爱神阿芙罗狄特的诞生地，那里拥有特别丰富的探险资源。（1878年）他们（大都会）在周一和周二收取50美分门票，但很快发现大约有三分之二的我预期观众会选择离开而非掏钱买票。……博物馆门票被减至25美分，……每周仅有十几人愿意享受付费特权提高自身品味。……免费日则是完全不同的另一番景象。以符合阿弗洛狄特爱神的特征，进而增加自身价值（镜子通常是那位爱慕虚荣的女神的象征）。换句话说，那件东西是赝品。 ps大意：1880年8月～1882年3月，1910年销声匿迹。期间作者加斯顿·弗阿尔当（其父是著名法国文物艺术品交易商）怀疑过博物馆内藏品的真伪。馆长是切斯诺拉。最后馆长被法庭判为无罪。但此事似乎很是轰动。那么，早在很久以前就有人质疑过博物馆的权威性和流通古董的真伪，是否促进了现代，当代的艺术形成？《切斯诺拉藏品中移花接木的雕像》写道：“未经过修补、修复、变换、加补、拆卸和刷涂的雕像少之又少。” 修补是简单地把属于同一件文物的碎片拼接在一起，而修复包括了基于理论或对文物原样推测对丢失部分的再创造。在藏品中，有几尊驱赶雕像可能张冠李戴了不属于它们的头像，反之亦然； 1880年，科尼利厄斯·范德比尔特把近700幅意大利素描作品捐了出来，被选为博物馆董事。 ps：しかし，0口0。批评家克拉伦斯·库克说，如果大都会博物馆董事会哪怕有一名学者，那么这些东西将“永远不会被接受”。……藏品中没有一件古典杰作真品，均为复制品和学校习作，但是，这批范德尔特捐赠品在大都会博物馆以显著方式展示了多年，提升了人们对素描的兴趣。（1850年～1860年）当贾维斯无力偿还贷款利息时，耶鲁大学用2.2万美元收购了所有藏品——它们目前指数百万美元。从那时起，贾维斯的名望和意大利早期作品的价格扶摇至上。（贾维斯捐给的威尼斯玻璃器）加上1880年通过募捐征集的塞谬尔·艾弗里瓷器收藏，这些捐赠品为大都会博物馆提供了值得称道的装饰艺术展示，为当地工匠们提供了大量用于模仿（即便不为超越）的范例。大都会博物馆的董事们一直深受伦敦南肯辛博物馆影响，该馆推出了大型雕塑和建筑复制模型展，波士顿美术馆也正在采取同样的行动。 ……不要指望美国博物馆在艺术原作的收藏方面与欧洲抗衡。……那只是一个极为天真的推测。《商人与收藏》（ps：就是能抗衡，或许更好）复制品展览大受公众欢迎，它的一个好处是使公众开始喜欢原作。董事们没有条件过于挑剔，据博物馆年度报告反映，1883年，一幅“意大利画家卡拉瓦乔或卡罗·多尔奇”（其实两者都不是）的画作被纳入馆藏目录；次年，一幅作者和主题不明的油画也登堂入室。艺术收藏毕竟是一种复杂的追求：永垂不朽、社会地位、虚荣心以及其他心理和经济动机都会不同程度地体现于其中；很多古董商深信，纯粹地，没有一丝杂念地喜爱艺术品的人极为稀少，至少可以忽略不计。（亨利·马昆德的捐赠）其中最不可思议的是荷兰画家维梅尔的《持水罐的年轻女子》，此画由珍珠亮白和精心调制的色调构成，展现出一种魔幻的境界，是该画家进入美国博物馆的首幅作品，也是最早进入美国的画作之一。 1890年以后，追捧法国沙龙绘画的风气很快消退，…… （1881年～1885年博物馆是否周日开放）破坏安息日是更大规模的社会堕落，……（大意：宗教因素，反对周日开放）……“我们不能指望那些具有不同成长背景的人都与早期新英格兰观念保持一致。” 1890年，州立法机构提出法案，强迫两家博物馆在周日开馆。 1891年3月31日是大都会博物馆首个周日开馆日……虽然周日仍然是一周中参观人数最多的日子，但大量观众进入博物馆对抵制大规模的社会堕落并未产生明显效果。 1889年即收入凯瑟琳·伍尔夫沙龙画的那一年，大都会博物馆还接受了马奈的《男孩与剑》和《女人与鹦鹉》，成为最早收藏马奈作品的博物馆。但两幅马奈作品可谓那个时代极为先进的绘画，出任意料地大获好评。那时，法国批评家正对印象派发动猛烈的攻击，而纽约则毫无异议地迎接了马奈。博物馆董事们的政治影响力也与日俱增。拉吉警告说，时代“最黑暗的标志”归根结底是“金钱和获得金钱的方式……似乎已在社会各个角落疯狂蔓延”。摩根的真实财富远不像人们揣测的那样无边无际，一个使人惊讶的事实是，自1890年，他把大部分收益——超过百分之五十——用于收藏艺术品。继成为同时代最伟大的金融家之后，摩根又在艺术战场上获得全胜。在摩根活跃购买的20年间，某些艺术品的价格的确上涨了3倍。……摩根确实购买过一些赝品，在如此大规模的征集活动中，那几乎不可避免。大意：1902年，亨利·杜韦恩以50万美元买下了超过两千件中国瓷器。 ……而是组建不同国家、不同时代的文物精品，按其关系和顺序最广泛地阐释艺术史，使其教育简明易懂、富于启示并引领民族发展。罗杰·弗莱是基督教贵格会教徒，一名最敏感的知识型势利小人；……弗莱与摩根的关系复杂、极难扯清，充满了误解，加之他们的个性差别巨大，似乎不可避免导致了双方刀兵相见。每一种绘画手法犹如一套语言，大家在各种语言中交流获得信息，创建建立在原语言之上的语言，这些语言或更加高等，或产生畸变，等待着再次交流以获得第N个语言。而血脉，原似DNA的东西，最基础的组成元素是保持不变的，宛如音乐中的7音符。而互相交流，就如同生命中的繁衍，杂交可以获得更好的适应能力，得到新生以抵御大环境的变化，保持存在获得永生。曼哈顿下城东区成为世界上最大的犹太人聚集地，那里的居民很快会对纽约的教育机构施加强有力的影响。在财富膨胀的同时，对富人统治的敌意和促进社会改革的压力也在聚集能量。（ps：大约19世纪末）对绝大多数欧洲学者而言，他们所关注的美国唯一的专业性艺术博物馆是波士顿美术馆。 (ps：大约在905～1910年）大都会博物馆基本上沿袭了大英博物馆的体系，但并不是完全照搬。（也就是，按照艺术史脉络设置机构）哥伦比亚大学图书馆主任梅尔维尔·杜威，他发明了十进位图书分类系统，可谓现代图书馆科学之父。肯特开始构建现代博物馆的基本管理体系，没有喧哗，没有鼓乐齐鸣。博物馆每年的第九期馆刊是教育活动专刊，每年9月的贺词也似乎一如既往。对不同阶层的艺术学者、学生及普通成年观众（那些饮食男女）而言，让人看得懂的意义各不相同。一件艺术品可以有许多截然不同的解释，比如讲述故事、宣扬道德规范、传授制作工艺，甚至是分享神秘的审美“经历”——鉴赏家津津乐道于这种体验，却一直无法明确定义。几乎没有老师告知学生，参观博物馆与假日休闲无异；人们认为艺术是严肃话题，参观博物馆的目的是获得灵感和改善自我，而非感观上的愉悦。……“鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐”，不过，董事最终还是投票决定删除了“娱乐”一词。（1906年）罗宾逊雇佣了她（吉塞拉·里克特），日薪5美元，为那些坛坛罐罐编目；即人们目前所知的《集市上的老妇人》。这尊像属于典型的古希腊风格，也是大都会博物馆少有的古希腊雕塑之一，被认为是古希腊原件而非古罗马时期的复制品。大都会博物馆的《爱神阿芙罗狄特》雕像还获得了另一项殊荣：她是第一位出现在《纽约时报》头版的裸女，报纸大方地登载了她1952年现身时的照片。自古以来，古代雕塑造假一直令鉴赏家头疼。…即便是一件确定无疑的赝品，只要质量上乘，也能卖出真品价格的一半。……大意：米开朗基罗22岁，雕刻《沉睡的爱神伊洛斯》，做旧，卖给古董商又卖给了红衣主教。米开朗基罗，以此为荣，他因此“红得发紫”。伊特鲁里亚艺术家作品风格多样，它们源自哪里难以确定，因而为造假者提供了机会。大意：现代窑容不下巨大的陶俑，他们将其打碎再烧制，这些碎片交给大都会美术馆。实际上大都会博物馆的修复师们完成了这件赝品的最后制作。《商人与收藏》 0口0！菲奥拉万迪主动爆料，称他们使用的釉料中添加了二氧化锰，经过化学和物理光谱分析，发现确实含有二氧化锰，那是一种现代瓷器常用的着色剂，并不为古代人所知晓。意大利人的秘密反映在法庭上，他们赞美所有能够糊弄当局的人，常常认可造假者的辩解，即造假只是为了自己好玩儿。这个时候，造假市场上又出现了一位新的天才——阿尔科·多塞纳。《商人与收藏》（大意：多塞纳从不复制现存艺术品，主攻文艺复兴大师作品，多件作品被当做真品被各种博物馆收藏，大都会也收藏了）（这个人已经出现在不同的书籍上多次了，没想到在大都会的书籍里，也能遇见。hi，很高兴遇见你！）（ps：1909年，南肯辛顿博物馆也中招啦）几年后，由于造假丑闻爆发，多塞纳难以适应风光不再的生活，最终酗酒身亡。《商人与收藏》（ps：存疑）（ps：约瑟夫·诺贝尔，博物馆负责行政，并不从事学术研究，却是艺术造假领域公认专家）他很清楚，翻砂工艺直到14世纪之后才被发明。古希腊雕塑家使用所谓的“失蜡法”铸造青铜，即在蜂蜡模型外面包裹模具，之后进行加热，在蜂蜡从模具底部洞口流出后将熔化的青铜倒入，形成没有接缝的雕像。马头的顶端和靠下面的马鬃处各有一个小孔。上面的孔显然用于插上一根钉状物，古希腊人习惯在大雕像上使用此法，以防止鸟类弄脏雕像；小件雕塑上出现小孔完全没有意义，除非是有人在制作雕像时不知道小孔的本来用途。下面的孔显然想用于马笼头，但其在马脖子上的位置过低，无法有效使用——公元5世纪的希腊艺术家不会有任何人犯此类错误。 1967年，诺贝尔英说新泽西州有一家公司利用伽马射线检测核潜艇有无内部裂缝…… 路易斯·布朗发表了一篇论文，认为在1887年埃德沃德·迈布里奇拍摄系列动物和人类动态照片之前，所有艺术展现的移动马匹及所有四条腿动物在解剖学上都不正确——除了大都会博物馆的那件古希腊青铜马。在许多年里，他一直对自己发现的这个例外迷惑不解，后来，得知那件小铜马实际上是依据迈布里奇的照片而作，他感到如释重负。埃及建筑风格对美国19世纪公共建筑影响至深——特别是纽约法院大楼，它的巨大外墙模仿了埃及神庙，市民戏称其为“埃及陵墓”。 20世纪20年代是埃及考古的伟大时代。据说，轻轻抚摸雕像（哈特谢普特女王像）膝盖的人，会避免对政治产生的痴迷。（仪式头盔）由“兵器铸造届的米开朗基罗”——菲利普·内格洛利为法兰西国王弗朗西斯一世打造，那件东西或许是大都会博物馆的最精美铠甲。 19世纪中叶，英国的哥特式复兴达到顶峰，许多美国新贵受到感染，对铠甲产生了渴望。在欧洲，绝大多数武器铠甲收藏保存在专题博物馆——维也纳瓦封萨穆隆博物馆、马德里阿梅里亚·瑞尔博物馆、德累斯顿皇家铠甲博物馆、巴黎军事博物馆及伦敦塔博物馆等等。 ps大意：画家古斯塔夫·多雷也曾参加里格斯在巴黎奥梅尔路的大房子，被书中称其为铠甲爱好者。如我们所见，大都会博物馆古典艺术部和埃及艺术部的员工队伍得益于波士顿美术馆的培养（实际上是挖了对方墙脚）。威廉·伯德希望某位富裕收藏家买下一幅画，收藏家抗议说自己不喜欢那幅画。伯德坚定地回答说：“那不是问题，博物馆需要它，我们不能让它溜走，而我们买不起它；与此同时，你可以拥有那幅画，有可能学会了解它。” 1913年，布赖森·伯洛兹更加勇敢地捍卫了现代艺术，纽约军械库展览会臭名昭著，他却建议从那里购买法国画家塞尚的一幅画作。（1913年）与马蒂斯的《蓝色裸体》或杜尚的《下楼梯的裸女》相比，塞尚1890年所作的《波尔夫的山峦》似乎更能令董事们赏心悦目，在别的情况下，那幅柔和的景物画或许不会引起董事们的关注。尽管如此，罗伯特·德·弗里斯特和其他几位董事并未对塞尚这幅画产生任何兴趣；虽然德·弗里斯投票反对，博物馆征集委员会仍以微弱多数赞同柏洛兹的辩论，认为“这次征购会轰动一时……并为博物馆赢得重要朋友”，使《波尔夫的山峦》成为进入美国博物馆的首幅塞尚作品。大都会博物馆从伦敦佳士得拍卖行买下了委罗内塞画作《美神和战神》，成交价是8000英镑，该画于1910年入藏大都会博物馆；约瑟夫·杜维恩极为推崇鲁本斯，但在说服客户购买其作品时却麻烦不断，客户们并不喜欢鲁本斯笔下的胖女人，但他们有时候愿意买下来送给博物馆。本杰明·奥尔特曼，当其他纽约百万富翁藏家买入法国巴比桑画派景物画、家畜肖像画时，他已开始征购伦勃朗作品。根据威廉·伯德所说，奥尔特曼得收藏在规模和种类上都不如摩根收藏，但是，它“无疑在质量上胜出，特别是在绘画部分。” 虽然摩根对收藏品质的把握与奥尔特曼一样成熟，但他对艺术品的感情仍基于空想和历史，而非审美；他对藏品的好恶，主要在于它在文化发展中的地位。奥尔特曼则很少在意藏品的历史联系，他所需要的是藏品在精致完美形态中的审美品质。奥尔特曼购买的伦勃朗作品超过美国任何其他收藏家，而且几乎全是顶级作品。在奥尔特曼和摩根的时代，许多人热捧十八九世纪的英国肖像画，但两人均未对此表示过特别兴趣。人们普遍认为荷兰艺术高峰出现在哈德逊死后的1625年至1670年间，因此，此展在历史断代方面属于例外。（ps：奥尔特曼的要求）……这两个展厅均不可再展出其他藏品，绘画悬挂应“排列成一直线，不能叠加展示”。无论那些装饰品如何昂贵，它们都各就各位，只为摩根一人装饰；正因为如此，使他的生活方式显得帝王相十足。 1909年，英国则大幅度提高了遗产税。藏品包装箱总计351只，其中不包括书籍和手稿；包装和运输工作从1912年2月持续进行到1913年1月（第五批发货原计划搭乘“泰坦尼克号”于1912年4月12日离港，因未及时准备妥当错过了船期）。大都会博物馆的创建者和法人创立者中有6名律师，其中一人是约瑟夫·乔特，…… （ps：博物馆的主要目标之一）使艺术应用于产品制作和实际生活，应用于教育。（迈克尔·德莱塞）此人曾使富人阶层流行佩戴珍珠（以前，珍珠被视为不祥之物）。 1920年，美国已有92家专注于美术的博物馆，比1904年增加了一倍多。（1876年）虽然当时的展览侧重于历史和爱国而不是审美，但它在19世纪晚期掀起了一股“复制”殖民时期家具的风潮；那个时期也被认为是认真收藏美国艺术品的开始。博物馆研究员的职责不是假装左顾右盼，而是发掘出藏品的博物馆价值。美国艺术展厅的教育相当狭窄，学生们能够对相对富裕的祖先有很多了解，知道他们是乡绅、商人、种植园主；但是，对于佃农或黑奴等佣人们的生活，美国艺术厅只字未提。 1918年，作为战时实验，大都会博物馆开始每周六晚上举办免费音乐会，那似乎成为博物馆唯一出现的拥挤场面。 20世纪20年代，……减少展厅绘画展品数量，不再按过去的风格布展，不再把画作一幅挨一幅码到天花板，不再把它们挂在清一色裹着红色台球布的墙上。如果不与生活发生联系，艺术就不能生存；博物馆的真正功能或许让人们更强烈地认识到自身的存在；… 1904年至1924年，令人尊敬的本杰明·吉尔曼担任波士顿美术馆董事会秘书，他也对强调博物馆教学的重要性提出质疑。吉尔曼认为，艺术博物馆的目的是审美而非教条。分散藏品会在增加审美价值的同时降低教育价值，学生们的需要会得不到满足，博物馆在艺术、历史和文化方面发挥的教育作用会减弱。 …为给悲痛欲绝的妻子排忧解闷，布鲁门萨尔带她前往欧洲，鼓励她学习艺术史。 ps大意：1910年，先锋派画廊展马蒂斯素描作品。布鲁门以每幅20美元，买了3幅。怕大都会博物馆不会接受，但这3幅素描甚至全部用于展出，它们可能是最早进入公共博物馆的马蒂斯作品。收藏家出于多种原因接触艺术品。绝大多数与审美价值无关。只有极少数人出于个人原因喜爱艺术品，而他们中的大多数主要是通过视觉感受对艺术品产生反应。大都会博物馆的研究员普遍在博物馆工作了15年或更长时间，他们在许多方面绝不相同，只有一个相似之处，即之前都未有过博物馆经历或受过博物馆培训。 1919年，柏洛兹巧妙地捡了个大漏儿，以不可思议的3370.79美元低价买下了彼得·布吕赫尔的《收获者》，那是世上最重要的绘画杰作之一（人们常说它是西方艺术史上第一幅真正意义上的风景画）。直到建馆差不多50年后，版画才得以在大都会博物馆登堂入室。期间，一次巴黎之行使他难以忘怀，他在一起塞纳河南岸的一家版画店发现并以60法郎买下了一册戈雅作品《战争的灾难》。自此，他开始在可承受的范围内努力收藏。 …自15世纪发明木刻开始，… 不久后版画部收到一笔年度研究经费，用于征集价值在1000美元以下的藏品。艾文斯认为古希腊艺术缺乏活力，不喜欢那些“在形式上缺乏个性，具有合影照特征”的著名大理石雕像。“正如米洛斯的维纳斯也许很可爱，”他写道，但她是所有傻女人、所有愚笨的最后象征——全然缺乏思想、缺乏情感、缺乏表情。” 因为已“没有任何重要的古希腊绘画保留至今（不包括彩陶瓶绘画）”。真正值得公众了解的是关于艺术品制作背景的理性和充满想象力的描述，而目前的博物馆并未努力提供此类信息。中世纪时，僧侣们在欧洲各地建造修道院。（法国南部）当地居民在自家花园至少立有一根修道院石柱，那已成为一种时尚。洛克菲勒（纽约现代艺术博物馆创始人艾比的丈夫），他发现现代绘画不过是”渴望自我表现，艺术家似乎再说’我无拘无束，不受制于任何形式，艺术是自我身体里流淌出来的'”。洛克菲勒关注艺术的工艺，注重细节和形态完美——他发现中国瓷器集中体现了所有这些特质，并与1913年开始收藏。洛克菲勒从未在绘画中发现瓷器所具有的纯洁、冷静以及不受个人情绪影响的完美，很快非同寻常地热衷于占有它们。中世纪艺术以做工精湛著称，基本上都是匿名制作，所表现的不是工匠个人而是时代精神。在两次世界大战之间，美国大约新建了300座艺术博物馆，包括最近在华盛顿建成的美国国家美术馆，它体量巨大，由安德鲁·梅隆1939年资助创建，1941年对公众开放。（1941年）这使美国的艺术博物馆首次在数量上超过了科学和自然历史博物馆，并得到主要是来自民众的热情支持。从某种程度上讲，纽约现代艺术博物馆（MOMA）的诞生是大都会博物馆不重视现代艺术的结果。如果这位博物馆老大哥没有对现代艺术不屑一顾，就不会有创建现代艺术博物馆的必要。弗朗西斯·亨利·泰勒的三把火之一是购买了一台电影放映机，邀请公众晚上来馆观看纪录片和外国电影，如法国电影《大幻想》，该片当时还未在任何商业影院放映。泰勒在博物馆启动了音乐会项目，邀请来活跃于波士顿、纽约等地的顶级演奏家。泰勒的另一项创新是在所有展厅摆放图书，包括与展品有关的艺术普及书籍、介绍具体展品的文章以及任何能够鼓励读者深入欣赏艺术的材料。泰勒还为博物馆每个业务部设立书房，所有观众可前往翻阅书刊，甚至可以在某位高级研究员的照看下把玩某些藏品，当时，博物馆举办临时特别展览十分罕见，而泰勒则视其为一种手段，以吸引之前从未来过博物馆的人走进博物馆。展品中包括了部分镀金的安提阿银生餐杯，它是已知最早的基督徒圣餐杯（确定它制作于公元4世纪至5世纪），一些趋于幻想的学者曾认为它就是耶稣基督本人在最后晚餐时用过的圣餐杯。结果是，人们为一睹圣餐杯的风采成群结队地拥入博物馆（1950年，此圣餐杯被大都会博物馆买下，目前在修道院博物馆展出；……）很多人觉得泰勒正在创造一种接近公众的全新方法。《商人与收藏》（ps：指的是讲博物馆更加贴近公众）（ps：在泰勒的诸多革新下）那些从未来过博物馆的观众在参观后常常吃惊地发现：博物馆其实挺好玩儿。 ……或让博物馆成为学习和理解的殿堂……或仍然只是体现永恒古巴比伦唯美主义享乐及私人考古不可告人罪过的空中花园。在泰勒担任伍斯特博物馆馆长的10年里，该馆的年观众量已从4.7万跃至14.7万。第一件事是进入博物馆主厅的十字转门不复存在，实施了70年的付费参观制度被废除，开始实行免费开放。希望人们走进博物馆是泰勒的主要目标，这件事成为其最好体现。（泰勒和艾文斯）两人都意识到，先进的技术将为许多人创造更多的休闲时间，相信博物馆教育再不能满足于告诉观众应该喜欢什么以及为什么喜欢。即博物馆不是静止不动的宝库，而是美国社会一股充满活力的教育力量，或如泰勒所言：“一个自由、无拘无束的文科大学，它不需要入学条件，每人可根据自身能力学习。在泰勒领导下，馆长餐厅已成为一处迸发思想火花的地方，大家对博物馆之外的任何话题各抒己见，争先恐后，以此取代了之前相对严肃的讨论。提醒读者对东方艺术而言，无法断定藏品作者或时代是常有的事。泰勒最不受欢迎的举动之一是设定了大都会博物馆的退休年龄——男员工65岁，女员工60岁。在这之前，博物馆没有一名员工因年龄原因必须离开——图书管理员威廉·克利福德已90岁高龄，仍每天早上来博物馆上班，在办公桌上打瞌睡。……（几年后，大都会博物馆所有员工纳入社会保障体系，男女退休被强制定位65岁）温特尼兹的目标是使每件乐器都能演奏，作为一名音乐家，他认为如果乐器从不演奏，它就不能生存。很快，向会员免费开放的音乐会风靡一时。为了听音乐会，许多纽约人成为大都会博物馆会员，会员数量出现了9年来的首次大幅增长。温特尼兹举办的音乐会在很大程度上促成了战后巴洛克和前巴洛克音乐的复兴；这些音乐贯穿了整个战争期间，将更多、更热情洋溢的公众吸引至大都会博物馆。目前，服饰研究所独一无二，是大都会博物馆唯一践行1870博物馆宪章中特定条款的部门，即致力于使艺术应用于产品制作和实际生活。一战期间，惠特尼工作室俱乐部开始在“无奖品、无评委”原则下举办年度会员作品展，会员数量从约20人迅速升至200多人，很快囊括了差不多所有美国艺术流派。自1906年至1931年，大都会博物馆的雕塑征集一直由丹尼尔·切斯特·弗伦奇掌控，他是一位博物馆董事和学院派雕塑家，只认同自己朋友和学生的作品。对大都会博物馆最尖锐的批评集中在抽象艺术，似乎每天都有更多人加入此批评阵营，却依旧无法冲破大都会博物馆的防线。1940年，抽象画家斯图尔特·戴维斯谴责大都会博物馆“压制现代和抽象艺术的政策，与专制统治一样有效”。霍华德·德夫建议大都会博物馆与惠特尼博物馆（或许还包括现代艺术博物馆）达成某种合作协议，类似协议已在卢森堡和卢浮宫之间存在了很长时间，根据协议，重要艺术家去世后，其作品将从卢森堡转移至卢浮宫收藏，卢浮宫将向卢森堡支付相关费用，使后者有资金购买在世艺术家作品。亨利·肯特曾明确表述过：“在匆忙中购买现代艺术，等于在闲暇时后悔不迭。” 泰勒对罗兰·雷蒙德说，长期不使用赫恩基金收益不仅反应了可征集画作稀少，更反应了“多年以来对基金的不当管理”。在1940年的一份报告中，这位版画部主任兼博物馆董事会法律顾问令人信服地辩论道：公共博物馆对当代艺术的态度应与公共图书馆对当代图书的态度无异，不管董事们喜欢与否，都应该买入一些代表作并愿意承担风险。目前，大都会博物馆已面临这样的机会。对大都会博物馆董事们而言，纽约市不支付博物馆基本建设费用的事情从未发生过。美国绘画和雕塑最让人烦恼的趋势是抽象和“变形”，那似乎越来越成为现代艺术的主导潮流，也是大都会博物馆董事们最想置于脑后的事情。（1921年）大都会博物馆举办了一个法国印象派和后印象派绘画展，该展遭到几家报纸攻击，谴责展览内容“堕落”和“布尔什维克式”激进。（1934年）当时，现代艺术博物馆的阿尔弗雷德·巴尔为莉莉·布里斯收藏撰写了一本图录，其中提到大都会博物馆“没有高更、修拉、西涅克、图卢兹-劳特累克、亨利·卢梭、马蒂斯、德朗、毕加索、杜诺叶·德·塞贡扎克、莫迪利亚尼等艺术家的作品”。 “当今日的所谓’狂野’被当作明日的保守象征时，”科丰说，“希望你们允许一些’狂野’之作光临大都会博物馆，并在展墙上为今后的新创造预留一些空间，这样想不为过吧？” 建议现代艺术博物馆将自己的藏品的时代跨度定位50年，所拥有藏品已达到或超过20年时，大都会博物馆可买下其中年代超过50年的艺术品。然而，双方未取得任何具体进展，联合委员会最终停止了会谈。（1947年左右，大都会、纽约现代、惠特尼，5年协议）法律形式需要定义，为了达成协议，“现代艺术”一词“被认为包括某位在世艺术家创作的任何绘画、素描、版画或雕塑，以及某位已去世、扔在当代艺术运动中具有重要影响的艺术家创作的任何上述作品”；而古典艺术包括“已成为人类历史组成部分的所有其他绘画、素描、版画或雕塑”。……但是，法律文件是法律文件，每人都大概知道其中含义。《商人与收藏》p.266。||| ps：仅供参考，上述的“现代”或许指的也就是那个时代的“当代”。那么根据这条定义，许多事情将明朗。例如，那个当代伪造大师，他实际是在用当代的东西去伪造“古典的东西”，如果按照这个定义，他的作品就很难划分，因为他的作品不是“历史组成部分”也就是价值确实如纪录片说讲。那么他所创作的就应当是“当代”，其价值如果按照当代价值，分析，卖出（低价），似乎可被按照合理范围（不伪造他人画作而署名自己）。当最高分端在于其伪造“古典艺术”，使其价值提升及建立在当代的审美上的审美提升。或许这段文字没有什么意义，表述也不明确。但那条定义或许是重要的钥匙。（1947年，5年协议时）大都会博物馆专于“古典艺术”，现代艺术博物馆专于当代、近期欧洲和美国视觉艺术，惠特尼博物馆专注于美国艺术；然而，令阿尔弗雷德惋惜不已的是，现代艺术博物馆曾答应出售给大都会博物馆的40幅画作还是交易了，其中包括2幅塞尚、3幅马蒂斯油画、2幅鲁奥、3幅修拉素描、5尊马约尔雕塑，以及2幅毕加索杰作《穿白衣的女人》和《发型》。回想起刚刚的定义，看来N3画廊的定位和发展方向是完全正确的啊。但万事皆可变，万事会融入万事中，谁又知会如何呢?起码证明了当时自己还是太年轻，无法理解。现在也依然年轻吧。 1948年9月30日，正值三馆签约一周年之际，惠特尼博物馆正式退出了三观协议。泰勒也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同样标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货。” 鲁特说：如果大部分对’艺术’感兴趣的公众称赞某位艺术家的作品，愿意观看……（顾问委员会）将征集并展出这些作品。” 具有讽刺意味的是，20世纪20年代克雷斯曾提出把自己的收藏赠送给大都会博物馆，当时他的藏品多半是平淡无奇的法国沙龙绘画，遭到大都会博物馆的冷漠拒绝。大都会博物馆有一个古怪的习惯，把雕塑视为一种装饰一时，这或许与大都会博物馆的雕塑展示较差有某种关系。大意：1945年，米开朗基罗未完成的雕塑《龙达尼尼圣母怜子像》，这是他最后的作品。大都会出价50万美元。卖方要求55，意大利参议院两名共和党议员抗议，新政府被威胁，总理决定不冒这份险。最终以20万美元的价格出售给了米兰市。未参与竞拍的原因有二，一是价格高达500万美元，二是虽然绘画部主任西奥多·卢梭确信《吉内薇拉·班琪》出自达·芬奇之手，但他坚信，与达·芬奇后来的杰作如《蒙娜丽莎》或波兰克拉科夫市所藏《抱银貂的女子》相比，《吉内薇拉·班琪》属于不同级别的作品。（买浮雕宝石，报价10万，泰勒出7.5万美元）……令宝石的拥有者罗特希尔德深感受辱——无人与此家族的人讨价还价，并因此决定自己继续保藏。 1948年至1958年，（月度最佳图书俱乐部）该俱乐部卖出800万幅微型画复制品。此后，该项目被同样火爆、有关艺术鉴赏的“大都会博物馆研讨会”小册子所取代。泰勒本人出版了《天使的品位》一书，那是他计划撰写的两卷艺术收藏史的一卷； p.279. 1945年，国际博物馆协会在大都会博物馆举办会议，对与（协）会的绝大多数外国学者和博物馆人士而言，泰勒在会议期间似乎如鱼得水。《商人与收藏》。ps：此处书中似乎缺少“协”字，哈哈，虽然我经常错字断片，能在书中找到这种情况还是很好玩儿的。普雷斯顿·雷明顿的布展设计典雅准确，偏好用“阳刚灰”做展览背景色。泰勒坚持认为，如果一件藏品未被展出、出借或供学者们使用，博物馆应将其淘汰。泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家和公众之间的鸿沟。鉴定一名博物馆人是否完美，最重要的一项测检是看他能否与有钱的收藏家们相处甚欢，在这一点上，罗瑞墨也是成绩优异。二战结束后，大都会博物馆开始征集后印象派和巴黎流派作品，… 罗瑞墨尽心尽责追求的捐赠人身上反映了美国艺术收藏规模和形式的巨大变化。美国人不再仅仅追求祖父辈、父辈喜欢的那种艺术品。人们倾向于更小、更随意的住房和公寓，因此所喜爱的珍藏的尺寸和形状受到了限制。自1952年巴黎拍卖加布里埃尔·科尼亚克作品以来，这类作品（印象派和后印象派）的价格已是水涨船高，其市场竞争日趋激烈。新近加入收藏队伍的美国收藏队伍的美国收藏家只剩下两种选择：开始冒险收入当代艺术，或者找点绘画之外的东西收藏。 1963年，大都会博物馆以创纪录的230万美元拍下了这幅伦勃朗作品，那个天价一度在观众心中挥之不去，反而使人们难以欣赏作品本身。从长远看，其价格会被遗忘，而绘画本身不会。 ps大意：1961年11月15日，大都会想以100万价格买伦勃朗的画，在激励的竞拍下。最终以220（230？）万收入馆藏。‘’‘’‘’有人甚至认为，大都会博物馆只买最好藏品的决心对未来向博物馆捐赠和遗赠是一种鼓励（现在大都会博物馆说，情况确实如此）。1961年，大都会博物馆的年观众量比前一年多出了100万，其中三分之二出现在《亚里士多德》展出后的两个月内。大都会博物馆把《亚里士多德》放在大厅展出，前面拉着天鹅绒隔离绳。 ps大意：1963年2月《蒙娜丽莎》到大都会博物馆。人群蜂拥，大家朝圣此“圣物”，而实际情况是数百年的清漆和厚厚的玻璃，很多人只是看了一幅模糊不清的“著名绘画”，更有人讲到，“等他（婴儿）长大了，我会说他见过蒙娜丽莎。balabala感受，理解balabala……”‘’‘’‘’‘然而，为了适当利用博物馆，一定要对公众进行教育，使其洞察一件艺术作品复杂的内在生命，否则，博物馆体验只会停留在猎奇的层面。
引自 1~4章
文字摘录自：《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》 ISBN: 9787544733717
图文无关；读书札记摘录，未校队是否与原文完全相符，仅供参考。

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第282页

Ultramarine

泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
2015-04-14 12:17

泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
引自第282页

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Ultramarine

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
2015-04-14 12:11

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
引自第268页

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第1页 1~4章

魏文绮 (.)

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际...
2018-07-08 12:52

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。
大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际上，社会公众的参与或许表明大都会博物馆的真正工作才刚刚起步。 1880年3月，大都会博物馆终于在纽约中央公园有了新家。相信以更美的形式传播艺术知识，将直接有助于教化人性，使劳苦大众得到教育，变得更为高雅。博物馆生存的基础和理由是发挥其教育功能，博物馆不能只是堆积收藏精品（此举常被认为绝无可能）。艺术家则属于梦幻沉思和冥思苦想阶层，他们不懂世故，缺乏进取心、事业心。对卖弄风情的情妇感情炽热，沉溺于自我世界而不能自拔。美国的艺术拍卖和展览数量持续增长，包括廉价艺术印刷品热销及欧洲游不断升温，都极大提高了“重商主义和艺术的社会重要性”。而意大利的诸多城市，则依靠着继承下来的艺术珍品过活。大都会博物馆董事们对“各行各业的工匠”极感兴趣，诚心为他们提供具有启迪性的展览，以“展示过去取得的成就，供其模仿和超越”。然而，博物馆一词的最初含义是自然科学，而不是绘画和雕塑。 ……他们中间越来越多的成员认为，绘画和雕塑已成为人们精装家居的必需品。 3年之后，美国艺术联盟名存实亡，法院以非法经营彩票罪将其强行关闭。如纽约诸多更具娱乐性的设施一样，最早构建大都会博物馆的想法始于巴黎。美国本土艺术家的数量和能力在增长，但他们仍然被迫出国学习，因为在自己的祖国，他们找不到任何能够观赏过去伟大作品的地方。而艺术是崇高道德的导师，能够扬善抑恶。一座值得纽约和这个国家拥有的伟大博物馆，应展示世界各国、各时代的艺术史，包括纯艺术和实用艺术。即博物馆必须成为普及教育的工具，其基本功能是社会和道德教育——之后才是审美教育。这些艺术博物馆出现于18世纪末，与最早出现的百科全书处于同一历史时期。第一座公共博物馆诞生于1793年，当时，共和政权没收了卢浮宫及其所有珍宝，宣布对人民开发。欧洲的博物馆扔紧抱贵族鉴赏的传统观念不放。即便是卢浮宫，在1793年对公共开放时，每10天中有5天只对专业艺术家开放；其结果是，卢浮宫自此成为主要的法国艺术试验室，而外国游客则成为观众中的绝大多数。大英博物馆于1759年对公众开放，直到19世纪，该馆扔在实行书面预约参观，参观者还必须是合格的“绅士”。现在，绝大多数欧洲博物馆，包括卢浮宫，认为它们的主要服务对象是艺术家、学者和鉴赏家。欧洲的博物馆容忍但绝不培养公众。只是最近这些年，它们才更多想到了公共教育。与当时绝大多数收藏家一样，他只买“当代”的东西，也就是说，只买当代法国学院派画作：…… “鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐。” 他们相信没有国家的大规模支持，这个新设机构生存机会极小。 1870年，古典杰作热刚刚兴起。在19世纪前六七十年——事实上，几乎与历史所有其他阶段一样——人们的主要兴趣一直是当代艺术；（ps：大意，中央公园离市区太远，当时人们倾向于将大都会博物馆建立在老纽约水库，于是）……怀疑是否能够说服人们跑那么远去看艺术品。 ……特别是托马斯·纳斯特在《哈泼斯周刊》上发表的那些讽刺漫画，即便是文盲选民也看得懂。由卡福特·沃克斯和雅各布·默德公司设计（ps：大都会博物馆的新址）。《商人与收藏》 ps：这货那么早就开始做这种资金充足的大项目，建筑果然是万岁的事业啊。但这些有限的藏品组成了一个连续的整体，为无法前往欧洲的学生提供了有益的学习资源。事实上，在那些日子里，博物馆董事们接受可以得到的任何东西。 1874年，大都会博物馆再次尝试在晚间开放，以满足因白天事务缠身而无暇来馆参观的艺术爱好者的要求。结果表明，此类观众数量少得令人痛苦——平均每晚只有32位“神人”到访。他们立场坚定，不愿意在礼拜日“像游乐场一样“开放博物馆”。强调说“机械师和工匠”是我们观众中最稳定、最好学的人群”。 19世纪是业余考古学家的黄金时代。塞浦路斯很早以来一直是地中海贸易中心和希腊神话中爱神阿芙罗狄特的诞生地，那里拥有特别丰富的探险资源。（1878年）他们（大都会）在周一和周二收取50美分门票，但很快发现大约有三分之二的我预期观众会选择离开而非掏钱买票。……博物馆门票被减至25美分，……每周仅有十几人愿意享受付费特权提高自身品味。……免费日则是完全不同的另一番景象。以符合阿弗洛狄特爱神的特征，进而增加自身价值（镜子通常是那位爱慕虚荣的女神的象征）。换句话说，那件东西是赝品。 ps大意：1880年8月～1882年3月，1910年销声匿迹。期间作者加斯顿·弗阿尔当（其父是著名法国文物艺术品交易商）怀疑过博物馆内藏品的真伪。馆长是切斯诺拉。最后馆长被法庭判为无罪。但此事似乎很是轰动。那么，早在很久以前就有人质疑过博物馆的权威性和流通古董的真伪，是否促进了现代，当代的艺术形成？《切斯诺拉藏品中移花接木的雕像》写道：“未经过修补、修复、变换、加补、拆卸和刷涂的雕像少之又少。” 修补是简单地把属于同一件文物的碎片拼接在一起，而修复包括了基于理论或对文物原样推测对丢失部分的再创造。在藏品中，有几尊驱赶雕像可能张冠李戴了不属于它们的头像，反之亦然； 1880年，科尼利厄斯·范德比尔特把近700幅意大利素描作品捐了出来，被选为博物馆董事。 ps：しかし，0口0。批评家克拉伦斯·库克说，如果大都会博物馆董事会哪怕有一名学者，那么这些东西将“永远不会被接受”。……藏品中没有一件古典杰作真品，均为复制品和学校习作，但是，这批范德尔特捐赠品在大都会博物馆以显著方式展示了多年，提升了人们对素描的兴趣。（1850年～1860年）当贾维斯无力偿还贷款利息时，耶鲁大学用2.2万美元收购了所有藏品——它们目前指数百万美元。从那时起，贾维斯的名望和意大利早期作品的价格扶摇至上。（贾维斯捐给的威尼斯玻璃器）加上1880年通过募捐征集的塞谬尔·艾弗里瓷器收藏，这些捐赠品为大都会博物馆提供了值得称道的装饰艺术展示，为当地工匠们提供了大量用于模仿（即便不为超越）的范例。大都会博物馆的董事们一直深受伦敦南肯辛博物馆影响，该馆推出了大型雕塑和建筑复制模型展，波士顿美术馆也正在采取同样的行动。 ……不要指望美国博物馆在艺术原作的收藏方面与欧洲抗衡。……那只是一个极为天真的推测。《商人与收藏》（ps：就是能抗衡，或许更好）复制品展览大受公众欢迎，它的一个好处是使公众开始喜欢原作。董事们没有条件过于挑剔，据博物馆年度报告反映，1883年，一幅“意大利画家卡拉瓦乔或卡罗·多尔奇”（其实两者都不是）的画作被纳入馆藏目录；次年，一幅作者和主题不明的油画也登堂入室。艺术收藏毕竟是一种复杂的追求：永垂不朽、社会地位、虚荣心以及其他心理和经济动机都会不同程度地体现于其中；很多古董商深信，纯粹地，没有一丝杂念地喜爱艺术品的人极为稀少，至少可以忽略不计。（亨利·马昆德的捐赠）其中最不可思议的是荷兰画家维梅尔的《持水罐的年轻女子》，此画由珍珠亮白和精心调制的色调构成，展现出一种魔幻的境界，是该画家进入美国博物馆的首幅作品，也是最早进入美国的画作之一。 1890年以后，追捧法国沙龙绘画的风气很快消退，…… （1881年～1885年博物馆是否周日开放）破坏安息日是更大规模的社会堕落，……（大意：宗教因素，反对周日开放）……“我们不能指望那些具有不同成长背景的人都与早期新英格兰观念保持一致。” 1890年，州立法机构提出法案，强迫两家博物馆在周日开馆。 1891年3月31日是大都会博物馆首个周日开馆日……虽然周日仍然是一周中参观人数最多的日子，但大量观众进入博物馆对抵制大规模的社会堕落并未产生明显效果。 1889年即收入凯瑟琳·伍尔夫沙龙画的那一年，大都会博物馆还接受了马奈的《男孩与剑》和《女人与鹦鹉》，成为最早收藏马奈作品的博物馆。但两幅马奈作品可谓那个时代极为先进的绘画，出任意料地大获好评。那时，法国批评家正对印象派发动猛烈的攻击，而纽约则毫无异议地迎接了马奈。博物馆董事们的政治影响力也与日俱增。拉吉警告说，时代“最黑暗的标志”归根结底是“金钱和获得金钱的方式……似乎已在社会各个角落疯狂蔓延”。摩根的真实财富远不像人们揣测的那样无边无际，一个使人惊讶的事实是，自1890年，他把大部分收益——超过百分之五十——用于收藏艺术品。继成为同时代最伟大的金融家之后，摩根又在艺术战场上获得全胜。在摩根活跃购买的20年间，某些艺术品的价格的确上涨了3倍。……摩根确实购买过一些赝品，在如此大规模的征集活动中，那几乎不可避免。大意：1902年，亨利·杜韦恩以50万美元买下了超过两千件中国瓷器。 ……而是组建不同国家、不同时代的文物精品，按其关系和顺序最广泛地阐释艺术史，使其教育简明易懂、富于启示并引领民族发展。罗杰·弗莱是基督教贵格会教徒，一名最敏感的知识型势利小人；……弗莱与摩根的关系复杂、极难扯清，充满了误解，加之他们的个性差别巨大，似乎不可避免导致了双方刀兵相见。每一种绘画手法犹如一套语言，大家在各种语言中交流获得信息，创建建立在原语言之上的语言，这些语言或更加高等，或产生畸变，等待着再次交流以获得第N个语言。而血脉，原似DNA的东西，最基础的组成元素是保持不变的，宛如音乐中的7音符。而互相交流，就如同生命中的繁衍，杂交可以获得更好的适应能力，得到新生以抵御大环境的变化，保持存在获得永生。曼哈顿下城东区成为世界上最大的犹太人聚集地，那里的居民很快会对纽约的教育机构施加强有力的影响。在财富膨胀的同时，对富人统治的敌意和促进社会改革的压力也在聚集能量。（ps：大约19世纪末）对绝大多数欧洲学者而言，他们所关注的美国唯一的专业性艺术博物馆是波士顿美术馆。 (ps：大约在905～1910年）大都会博物馆基本上沿袭了大英博物馆的体系，但并不是完全照搬。（也就是，按照艺术史脉络设置机构）哥伦比亚大学图书馆主任梅尔维尔·杜威，他发明了十进位图书分类系统，可谓现代图书馆科学之父。肯特开始构建现代博物馆的基本管理体系，没有喧哗，没有鼓乐齐鸣。博物馆每年的第九期馆刊是教育活动专刊，每年9月的贺词也似乎一如既往。对不同阶层的艺术学者、学生及普通成年观众（那些饮食男女）而言，让人看得懂的意义各不相同。一件艺术品可以有许多截然不同的解释，比如讲述故事、宣扬道德规范、传授制作工艺，甚至是分享神秘的审美“经历”——鉴赏家津津乐道于这种体验，却一直无法明确定义。几乎没有老师告知学生，参观博物馆与假日休闲无异；人们认为艺术是严肃话题，参观博物馆的目的是获得灵感和改善自我，而非感观上的愉悦。……“鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐”，不过，董事最终还是投票决定删除了“娱乐”一词。（1906年）罗宾逊雇佣了她（吉塞拉·里克特），日薪5美元，为那些坛坛罐罐编目；即人们目前所知的《集市上的老妇人》。这尊像属于典型的古希腊风格，也是大都会博物馆少有的古希腊雕塑之一，被认为是古希腊原件而非古罗马时期的复制品。大都会博物馆的《爱神阿芙罗狄特》雕像还获得了另一项殊荣：她是第一位出现在《纽约时报》头版的裸女，报纸大方地登载了她1952年现身时的照片。自古以来，古代雕塑造假一直令鉴赏家头疼。…即便是一件确定无疑的赝品，只要质量上乘，也能卖出真品价格的一半。……大意：米开朗基罗22岁，雕刻《沉睡的爱神伊洛斯》，做旧，卖给古董商又卖给了红衣主教。米开朗基罗，以此为荣，他因此“红得发紫”。伊特鲁里亚艺术家作品风格多样，它们源自哪里难以确定，因而为造假者提供了机会。大意：现代窑容不下巨大的陶俑，他们将其打碎再烧制，这些碎片交给大都会美术馆。实际上大都会博物馆的修复师们完成了这件赝品的最后制作。《商人与收藏》 0口0！菲奥拉万迪主动爆料，称他们使用的釉料中添加了二氧化锰，经过化学和物理光谱分析，发现确实含有二氧化锰，那是一种现代瓷器常用的着色剂，并不为古代人所知晓。意大利人的秘密反映在法庭上，他们赞美所有能够糊弄当局的人，常常认可造假者的辩解，即造假只是为了自己好玩儿。这个时候，造假市场上又出现了一位新的天才——阿尔科·多塞纳。《商人与收藏》（大意：多塞纳从不复制现存艺术品，主攻文艺复兴大师作品，多件作品被当做真品被各种博物馆收藏，大都会也收藏了）（这个人已经出现在不同的书籍上多次了，没想到在大都会的书籍里，也能遇见。hi，很高兴遇见你！）（ps：1909年，南肯辛顿博物馆也中招啦）几年后，由于造假丑闻爆发，多塞纳难以适应风光不再的生活，最终酗酒身亡。《商人与收藏》（ps：存疑）（ps：约瑟夫·诺贝尔，博物馆负责行政，并不从事学术研究，却是艺术造假领域公认专家）他很清楚，翻砂工艺直到14世纪之后才被发明。古希腊雕塑家使用所谓的“失蜡法”铸造青铜，即在蜂蜡模型外面包裹模具，之后进行加热，在蜂蜡从模具底部洞口流出后将熔化的青铜倒入，形成没有接缝的雕像。马头的顶端和靠下面的马鬃处各有一个小孔。上面的孔显然用于插上一根钉状物，古希腊人习惯在大雕像上使用此法，以防止鸟类弄脏雕像；小件雕塑上出现小孔完全没有意义，除非是有人在制作雕像时不知道小孔的本来用途。下面的孔显然想用于马笼头，但其在马脖子上的位置过低，无法有效使用——公元5世纪的希腊艺术家不会有任何人犯此类错误。 1967年，诺贝尔英说新泽西州有一家公司利用伽马射线检测核潜艇有无内部裂缝…… 路易斯·布朗发表了一篇论文，认为在1887年埃德沃德·迈布里奇拍摄系列动物和人类动态照片之前，所有艺术展现的移动马匹及所有四条腿动物在解剖学上都不正确——除了大都会博物馆的那件古希腊青铜马。在许多年里，他一直对自己发现的这个例外迷惑不解，后来，得知那件小铜马实际上是依据迈布里奇的照片而作，他感到如释重负。埃及建筑风格对美国19世纪公共建筑影响至深——特别是纽约法院大楼，它的巨大外墙模仿了埃及神庙，市民戏称其为“埃及陵墓”。 20世纪20年代是埃及考古的伟大时代。据说，轻轻抚摸雕像（哈特谢普特女王像）膝盖的人，会避免对政治产生的痴迷。（仪式头盔）由“兵器铸造届的米开朗基罗”——菲利普·内格洛利为法兰西国王弗朗西斯一世打造，那件东西或许是大都会博物馆的最精美铠甲。 19世纪中叶，英国的哥特式复兴达到顶峰，许多美国新贵受到感染，对铠甲产生了渴望。在欧洲，绝大多数武器铠甲收藏保存在专题博物馆——维也纳瓦封萨穆隆博物馆、马德里阿梅里亚·瑞尔博物馆、德累斯顿皇家铠甲博物馆、巴黎军事博物馆及伦敦塔博物馆等等。 ps大意：画家古斯塔夫·多雷也曾参加里格斯在巴黎奥梅尔路的大房子，被书中称其为铠甲爱好者。如我们所见，大都会博物馆古典艺术部和埃及艺术部的员工队伍得益于波士顿美术馆的培养（实际上是挖了对方墙脚）。威廉·伯德希望某位富裕收藏家买下一幅画，收藏家抗议说自己不喜欢那幅画。伯德坚定地回答说：“那不是问题，博物馆需要它，我们不能让它溜走，而我们买不起它；与此同时，你可以拥有那幅画，有可能学会了解它。” 1913年，布赖森·伯洛兹更加勇敢地捍卫了现代艺术，纽约军械库展览会臭名昭著，他却建议从那里购买法国画家塞尚的一幅画作。（1913年）与马蒂斯的《蓝色裸体》或杜尚的《下楼梯的裸女》相比，塞尚1890年所作的《波尔夫的山峦》似乎更能令董事们赏心悦目，在别的情况下，那幅柔和的景物画或许不会引起董事们的关注。尽管如此，罗伯特·德·弗里斯特和其他几位董事并未对塞尚这幅画产生任何兴趣；虽然德·弗里斯投票反对，博物馆征集委员会仍以微弱多数赞同柏洛兹的辩论，认为“这次征购会轰动一时……并为博物馆赢得重要朋友”，使《波尔夫的山峦》成为进入美国博物馆的首幅塞尚作品。大都会博物馆从伦敦佳士得拍卖行买下了委罗内塞画作《美神和战神》，成交价是8000英镑，该画于1910年入藏大都会博物馆；约瑟夫·杜维恩极为推崇鲁本斯，但在说服客户购买其作品时却麻烦不断，客户们并不喜欢鲁本斯笔下的胖女人，但他们有时候愿意买下来送给博物馆。本杰明·奥尔特曼，当其他纽约百万富翁藏家买入法国巴比桑画派景物画、家畜肖像画时，他已开始征购伦勃朗作品。根据威廉·伯德所说，奥尔特曼得收藏在规模和种类上都不如摩根收藏，但是，它“无疑在质量上胜出，特别是在绘画部分。” 虽然摩根对收藏品质的把握与奥尔特曼一样成熟，但他对艺术品的感情仍基于空想和历史，而非审美；他对藏品的好恶，主要在于它在文化发展中的地位。奥尔特曼则很少在意藏品的历史联系，他所需要的是藏品在精致完美形态中的审美品质。奥尔特曼购买的伦勃朗作品超过美国任何其他收藏家，而且几乎全是顶级作品。在奥尔特曼和摩根的时代，许多人热捧十八九世纪的英国肖像画，但两人均未对此表示过特别兴趣。人们普遍认为荷兰艺术高峰出现在哈德逊死后的1625年至1670年间，因此，此展在历史断代方面属于例外。（ps：奥尔特曼的要求）……这两个展厅均不可再展出其他藏品，绘画悬挂应“排列成一直线，不能叠加展示”。无论那些装饰品如何昂贵，它们都各就各位，只为摩根一人装饰；正因为如此，使他的生活方式显得帝王相十足。 1909年，英国则大幅度提高了遗产税。藏品包装箱总计351只，其中不包括书籍和手稿；包装和运输工作从1912年2月持续进行到1913年1月（第五批发货原计划搭乘“泰坦尼克号”于1912年4月12日离港，因未及时准备妥当错过了船期）。大都会博物馆的创建者和法人创立者中有6名律师，其中一人是约瑟夫·乔特，…… （ps：博物馆的主要目标之一）使艺术应用于产品制作和实际生活，应用于教育。（迈克尔·德莱塞）此人曾使富人阶层流行佩戴珍珠（以前，珍珠被视为不祥之物）。 1920年，美国已有92家专注于美术的博物馆，比1904年增加了一倍多。（1876年）虽然当时的展览侧重于历史和爱国而不是审美，但它在19世纪晚期掀起了一股“复制”殖民时期家具的风潮；那个时期也被认为是认真收藏美国艺术品的开始。博物馆研究员的职责不是假装左顾右盼，而是发掘出藏品的博物馆价值。美国艺术展厅的教育相当狭窄，学生们能够对相对富裕的祖先有很多了解，知道他们是乡绅、商人、种植园主；但是，对于佃农或黑奴等佣人们的生活，美国艺术厅只字未提。 1918年，作为战时实验，大都会博物馆开始每周六晚上举办免费音乐会，那似乎成为博物馆唯一出现的拥挤场面。 20世纪20年代，……减少展厅绘画展品数量，不再按过去的风格布展，不再把画作一幅挨一幅码到天花板，不再把它们挂在清一色裹着红色台球布的墙上。如果不与生活发生联系，艺术就不能生存；博物馆的真正功能或许让人们更强烈地认识到自身的存在；… 1904年至1924年，令人尊敬的本杰明·吉尔曼担任波士顿美术馆董事会秘书，他也对强调博物馆教学的重要性提出质疑。吉尔曼认为，艺术博物馆的目的是审美而非教条。分散藏品会在增加审美价值的同时降低教育价值，学生们的需要会得不到满足，博物馆在艺术、历史和文化方面发挥的教育作用会减弱。 …为给悲痛欲绝的妻子排忧解闷，布鲁门萨尔带她前往欧洲，鼓励她学习艺术史。 ps大意：1910年，先锋派画廊展马蒂斯素描作品。布鲁门以每幅20美元，买了3幅。怕大都会博物馆不会接受，但这3幅素描甚至全部用于展出，它们可能是最早进入公共博物馆的马蒂斯作品。收藏家出于多种原因接触艺术品。绝大多数与审美价值无关。只有极少数人出于个人原因喜爱艺术品，而他们中的大多数主要是通过视觉感受对艺术品产生反应。大都会博物馆的研究员普遍在博物馆工作了15年或更长时间，他们在许多方面绝不相同，只有一个相似之处，即之前都未有过博物馆经历或受过博物馆培训。 1919年，柏洛兹巧妙地捡了个大漏儿，以不可思议的3370.79美元低价买下了彼得·布吕赫尔的《收获者》，那是世上最重要的绘画杰作之一（人们常说它是西方艺术史上第一幅真正意义上的风景画）。直到建馆差不多50年后，版画才得以在大都会博物馆登堂入室。期间，一次巴黎之行使他难以忘怀，他在一起塞纳河南岸的一家版画店发现并以60法郎买下了一册戈雅作品《战争的灾难》。自此，他开始在可承受的范围内努力收藏。 …自15世纪发明木刻开始，… 不久后版画部收到一笔年度研究经费，用于征集价值在1000美元以下的藏品。艾文斯认为古希腊艺术缺乏活力，不喜欢那些“在形式上缺乏个性，具有合影照特征”的著名大理石雕像。“正如米洛斯的维纳斯也许很可爱，”他写道，但她是所有傻女人、所有愚笨的最后象征——全然缺乏思想、缺乏情感、缺乏表情。” 因为已“没有任何重要的古希腊绘画保留至今（不包括彩陶瓶绘画）”。真正值得公众了解的是关于艺术品制作背景的理性和充满想象力的描述，而目前的博物馆并未努力提供此类信息。中世纪时，僧侣们在欧洲各地建造修道院。（法国南部）当地居民在自家花园至少立有一根修道院石柱，那已成为一种时尚。洛克菲勒（纽约现代艺术博物馆创始人艾比的丈夫），他发现现代绘画不过是”渴望自我表现，艺术家似乎再说’我无拘无束，不受制于任何形式，艺术是自我身体里流淌出来的'”。洛克菲勒关注艺术的工艺，注重细节和形态完美——他发现中国瓷器集中体现了所有这些特质，并与1913年开始收藏。洛克菲勒从未在绘画中发现瓷器所具有的纯洁、冷静以及不受个人情绪影响的完美，很快非同寻常地热衷于占有它们。中世纪艺术以做工精湛著称，基本上都是匿名制作，所表现的不是工匠个人而是时代精神。在两次世界大战之间，美国大约新建了300座艺术博物馆，包括最近在华盛顿建成的美国国家美术馆，它体量巨大，由安德鲁·梅隆1939年资助创建，1941年对公众开放。（1941年）这使美国的艺术博物馆首次在数量上超过了科学和自然历史博物馆，并得到主要是来自民众的热情支持。从某种程度上讲，纽约现代艺术博物馆（MOMA）的诞生是大都会博物馆不重视现代艺术的结果。如果这位博物馆老大哥没有对现代艺术不屑一顾，就不会有创建现代艺术博物馆的必要。弗朗西斯·亨利·泰勒的三把火之一是购买了一台电影放映机，邀请公众晚上来馆观看纪录片和外国电影，如法国电影《大幻想》，该片当时还未在任何商业影院放映。泰勒在博物馆启动了音乐会项目，邀请来活跃于波士顿、纽约等地的顶级演奏家。泰勒的另一项创新是在所有展厅摆放图书，包括与展品有关的艺术普及书籍、介绍具体展品的文章以及任何能够鼓励读者深入欣赏艺术的材料。泰勒还为博物馆每个业务部设立书房，所有观众可前往翻阅书刊，甚至可以在某位高级研究员的照看下把玩某些藏品，当时，博物馆举办临时特别展览十分罕见，而泰勒则视其为一种手段，以吸引之前从未来过博物馆的人走进博物馆。展品中包括了部分镀金的安提阿银生餐杯，它是已知最早的基督徒圣餐杯（确定它制作于公元4世纪至5世纪），一些趋于幻想的学者曾认为它就是耶稣基督本人在最后晚餐时用过的圣餐杯。结果是，人们为一睹圣餐杯的风采成群结队地拥入博物馆（1950年，此圣餐杯被大都会博物馆买下，目前在修道院博物馆展出；……）很多人觉得泰勒正在创造一种接近公众的全新方法。《商人与收藏》（ps：指的是讲博物馆更加贴近公众）（ps：在泰勒的诸多革新下）那些从未来过博物馆的观众在参观后常常吃惊地发现：博物馆其实挺好玩儿。 ……或让博物馆成为学习和理解的殿堂……或仍然只是体现永恒古巴比伦唯美主义享乐及私人考古不可告人罪过的空中花园。在泰勒担任伍斯特博物馆馆长的10年里，该馆的年观众量已从4.7万跃至14.7万。第一件事是进入博物馆主厅的十字转门不复存在，实施了70年的付费参观制度被废除，开始实行免费开放。希望人们走进博物馆是泰勒的主要目标，这件事成为其最好体现。（泰勒和艾文斯）两人都意识到，先进的技术将为许多人创造更多的休闲时间，相信博物馆教育再不能满足于告诉观众应该喜欢什么以及为什么喜欢。即博物馆不是静止不动的宝库，而是美国社会一股充满活力的教育力量，或如泰勒所言：“一个自由、无拘无束的文科大学，它不需要入学条件，每人可根据自身能力学习。在泰勒领导下，馆长餐厅已成为一处迸发思想火花的地方，大家对博物馆之外的任何话题各抒己见，争先恐后，以此取代了之前相对严肃的讨论。提醒读者对东方艺术而言，无法断定藏品作者或时代是常有的事。泰勒最不受欢迎的举动之一是设定了大都会博物馆的退休年龄——男员工65岁，女员工60岁。在这之前，博物馆没有一名员工因年龄原因必须离开——图书管理员威廉·克利福德已90岁高龄，仍每天早上来博物馆上班，在办公桌上打瞌睡。……（几年后，大都会博物馆所有员工纳入社会保障体系，男女退休被强制定位65岁）温特尼兹的目标是使每件乐器都能演奏，作为一名音乐家，他认为如果乐器从不演奏，它就不能生存。很快，向会员免费开放的音乐会风靡一时。为了听音乐会，许多纽约人成为大都会博物馆会员，会员数量出现了9年来的首次大幅增长。温特尼兹举办的音乐会在很大程度上促成了战后巴洛克和前巴洛克音乐的复兴；这些音乐贯穿了整个战争期间，将更多、更热情洋溢的公众吸引至大都会博物馆。目前，服饰研究所独一无二，是大都会博物馆唯一践行1870博物馆宪章中特定条款的部门，即致力于使艺术应用于产品制作和实际生活。一战期间，惠特尼工作室俱乐部开始在“无奖品、无评委”原则下举办年度会员作品展，会员数量从约20人迅速升至200多人，很快囊括了差不多所有美国艺术流派。自1906年至1931年，大都会博物馆的雕塑征集一直由丹尼尔·切斯特·弗伦奇掌控，他是一位博物馆董事和学院派雕塑家，只认同自己朋友和学生的作品。对大都会博物馆最尖锐的批评集中在抽象艺术，似乎每天都有更多人加入此批评阵营，却依旧无法冲破大都会博物馆的防线。1940年，抽象画家斯图尔特·戴维斯谴责大都会博物馆“压制现代和抽象艺术的政策，与专制统治一样有效”。霍华德·德夫建议大都会博物馆与惠特尼博物馆（或许还包括现代艺术博物馆）达成某种合作协议，类似协议已在卢森堡和卢浮宫之间存在了很长时间，根据协议，重要艺术家去世后，其作品将从卢森堡转移至卢浮宫收藏，卢浮宫将向卢森堡支付相关费用，使后者有资金购买在世艺术家作品。亨利·肯特曾明确表述过：“在匆忙中购买现代艺术，等于在闲暇时后悔不迭。” 泰勒对罗兰·雷蒙德说，长期不使用赫恩基金收益不仅反应了可征集画作稀少，更反应了“多年以来对基金的不当管理”。在1940年的一份报告中，这位版画部主任兼博物馆董事会法律顾问令人信服地辩论道：公共博物馆对当代艺术的态度应与公共图书馆对当代图书的态度无异，不管董事们喜欢与否，都应该买入一些代表作并愿意承担风险。目前，大都会博物馆已面临这样的机会。对大都会博物馆董事们而言，纽约市不支付博物馆基本建设费用的事情从未发生过。美国绘画和雕塑最让人烦恼的趋势是抽象和“变形”，那似乎越来越成为现代艺术的主导潮流，也是大都会博物馆董事们最想置于脑后的事情。（1921年）大都会博物馆举办了一个法国印象派和后印象派绘画展，该展遭到几家报纸攻击，谴责展览内容“堕落”和“布尔什维克式”激进。（1934年）当时，现代艺术博物馆的阿尔弗雷德·巴尔为莉莉·布里斯收藏撰写了一本图录，其中提到大都会博物馆“没有高更、修拉、西涅克、图卢兹-劳特累克、亨利·卢梭、马蒂斯、德朗、毕加索、杜诺叶·德·塞贡扎克、莫迪利亚尼等艺术家的作品”。 “当今日的所谓’狂野’被当作明日的保守象征时，”科丰说，“希望你们允许一些’狂野’之作光临大都会博物馆，并在展墙上为今后的新创造预留一些空间，这样想不为过吧？” 建议现代艺术博物馆将自己的藏品的时代跨度定位50年，所拥有藏品已达到或超过20年时，大都会博物馆可买下其中年代超过50年的艺术品。然而，双方未取得任何具体进展，联合委员会最终停止了会谈。（1947年左右，大都会、纽约现代、惠特尼，5年协议）法律形式需要定义，为了达成协议，“现代艺术”一词“被认为包括某位在世艺术家创作的任何绘画、素描、版画或雕塑，以及某位已去世、扔在当代艺术运动中具有重要影响的艺术家创作的任何上述作品”；而古典艺术包括“已成为人类历史组成部分的所有其他绘画、素描、版画或雕塑”。……但是，法律文件是法律文件，每人都大概知道其中含义。《商人与收藏》p.266。||| ps：仅供参考，上述的“现代”或许指的也就是那个时代的“当代”。那么根据这条定义，许多事情将明朗。例如，那个当代伪造大师，他实际是在用当代的东西去伪造“古典的东西”，如果按照这个定义，他的作品就很难划分，因为他的作品不是“历史组成部分”也就是价值确实如纪录片说讲。那么他所创作的就应当是“当代”，其价值如果按照当代价值，分析，卖出（低价），似乎可被按照合理范围（不伪造他人画作而署名自己）。当最高分端在于其伪造“古典艺术”，使其价值提升及建立在当代的审美上的审美提升。或许这段文字没有什么意义，表述也不明确。但那条定义或许是重要的钥匙。（1947年，5年协议时）大都会博物馆专于“古典艺术”，现代艺术博物馆专于当代、近期欧洲和美国视觉艺术，惠特尼博物馆专注于美国艺术；然而，令阿尔弗雷德惋惜不已的是，现代艺术博物馆曾答应出售给大都会博物馆的40幅画作还是交易了，其中包括2幅塞尚、3幅马蒂斯油画、2幅鲁奥、3幅修拉素描、5尊马约尔雕塑，以及2幅毕加索杰作《穿白衣的女人》和《发型》。回想起刚刚的定义，看来N3画廊的定位和发展方向是完全正确的啊。但万事皆可变，万事会融入万事中，谁又知会如何呢?起码证明了当时自己还是太年轻，无法理解。现在也依然年轻吧。 1948年9月30日，正值三馆签约一周年之际，惠特尼博物馆正式退出了三观协议。泰勒也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同样标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货。” 鲁特说：如果大部分对’艺术’感兴趣的公众称赞某位艺术家的作品，愿意观看……（顾问委员会）将征集并展出这些作品。” 具有讽刺意味的是，20世纪20年代克雷斯曾提出把自己的收藏赠送给大都会博物馆，当时他的藏品多半是平淡无奇的法国沙龙绘画，遭到大都会博物馆的冷漠拒绝。大都会博物馆有一个古怪的习惯，把雕塑视为一种装饰一时，这或许与大都会博物馆的雕塑展示较差有某种关系。大意：1945年，米开朗基罗未完成的雕塑《龙达尼尼圣母怜子像》，这是他最后的作品。大都会出价50万美元。卖方要求55，意大利参议院两名共和党议员抗议，新政府被威胁，总理决定不冒这份险。最终以20万美元的价格出售给了米兰市。未参与竞拍的原因有二，一是价格高达500万美元，二是虽然绘画部主任西奥多·卢梭确信《吉内薇拉·班琪》出自达·芬奇之手，但他坚信，与达·芬奇后来的杰作如《蒙娜丽莎》或波兰克拉科夫市所藏《抱银貂的女子》相比，《吉内薇拉·班琪》属于不同级别的作品。（买浮雕宝石，报价10万，泰勒出7.5万美元）……令宝石的拥有者罗特希尔德深感受辱——无人与此家族的人讨价还价，并因此决定自己继续保藏。 1948年至1958年，（月度最佳图书俱乐部）该俱乐部卖出800万幅微型画复制品。此后，该项目被同样火爆、有关艺术鉴赏的“大都会博物馆研讨会”小册子所取代。泰勒本人出版了《天使的品位》一书，那是他计划撰写的两卷艺术收藏史的一卷； p.279. 1945年，国际博物馆协会在大都会博物馆举办会议，对与（协）会的绝大多数外国学者和博物馆人士而言，泰勒在会议期间似乎如鱼得水。《商人与收藏》。ps：此处书中似乎缺少“协”字，哈哈，虽然我经常错字断片，能在书中找到这种情况还是很好玩儿的。普雷斯顿·雷明顿的布展设计典雅准确，偏好用“阳刚灰”做展览背景色。泰勒坚持认为，如果一件藏品未被展出、出借或供学者们使用，博物馆应将其淘汰。泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家和公众之间的鸿沟。鉴定一名博物馆人是否完美，最重要的一项测检是看他能否与有钱的收藏家们相处甚欢，在这一点上，罗瑞墨也是成绩优异。二战结束后，大都会博物馆开始征集后印象派和巴黎流派作品，… 罗瑞墨尽心尽责追求的捐赠人身上反映了美国艺术收藏规模和形式的巨大变化。美国人不再仅仅追求祖父辈、父辈喜欢的那种艺术品。人们倾向于更小、更随意的住房和公寓，因此所喜爱的珍藏的尺寸和形状受到了限制。自1952年巴黎拍卖加布里埃尔·科尼亚克作品以来，这类作品（印象派和后印象派）的价格已是水涨船高，其市场竞争日趋激烈。新近加入收藏队伍的美国收藏队伍的美国收藏家只剩下两种选择：开始冒险收入当代艺术，或者找点绘画之外的东西收藏。 1963年，大都会博物馆以创纪录的230万美元拍下了这幅伦勃朗作品，那个天价一度在观众心中挥之不去，反而使人们难以欣赏作品本身。从长远看，其价格会被遗忘，而绘画本身不会。 ps大意：1961年11月15日，大都会想以100万价格买伦勃朗的画，在激励的竞拍下。最终以220（230？）万收入馆藏。‘’‘’‘’有人甚至认为，大都会博物馆只买最好藏品的决心对未来向博物馆捐赠和遗赠是一种鼓励（现在大都会博物馆说，情况确实如此）。1961年，大都会博物馆的年观众量比前一年多出了100万，其中三分之二出现在《亚里士多德》展出后的两个月内。大都会博物馆把《亚里士多德》放在大厅展出，前面拉着天鹅绒隔离绳。 ps大意：1963年2月《蒙娜丽莎》到大都会博物馆。人群蜂拥，大家朝圣此“圣物”，而实际情况是数百年的清漆和厚厚的玻璃，很多人只是看了一幅模糊不清的“著名绘画”，更有人讲到，“等他（婴儿）长大了，我会说他见过蒙娜丽莎。balabala感受，理解balabala……”‘’‘’‘’‘然而，为了适当利用博物馆，一定要对公众进行教育，使其洞察一件艺术作品复杂的内在生命，否则，博物馆体验只会停留在猎奇的层面。
引自 1~4章
文字摘录自：《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》 ISBN: 9787544733717
图文无关；读书札记摘录，未校队是否与原文完全相符，仅供参考。

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[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
2015-04-14 12:11

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
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泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
2015-04-14 12:17

泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
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第1页 1~4章

魏文绮 (.)

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际...
2018-07-08 12:52

《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》读书札记。
大都会博物馆藏品数量之多在某些领域超过了欧洲的主要博物馆，那些博物馆依靠数百年的皇室赞助、战争掠夺积累了丰富的收藏。 ……又谈何私密体验？博物馆作为静思冥想的艺术圣地的日子一去不复返了。（博物馆）在社会生活中一直扮演着十分活跃的角色，并对我们的生活产生了诸多影响，…… 现在，公众被引导进入博物馆殿堂，即便是那些精英批评家也不希望公众抽身退出。实际上，社会公众的参与或许表明大都会博物馆的真正工作才刚刚起步。 1880年3月，大都会博物馆终于在纽约中央公园有了新家。相信以更美的形式传播艺术知识，将直接有助于教化人性，使劳苦大众得到教育，变得更为高雅。博物馆生存的基础和理由是发挥其教育功能，博物馆不能只是堆积收藏精品（此举常被认为绝无可能）。艺术家则属于梦幻沉思和冥思苦想阶层，他们不懂世故，缺乏进取心、事业心。对卖弄风情的情妇感情炽热，沉溺于自我世界而不能自拔。美国的艺术拍卖和展览数量持续增长，包括廉价艺术印刷品热销及欧洲游不断升温，都极大提高了“重商主义和艺术的社会重要性”。而意大利的诸多城市，则依靠着继承下来的艺术珍品过活。大都会博物馆董事们对“各行各业的工匠”极感兴趣，诚心为他们提供具有启迪性的展览，以“展示过去取得的成就，供其模仿和超越”。然而，博物馆一词的最初含义是自然科学，而不是绘画和雕塑。 ……他们中间越来越多的成员认为，绘画和雕塑已成为人们精装家居的必需品。 3年之后，美国艺术联盟名存实亡，法院以非法经营彩票罪将其强行关闭。如纽约诸多更具娱乐性的设施一样，最早构建大都会博物馆的想法始于巴黎。美国本土艺术家的数量和能力在增长，但他们仍然被迫出国学习，因为在自己的祖国，他们找不到任何能够观赏过去伟大作品的地方。而艺术是崇高道德的导师，能够扬善抑恶。一座值得纽约和这个国家拥有的伟大博物馆，应展示世界各国、各时代的艺术史，包括纯艺术和实用艺术。即博物馆必须成为普及教育的工具，其基本功能是社会和道德教育——之后才是审美教育。这些艺术博物馆出现于18世纪末，与最早出现的百科全书处于同一历史时期。第一座公共博物馆诞生于1793年，当时，共和政权没收了卢浮宫及其所有珍宝，宣布对人民开发。欧洲的博物馆扔紧抱贵族鉴赏的传统观念不放。即便是卢浮宫，在1793年对公共开放时，每10天中有5天只对专业艺术家开放；其结果是，卢浮宫自此成为主要的法国艺术试验室，而外国游客则成为观众中的绝大多数。大英博物馆于1759年对公众开放，直到19世纪，该馆扔在实行书面预约参观，参观者还必须是合格的“绅士”。现在，绝大多数欧洲博物馆，包括卢浮宫，认为它们的主要服务对象是艺术家、学者和鉴赏家。欧洲的博物馆容忍但绝不培养公众。只是最近这些年，它们才更多想到了公共教育。与当时绝大多数收藏家一样，他只买“当代”的东西，也就是说，只买当代法国学院派画作：…… “鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐。” 他们相信没有国家的大规模支持，这个新设机构生存机会极小。 1870年，古典杰作热刚刚兴起。在19世纪前六七十年——事实上，几乎与历史所有其他阶段一样——人们的主要兴趣一直是当代艺术；（ps：大意，中央公园离市区太远，当时人们倾向于将大都会博物馆建立在老纽约水库，于是）……怀疑是否能够说服人们跑那么远去看艺术品。 ……特别是托马斯·纳斯特在《哈泼斯周刊》上发表的那些讽刺漫画，即便是文盲选民也看得懂。由卡福特·沃克斯和雅各布·默德公司设计（ps：大都会博物馆的新址）。《商人与收藏》 ps：这货那么早就开始做这种资金充足的大项目，建筑果然是万岁的事业啊。但这些有限的藏品组成了一个连续的整体，为无法前往欧洲的学生提供了有益的学习资源。事实上，在那些日子里，博物馆董事们接受可以得到的任何东西。 1874年，大都会博物馆再次尝试在晚间开放，以满足因白天事务缠身而无暇来馆参观的艺术爱好者的要求。结果表明，此类观众数量少得令人痛苦——平均每晚只有32位“神人”到访。他们立场坚定，不愿意在礼拜日“像游乐场一样“开放博物馆”。强调说“机械师和工匠”是我们观众中最稳定、最好学的人群”。 19世纪是业余考古学家的黄金时代。塞浦路斯很早以来一直是地中海贸易中心和希腊神话中爱神阿芙罗狄特的诞生地，那里拥有特别丰富的探险资源。（1878年）他们（大都会）在周一和周二收取50美分门票，但很快发现大约有三分之二的我预期观众会选择离开而非掏钱买票。……博物馆门票被减至25美分，……每周仅有十几人愿意享受付费特权提高自身品味。……免费日则是完全不同的另一番景象。以符合阿弗洛狄特爱神的特征，进而增加自身价值（镜子通常是那位爱慕虚荣的女神的象征）。换句话说，那件东西是赝品。 ps大意：1880年8月～1882年3月，1910年销声匿迹。期间作者加斯顿·弗阿尔当（其父是著名法国文物艺术品交易商）怀疑过博物馆内藏品的真伪。馆长是切斯诺拉。最后馆长被法庭判为无罪。但此事似乎很是轰动。那么，早在很久以前就有人质疑过博物馆的权威性和流通古董的真伪，是否促进了现代，当代的艺术形成？《切斯诺拉藏品中移花接木的雕像》写道：“未经过修补、修复、变换、加补、拆卸和刷涂的雕像少之又少。” 修补是简单地把属于同一件文物的碎片拼接在一起，而修复包括了基于理论或对文物原样推测对丢失部分的再创造。在藏品中，有几尊驱赶雕像可能张冠李戴了不属于它们的头像，反之亦然； 1880年，科尼利厄斯·范德比尔特把近700幅意大利素描作品捐了出来，被选为博物馆董事。 ps：しかし，0口0。批评家克拉伦斯·库克说，如果大都会博物馆董事会哪怕有一名学者，那么这些东西将“永远不会被接受”。……藏品中没有一件古典杰作真品，均为复制品和学校习作，但是，这批范德尔特捐赠品在大都会博物馆以显著方式展示了多年，提升了人们对素描的兴趣。（1850年～1860年）当贾维斯无力偿还贷款利息时，耶鲁大学用2.2万美元收购了所有藏品——它们目前指数百万美元。从那时起，贾维斯的名望和意大利早期作品的价格扶摇至上。（贾维斯捐给的威尼斯玻璃器）加上1880年通过募捐征集的塞谬尔·艾弗里瓷器收藏，这些捐赠品为大都会博物馆提供了值得称道的装饰艺术展示，为当地工匠们提供了大量用于模仿（即便不为超越）的范例。大都会博物馆的董事们一直深受伦敦南肯辛博物馆影响，该馆推出了大型雕塑和建筑复制模型展，波士顿美术馆也正在采取同样的行动。 ……不要指望美国博物馆在艺术原作的收藏方面与欧洲抗衡。……那只是一个极为天真的推测。《商人与收藏》（ps：就是能抗衡，或许更好）复制品展览大受公众欢迎，它的一个好处是使公众开始喜欢原作。董事们没有条件过于挑剔，据博物馆年度报告反映，1883年，一幅“意大利画家卡拉瓦乔或卡罗·多尔奇”（其实两者都不是）的画作被纳入馆藏目录；次年，一幅作者和主题不明的油画也登堂入室。艺术收藏毕竟是一种复杂的追求：永垂不朽、社会地位、虚荣心以及其他心理和经济动机都会不同程度地体现于其中；很多古董商深信，纯粹地，没有一丝杂念地喜爱艺术品的人极为稀少，至少可以忽略不计。（亨利·马昆德的捐赠）其中最不可思议的是荷兰画家维梅尔的《持水罐的年轻女子》，此画由珍珠亮白和精心调制的色调构成，展现出一种魔幻的境界，是该画家进入美国博物馆的首幅作品，也是最早进入美国的画作之一。 1890年以后，追捧法国沙龙绘画的风气很快消退，…… （1881年～1885年博物馆是否周日开放）破坏安息日是更大规模的社会堕落，……（大意：宗教因素，反对周日开放）……“我们不能指望那些具有不同成长背景的人都与早期新英格兰观念保持一致。” 1890年，州立法机构提出法案，强迫两家博物馆在周日开馆。 1891年3月31日是大都会博物馆首个周日开馆日……虽然周日仍然是一周中参观人数最多的日子，但大量观众进入博物馆对抵制大规模的社会堕落并未产生明显效果。 1889年即收入凯瑟琳·伍尔夫沙龙画的那一年，大都会博物馆还接受了马奈的《男孩与剑》和《女人与鹦鹉》，成为最早收藏马奈作品的博物馆。但两幅马奈作品可谓那个时代极为先进的绘画，出任意料地大获好评。那时，法国批评家正对印象派发动猛烈的攻击，而纽约则毫无异议地迎接了马奈。博物馆董事们的政治影响力也与日俱增。拉吉警告说，时代“最黑暗的标志”归根结底是“金钱和获得金钱的方式……似乎已在社会各个角落疯狂蔓延”。摩根的真实财富远不像人们揣测的那样无边无际，一个使人惊讶的事实是，自1890年，他把大部分收益——超过百分之五十——用于收藏艺术品。继成为同时代最伟大的金融家之后，摩根又在艺术战场上获得全胜。在摩根活跃购买的20年间，某些艺术品的价格的确上涨了3倍。……摩根确实购买过一些赝品，在如此大规模的征集活动中，那几乎不可避免。大意：1902年，亨利·杜韦恩以50万美元买下了超过两千件中国瓷器。 ……而是组建不同国家、不同时代的文物精品，按其关系和顺序最广泛地阐释艺术史，使其教育简明易懂、富于启示并引领民族发展。罗杰·弗莱是基督教贵格会教徒，一名最敏感的知识型势利小人；……弗莱与摩根的关系复杂、极难扯清，充满了误解，加之他们的个性差别巨大，似乎不可避免导致了双方刀兵相见。每一种绘画手法犹如一套语言，大家在各种语言中交流获得信息，创建建立在原语言之上的语言，这些语言或更加高等，或产生畸变，等待着再次交流以获得第N个语言。而血脉，原似DNA的东西，最基础的组成元素是保持不变的，宛如音乐中的7音符。而互相交流，就如同生命中的繁衍，杂交可以获得更好的适应能力，得到新生以抵御大环境的变化，保持存在获得永生。曼哈顿下城东区成为世界上最大的犹太人聚集地，那里的居民很快会对纽约的教育机构施加强有力的影响。在财富膨胀的同时，对富人统治的敌意和促进社会改革的压力也在聚集能量。（ps：大约19世纪末）对绝大多数欧洲学者而言，他们所关注的美国唯一的专业性艺术博物馆是波士顿美术馆。 (ps：大约在905～1910年）大都会博物馆基本上沿袭了大英博物馆的体系，但并不是完全照搬。（也就是，按照艺术史脉络设置机构）哥伦比亚大学图书馆主任梅尔维尔·杜威，他发明了十进位图书分类系统，可谓现代图书馆科学之父。肯特开始构建现代博物馆的基本管理体系，没有喧哗，没有鼓乐齐鸣。博物馆每年的第九期馆刊是教育活动专刊，每年9月的贺词也似乎一如既往。对不同阶层的艺术学者、学生及普通成年观众（那些饮食男女）而言，让人看得懂的意义各不相同。一件艺术品可以有许多截然不同的解释，比如讲述故事、宣扬道德规范、传授制作工艺，甚至是分享神秘的审美“经历”——鉴赏家津津乐道于这种体验，却一直无法明确定义。几乎没有老师告知学生，参观博物馆与假日休闲无异；人们认为艺术是严肃话题，参观博物馆的目的是获得灵感和改善自我，而非感观上的愉悦。……“鼓励并推动美术研究、艺术生产及其在实际生活中的应用，普及艺术相关知识，进而向公众提供艺术指导和娱乐”，不过，董事最终还是投票决定删除了“娱乐”一词。（1906年）罗宾逊雇佣了她（吉塞拉·里克特），日薪5美元，为那些坛坛罐罐编目；即人们目前所知的《集市上的老妇人》。这尊像属于典型的古希腊风格，也是大都会博物馆少有的古希腊雕塑之一，被认为是古希腊原件而非古罗马时期的复制品。大都会博物馆的《爱神阿芙罗狄特》雕像还获得了另一项殊荣：她是第一位出现在《纽约时报》头版的裸女，报纸大方地登载了她1952年现身时的照片。自古以来，古代雕塑造假一直令鉴赏家头疼。…即便是一件确定无疑的赝品，只要质量上乘，也能卖出真品价格的一半。……大意：米开朗基罗22岁，雕刻《沉睡的爱神伊洛斯》，做旧，卖给古董商又卖给了红衣主教。米开朗基罗，以此为荣，他因此“红得发紫”。伊特鲁里亚艺术家作品风格多样，它们源自哪里难以确定，因而为造假者提供了机会。大意：现代窑容不下巨大的陶俑，他们将其打碎再烧制，这些碎片交给大都会美术馆。实际上大都会博物馆的修复师们完成了这件赝品的最后制作。《商人与收藏》 0口0！菲奥拉万迪主动爆料，称他们使用的釉料中添加了二氧化锰，经过化学和物理光谱分析，发现确实含有二氧化锰，那是一种现代瓷器常用的着色剂，并不为古代人所知晓。意大利人的秘密反映在法庭上，他们赞美所有能够糊弄当局的人，常常认可造假者的辩解，即造假只是为了自己好玩儿。这个时候，造假市场上又出现了一位新的天才——阿尔科·多塞纳。《商人与收藏》（大意：多塞纳从不复制现存艺术品，主攻文艺复兴大师作品，多件作品被当做真品被各种博物馆收藏，大都会也收藏了）（这个人已经出现在不同的书籍上多次了，没想到在大都会的书籍里，也能遇见。hi，很高兴遇见你！）（ps：1909年，南肯辛顿博物馆也中招啦）几年后，由于造假丑闻爆发，多塞纳难以适应风光不再的生活，最终酗酒身亡。《商人与收藏》（ps：存疑）（ps：约瑟夫·诺贝尔，博物馆负责行政，并不从事学术研究，却是艺术造假领域公认专家）他很清楚，翻砂工艺直到14世纪之后才被发明。古希腊雕塑家使用所谓的“失蜡法”铸造青铜，即在蜂蜡模型外面包裹模具，之后进行加热，在蜂蜡从模具底部洞口流出后将熔化的青铜倒入，形成没有接缝的雕像。马头的顶端和靠下面的马鬃处各有一个小孔。上面的孔显然用于插上一根钉状物，古希腊人习惯在大雕像上使用此法，以防止鸟类弄脏雕像；小件雕塑上出现小孔完全没有意义，除非是有人在制作雕像时不知道小孔的本来用途。下面的孔显然想用于马笼头，但其在马脖子上的位置过低，无法有效使用——公元5世纪的希腊艺术家不会有任何人犯此类错误。 1967年，诺贝尔英说新泽西州有一家公司利用伽马射线检测核潜艇有无内部裂缝…… 路易斯·布朗发表了一篇论文，认为在1887年埃德沃德·迈布里奇拍摄系列动物和人类动态照片之前，所有艺术展现的移动马匹及所有四条腿动物在解剖学上都不正确——除了大都会博物馆的那件古希腊青铜马。在许多年里，他一直对自己发现的这个例外迷惑不解，后来，得知那件小铜马实际上是依据迈布里奇的照片而作，他感到如释重负。埃及建筑风格对美国19世纪公共建筑影响至深——特别是纽约法院大楼，它的巨大外墙模仿了埃及神庙，市民戏称其为“埃及陵墓”。 20世纪20年代是埃及考古的伟大时代。据说，轻轻抚摸雕像（哈特谢普特女王像）膝盖的人，会避免对政治产生的痴迷。（仪式头盔）由“兵器铸造届的米开朗基罗”——菲利普·内格洛利为法兰西国王弗朗西斯一世打造，那件东西或许是大都会博物馆的最精美铠甲。 19世纪中叶，英国的哥特式复兴达到顶峰，许多美国新贵受到感染，对铠甲产生了渴望。在欧洲，绝大多数武器铠甲收藏保存在专题博物馆——维也纳瓦封萨穆隆博物馆、马德里阿梅里亚·瑞尔博物馆、德累斯顿皇家铠甲博物馆、巴黎军事博物馆及伦敦塔博物馆等等。 ps大意：画家古斯塔夫·多雷也曾参加里格斯在巴黎奥梅尔路的大房子，被书中称其为铠甲爱好者。如我们所见，大都会博物馆古典艺术部和埃及艺术部的员工队伍得益于波士顿美术馆的培养（实际上是挖了对方墙脚）。威廉·伯德希望某位富裕收藏家买下一幅画，收藏家抗议说自己不喜欢那幅画。伯德坚定地回答说：“那不是问题，博物馆需要它，我们不能让它溜走，而我们买不起它；与此同时，你可以拥有那幅画，有可能学会了解它。” 1913年，布赖森·伯洛兹更加勇敢地捍卫了现代艺术，纽约军械库展览会臭名昭著，他却建议从那里购买法国画家塞尚的一幅画作。（1913年）与马蒂斯的《蓝色裸体》或杜尚的《下楼梯的裸女》相比，塞尚1890年所作的《波尔夫的山峦》似乎更能令董事们赏心悦目，在别的情况下，那幅柔和的景物画或许不会引起董事们的关注。尽管如此，罗伯特·德·弗里斯特和其他几位董事并未对塞尚这幅画产生任何兴趣；虽然德·弗里斯投票反对，博物馆征集委员会仍以微弱多数赞同柏洛兹的辩论，认为“这次征购会轰动一时……并为博物馆赢得重要朋友”，使《波尔夫的山峦》成为进入美国博物馆的首幅塞尚作品。大都会博物馆从伦敦佳士得拍卖行买下了委罗内塞画作《美神和战神》，成交价是8000英镑，该画于1910年入藏大都会博物馆；约瑟夫·杜维恩极为推崇鲁本斯，但在说服客户购买其作品时却麻烦不断，客户们并不喜欢鲁本斯笔下的胖女人，但他们有时候愿意买下来送给博物馆。本杰明·奥尔特曼，当其他纽约百万富翁藏家买入法国巴比桑画派景物画、家畜肖像画时，他已开始征购伦勃朗作品。根据威廉·伯德所说，奥尔特曼得收藏在规模和种类上都不如摩根收藏，但是，它“无疑在质量上胜出，特别是在绘画部分。” 虽然摩根对收藏品质的把握与奥尔特曼一样成熟，但他对艺术品的感情仍基于空想和历史，而非审美；他对藏品的好恶，主要在于它在文化发展中的地位。奥尔特曼则很少在意藏品的历史联系，他所需要的是藏品在精致完美形态中的审美品质。奥尔特曼购买的伦勃朗作品超过美国任何其他收藏家，而且几乎全是顶级作品。在奥尔特曼和摩根的时代，许多人热捧十八九世纪的英国肖像画，但两人均未对此表示过特别兴趣。人们普遍认为荷兰艺术高峰出现在哈德逊死后的1625年至1670年间，因此，此展在历史断代方面属于例外。（ps：奥尔特曼的要求）……这两个展厅均不可再展出其他藏品，绘画悬挂应“排列成一直线，不能叠加展示”。无论那些装饰品如何昂贵，它们都各就各位，只为摩根一人装饰；正因为如此，使他的生活方式显得帝王相十足。 1909年，英国则大幅度提高了遗产税。藏品包装箱总计351只，其中不包括书籍和手稿；包装和运输工作从1912年2月持续进行到1913年1月（第五批发货原计划搭乘“泰坦尼克号”于1912年4月12日离港，因未及时准备妥当错过了船期）。大都会博物馆的创建者和法人创立者中有6名律师，其中一人是约瑟夫·乔特，…… （ps：博物馆的主要目标之一）使艺术应用于产品制作和实际生活，应用于教育。（迈克尔·德莱塞）此人曾使富人阶层流行佩戴珍珠（以前，珍珠被视为不祥之物）。 1920年，美国已有92家专注于美术的博物馆，比1904年增加了一倍多。（1876年）虽然当时的展览侧重于历史和爱国而不是审美，但它在19世纪晚期掀起了一股“复制”殖民时期家具的风潮；那个时期也被认为是认真收藏美国艺术品的开始。博物馆研究员的职责不是假装左顾右盼，而是发掘出藏品的博物馆价值。美国艺术展厅的教育相当狭窄，学生们能够对相对富裕的祖先有很多了解，知道他们是乡绅、商人、种植园主；但是，对于佃农或黑奴等佣人们的生活，美国艺术厅只字未提。 1918年，作为战时实验，大都会博物馆开始每周六晚上举办免费音乐会，那似乎成为博物馆唯一出现的拥挤场面。 20世纪20年代，……减少展厅绘画展品数量，不再按过去的风格布展，不再把画作一幅挨一幅码到天花板，不再把它们挂在清一色裹着红色台球布的墙上。如果不与生活发生联系，艺术就不能生存；博物馆的真正功能或许让人们更强烈地认识到自身的存在；… 1904年至1924年，令人尊敬的本杰明·吉尔曼担任波士顿美术馆董事会秘书，他也对强调博物馆教学的重要性提出质疑。吉尔曼认为，艺术博物馆的目的是审美而非教条。分散藏品会在增加审美价值的同时降低教育价值，学生们的需要会得不到满足，博物馆在艺术、历史和文化方面发挥的教育作用会减弱。 …为给悲痛欲绝的妻子排忧解闷，布鲁门萨尔带她前往欧洲，鼓励她学习艺术史。 ps大意：1910年，先锋派画廊展马蒂斯素描作品。布鲁门以每幅20美元，买了3幅。怕大都会博物馆不会接受，但这3幅素描甚至全部用于展出，它们可能是最早进入公共博物馆的马蒂斯作品。收藏家出于多种原因接触艺术品。绝大多数与审美价值无关。只有极少数人出于个人原因喜爱艺术品，而他们中的大多数主要是通过视觉感受对艺术品产生反应。大都会博物馆的研究员普遍在博物馆工作了15年或更长时间，他们在许多方面绝不相同，只有一个相似之处，即之前都未有过博物馆经历或受过博物馆培训。 1919年，柏洛兹巧妙地捡了个大漏儿，以不可思议的3370.79美元低价买下了彼得·布吕赫尔的《收获者》，那是世上最重要的绘画杰作之一（人们常说它是西方艺术史上第一幅真正意义上的风景画）。直到建馆差不多50年后，版画才得以在大都会博物馆登堂入室。期间，一次巴黎之行使他难以忘怀，他在一起塞纳河南岸的一家版画店发现并以60法郎买下了一册戈雅作品《战争的灾难》。自此，他开始在可承受的范围内努力收藏。 …自15世纪发明木刻开始，… 不久后版画部收到一笔年度研究经费，用于征集价值在1000美元以下的藏品。艾文斯认为古希腊艺术缺乏活力，不喜欢那些“在形式上缺乏个性，具有合影照特征”的著名大理石雕像。“正如米洛斯的维纳斯也许很可爱，”他写道，但她是所有傻女人、所有愚笨的最后象征——全然缺乏思想、缺乏情感、缺乏表情。” 因为已“没有任何重要的古希腊绘画保留至今（不包括彩陶瓶绘画）”。真正值得公众了解的是关于艺术品制作背景的理性和充满想象力的描述，而目前的博物馆并未努力提供此类信息。中世纪时，僧侣们在欧洲各地建造修道院。（法国南部）当地居民在自家花园至少立有一根修道院石柱，那已成为一种时尚。洛克菲勒（纽约现代艺术博物馆创始人艾比的丈夫），他发现现代绘画不过是”渴望自我表现，艺术家似乎再说’我无拘无束，不受制于任何形式，艺术是自我身体里流淌出来的'”。洛克菲勒关注艺术的工艺，注重细节和形态完美——他发现中国瓷器集中体现了所有这些特质，并与1913年开始收藏。洛克菲勒从未在绘画中发现瓷器所具有的纯洁、冷静以及不受个人情绪影响的完美，很快非同寻常地热衷于占有它们。中世纪艺术以做工精湛著称，基本上都是匿名制作，所表现的不是工匠个人而是时代精神。在两次世界大战之间，美国大约新建了300座艺术博物馆，包括最近在华盛顿建成的美国国家美术馆，它体量巨大，由安德鲁·梅隆1939年资助创建，1941年对公众开放。（1941年）这使美国的艺术博物馆首次在数量上超过了科学和自然历史博物馆，并得到主要是来自民众的热情支持。从某种程度上讲，纽约现代艺术博物馆（MOMA）的诞生是大都会博物馆不重视现代艺术的结果。如果这位博物馆老大哥没有对现代艺术不屑一顾，就不会有创建现代艺术博物馆的必要。弗朗西斯·亨利·泰勒的三把火之一是购买了一台电影放映机，邀请公众晚上来馆观看纪录片和外国电影，如法国电影《大幻想》，该片当时还未在任何商业影院放映。泰勒在博物馆启动了音乐会项目，邀请来活跃于波士顿、纽约等地的顶级演奏家。泰勒的另一项创新是在所有展厅摆放图书，包括与展品有关的艺术普及书籍、介绍具体展品的文章以及任何能够鼓励读者深入欣赏艺术的材料。泰勒还为博物馆每个业务部设立书房，所有观众可前往翻阅书刊，甚至可以在某位高级研究员的照看下把玩某些藏品，当时，博物馆举办临时特别展览十分罕见，而泰勒则视其为一种手段，以吸引之前从未来过博物馆的人走进博物馆。展品中包括了部分镀金的安提阿银生餐杯，它是已知最早的基督徒圣餐杯（确定它制作于公元4世纪至5世纪），一些趋于幻想的学者曾认为它就是耶稣基督本人在最后晚餐时用过的圣餐杯。结果是，人们为一睹圣餐杯的风采成群结队地拥入博物馆（1950年，此圣餐杯被大都会博物馆买下，目前在修道院博物馆展出；……）很多人觉得泰勒正在创造一种接近公众的全新方法。《商人与收藏》（ps：指的是讲博物馆更加贴近公众）（ps：在泰勒的诸多革新下）那些从未来过博物馆的观众在参观后常常吃惊地发现：博物馆其实挺好玩儿。 ……或让博物馆成为学习和理解的殿堂……或仍然只是体现永恒古巴比伦唯美主义享乐及私人考古不可告人罪过的空中花园。在泰勒担任伍斯特博物馆馆长的10年里，该馆的年观众量已从4.7万跃至14.7万。第一件事是进入博物馆主厅的十字转门不复存在，实施了70年的付费参观制度被废除，开始实行免费开放。希望人们走进博物馆是泰勒的主要目标，这件事成为其最好体现。（泰勒和艾文斯）两人都意识到，先进的技术将为许多人创造更多的休闲时间，相信博物馆教育再不能满足于告诉观众应该喜欢什么以及为什么喜欢。即博物馆不是静止不动的宝库，而是美国社会一股充满活力的教育力量，或如泰勒所言：“一个自由、无拘无束的文科大学，它不需要入学条件，每人可根据自身能力学习。在泰勒领导下，馆长餐厅已成为一处迸发思想火花的地方，大家对博物馆之外的任何话题各抒己见，争先恐后，以此取代了之前相对严肃的讨论。提醒读者对东方艺术而言，无法断定藏品作者或时代是常有的事。泰勒最不受欢迎的举动之一是设定了大都会博物馆的退休年龄——男员工65岁，女员工60岁。在这之前，博物馆没有一名员工因年龄原因必须离开——图书管理员威廉·克利福德已90岁高龄，仍每天早上来博物馆上班，在办公桌上打瞌睡。……（几年后，大都会博物馆所有员工纳入社会保障体系，男女退休被强制定位65岁）温特尼兹的目标是使每件乐器都能演奏，作为一名音乐家，他认为如果乐器从不演奏，它就不能生存。很快，向会员免费开放的音乐会风靡一时。为了听音乐会，许多纽约人成为大都会博物馆会员，会员数量出现了9年来的首次大幅增长。温特尼兹举办的音乐会在很大程度上促成了战后巴洛克和前巴洛克音乐的复兴；这些音乐贯穿了整个战争期间，将更多、更热情洋溢的公众吸引至大都会博物馆。目前，服饰研究所独一无二，是大都会博物馆唯一践行1870博物馆宪章中特定条款的部门，即致力于使艺术应用于产品制作和实际生活。一战期间，惠特尼工作室俱乐部开始在“无奖品、无评委”原则下举办年度会员作品展，会员数量从约20人迅速升至200多人，很快囊括了差不多所有美国艺术流派。自1906年至1931年，大都会博物馆的雕塑征集一直由丹尼尔·切斯特·弗伦奇掌控，他是一位博物馆董事和学院派雕塑家，只认同自己朋友和学生的作品。对大都会博物馆最尖锐的批评集中在抽象艺术，似乎每天都有更多人加入此批评阵营，却依旧无法冲破大都会博物馆的防线。1940年，抽象画家斯图尔特·戴维斯谴责大都会博物馆“压制现代和抽象艺术的政策，与专制统治一样有效”。霍华德·德夫建议大都会博物馆与惠特尼博物馆（或许还包括现代艺术博物馆）达成某种合作协议，类似协议已在卢森堡和卢浮宫之间存在了很长时间，根据协议，重要艺术家去世后，其作品将从卢森堡转移至卢浮宫收藏，卢浮宫将向卢森堡支付相关费用，使后者有资金购买在世艺术家作品。亨利·肯特曾明确表述过：“在匆忙中购买现代艺术，等于在闲暇时后悔不迭。” 泰勒对罗兰·雷蒙德说，长期不使用赫恩基金收益不仅反应了可征集画作稀少，更反应了“多年以来对基金的不当管理”。在1940年的一份报告中，这位版画部主任兼博物馆董事会法律顾问令人信服地辩论道：公共博物馆对当代艺术的态度应与公共图书馆对当代图书的态度无异，不管董事们喜欢与否，都应该买入一些代表作并愿意承担风险。目前，大都会博物馆已面临这样的机会。对大都会博物馆董事们而言，纽约市不支付博物馆基本建设费用的事情从未发生过。美国绘画和雕塑最让人烦恼的趋势是抽象和“变形”，那似乎越来越成为现代艺术的主导潮流，也是大都会博物馆董事们最想置于脑后的事情。（1921年）大都会博物馆举办了一个法国印象派和后印象派绘画展，该展遭到几家报纸攻击，谴责展览内容“堕落”和“布尔什维克式”激进。（1934年）当时，现代艺术博物馆的阿尔弗雷德·巴尔为莉莉·布里斯收藏撰写了一本图录，其中提到大都会博物馆“没有高更、修拉、西涅克、图卢兹-劳特累克、亨利·卢梭、马蒂斯、德朗、毕加索、杜诺叶·德·塞贡扎克、莫迪利亚尼等艺术家的作品”。 “当今日的所谓’狂野’被当作明日的保守象征时，”科丰说，“希望你们允许一些’狂野’之作光临大都会博物馆，并在展墙上为今后的新创造预留一些空间，这样想不为过吧？” 建议现代艺术博物馆将自己的藏品的时代跨度定位50年，所拥有藏品已达到或超过20年时，大都会博物馆可买下其中年代超过50年的艺术品。然而，双方未取得任何具体进展，联合委员会最终停止了会谈。（1947年左右，大都会、纽约现代、惠特尼，5年协议）法律形式需要定义，为了达成协议，“现代艺术”一词“被认为包括某位在世艺术家创作的任何绘画、素描、版画或雕塑，以及某位已去世、扔在当代艺术运动中具有重要影响的艺术家创作的任何上述作品”；而古典艺术包括“已成为人类历史组成部分的所有其他绘画、素描、版画或雕塑”。……但是，法律文件是法律文件，每人都大概知道其中含义。《商人与收藏》p.266。||| ps：仅供参考，上述的“现代”或许指的也就是那个时代的“当代”。那么根据这条定义，许多事情将明朗。例如，那个当代伪造大师，他实际是在用当代的东西去伪造“古典的东西”，如果按照这个定义，他的作品就很难划分，因为他的作品不是“历史组成部分”也就是价值确实如纪录片说讲。那么他所创作的就应当是“当代”，其价值如果按照当代价值，分析，卖出（低价），似乎可被按照合理范围（不伪造他人画作而署名自己）。当最高分端在于其伪造“古典艺术”，使其价值提升及建立在当代的审美上的审美提升。或许这段文字没有什么意义，表述也不明确。但那条定义或许是重要的钥匙。（1947年，5年协议时）大都会博物馆专于“古典艺术”，现代艺术博物馆专于当代、近期欧洲和美国视觉艺术，惠特尼博物馆专注于美国艺术；然而，令阿尔弗雷德惋惜不已的是，现代艺术博物馆曾答应出售给大都会博物馆的40幅画作还是交易了，其中包括2幅塞尚、3幅马蒂斯油画、2幅鲁奥、3幅修拉素描、5尊马约尔雕塑，以及2幅毕加索杰作《穿白衣的女人》和《发型》。回想起刚刚的定义，看来N3画廊的定位和发展方向是完全正确的啊。但万事皆可变，万事会融入万事中，谁又知会如何呢?起码证明了当时自己还是太年轻，无法理解。现在也依然年轻吧。 1948年9月30日，正值三馆签约一周年之际，惠特尼博物馆正式退出了三观协议。泰勒也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同样标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货。” 鲁特说：如果大部分对’艺术’感兴趣的公众称赞某位艺术家的作品，愿意观看……（顾问委员会）将征集并展出这些作品。” 具有讽刺意味的是，20世纪20年代克雷斯曾提出把自己的收藏赠送给大都会博物馆，当时他的藏品多半是平淡无奇的法国沙龙绘画，遭到大都会博物馆的冷漠拒绝。大都会博物馆有一个古怪的习惯，把雕塑视为一种装饰一时，这或许与大都会博物馆的雕塑展示较差有某种关系。大意：1945年，米开朗基罗未完成的雕塑《龙达尼尼圣母怜子像》，这是他最后的作品。大都会出价50万美元。卖方要求55，意大利参议院两名共和党议员抗议，新政府被威胁，总理决定不冒这份险。最终以20万美元的价格出售给了米兰市。未参与竞拍的原因有二，一是价格高达500万美元，二是虽然绘画部主任西奥多·卢梭确信《吉内薇拉·班琪》出自达·芬奇之手，但他坚信，与达·芬奇后来的杰作如《蒙娜丽莎》或波兰克拉科夫市所藏《抱银貂的女子》相比，《吉内薇拉·班琪》属于不同级别的作品。（买浮雕宝石，报价10万，泰勒出7.5万美元）……令宝石的拥有者罗特希尔德深感受辱——无人与此家族的人讨价还价，并因此决定自己继续保藏。 1948年至1958年，（月度最佳图书俱乐部）该俱乐部卖出800万幅微型画复制品。此后，该项目被同样火爆、有关艺术鉴赏的“大都会博物馆研讨会”小册子所取代。泰勒本人出版了《天使的品位》一书，那是他计划撰写的两卷艺术收藏史的一卷； p.279. 1945年，国际博物馆协会在大都会博物馆举办会议，对与（协）会的绝大多数外国学者和博物馆人士而言，泰勒在会议期间似乎如鱼得水。《商人与收藏》。ps：此处书中似乎缺少“协”字，哈哈，虽然我经常错字断片，能在书中找到这种情况还是很好玩儿的。普雷斯顿·雷明顿的布展设计典雅准确，偏好用“阳刚灰”做展览背景色。泰勒坚持认为，如果一件藏品未被展出、出借或供学者们使用，博物馆应将其淘汰。泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家和公众之间的鸿沟。鉴定一名博物馆人是否完美，最重要的一项测检是看他能否与有钱的收藏家们相处甚欢，在这一点上，罗瑞墨也是成绩优异。二战结束后，大都会博物馆开始征集后印象派和巴黎流派作品，… 罗瑞墨尽心尽责追求的捐赠人身上反映了美国艺术收藏规模和形式的巨大变化。美国人不再仅仅追求祖父辈、父辈喜欢的那种艺术品。人们倾向于更小、更随意的住房和公寓，因此所喜爱的珍藏的尺寸和形状受到了限制。自1952年巴黎拍卖加布里埃尔·科尼亚克作品以来，这类作品（印象派和后印象派）的价格已是水涨船高，其市场竞争日趋激烈。新近加入收藏队伍的美国收藏队伍的美国收藏家只剩下两种选择：开始冒险收入当代艺术，或者找点绘画之外的东西收藏。 1963年，大都会博物馆以创纪录的230万美元拍下了这幅伦勃朗作品，那个天价一度在观众心中挥之不去，反而使人们难以欣赏作品本身。从长远看，其价格会被遗忘，而绘画本身不会。 ps大意：1961年11月15日，大都会想以100万价格买伦勃朗的画，在激励的竞拍下。最终以220（230？）万收入馆藏。‘’‘’‘’有人甚至认为，大都会博物馆只买最好藏品的决心对未来向博物馆捐赠和遗赠是一种鼓励（现在大都会博物馆说，情况确实如此）。1961年，大都会博物馆的年观众量比前一年多出了100万，其中三分之二出现在《亚里士多德》展出后的两个月内。大都会博物馆把《亚里士多德》放在大厅展出，前面拉着天鹅绒隔离绳。 ps大意：1963年2月《蒙娜丽莎》到大都会博物馆。人群蜂拥，大家朝圣此“圣物”，而实际情况是数百年的清漆和厚厚的玻璃，很多人只是看了一幅模糊不清的“著名绘画”，更有人讲到，“等他（婴儿）长大了，我会说他见过蒙娜丽莎。balabala感受，理解balabala……”‘’‘’‘’‘然而，为了适当利用博物馆，一定要对公众进行教育，使其洞察一件艺术作品复杂的内在生命，否则，博物馆体验只会停留在猎奇的层面。
引自 1~4章
文字摘录自：《商人与收藏:大都会艺术博物馆创建记》 ISBN: 9787544733717
图文无关；读书札记摘录，未校队是否与原文完全相符，仅供参考。

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第282页

Ultramarine

泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
2015-04-14 12:17

泰勒认为，博物馆应有能力逐渐向人们灌输一种品质意识，博物馆应不断努力缩小艺术家与公众之间的鸿沟。
引自第282页

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第268页

Ultramarine

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
2015-04-14 12:11

[弗朗西斯·泰勒]也表达了自己的深切忧虑，认为现代主义批评家用严格标准对待古代艺术，却拒绝用同意标准对待当代艺术，此举实际上破坏了艺术的完整性，因此“破坏了文明人遗存的一种硬通货”。
引自第268页

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