【15】和谐的获得——托斯卡纳和罗马，16世纪初期

16世纪，意大利语叫作[五百]，其初年是意大利艺术最著名的时期，也是整个历史上最伟大的时期之一。
文艺复兴建筑家的实际愿望仍然是设计建筑物时不考虑它的用途，单纯追求建筑物的比例美、内部的宽阔和整体的雄伟壮丽。
促使布拉曼制定圣彼得教堂计划的勇于进取精神，是盛期文艺复兴的特点，那个时期在1500年前后，产生了一大批世界上最伟大的艺术家。
他是左撇子，习惯于从右向左写，所以他的笔记只能对着镜子阅读。
最重要的大概还是莱奥纳多自己无意于被人看作科学家。在他看来，所有对自然的探索，主要仍是寻求视觉世界的知识，那才是他的艺术需要。他认为给艺术奠定科学的基础就能使自己心爱的绘画艺术从微不足道的手艺变成高贵体面的职业。
“最后的晚餐”就以可感可触的真实形式出现在那里。落在餐桌上的光线是多么明亮，它多么增进人物的立体感和坚实感。
他的构图好像有一种轻松自然的平衡与和谐，这一点正是哥特式绘画所具有的性质，是罗吉尔·凡·德尔·韦登和波蒂切利之类艺术家曾经用各自的方法力图在一书中重新恢复的性质。
超乎构图和素描法之类的技术之外，我们更要赞美莱奥纳尔多洞察人们行为和反映的敏锐眼力，和他把场面活灵活现地置于我们眼前的强大想象力。
画家必须给观众留下猜想的余地。如果轮廓画得不那么明确，如果形状有些模糊，仿佛消失在阴影中，那么枯燥生硬的印象就能够避免。这就是莱奥纳尔多发现的著名画法，意大利人称之为“sfumato”[渐隐法]——这种模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入另一个形状，总是给我们留下想象的余地。
如果我们仔细观看蒙娜·丽莎这幅画，就能看出两侧不大相称，在背景的梦幻般的风景，这一点表现得最为明显，左边的地平线似乎比右边的地平线低得多。
第二位为16世纪意大利艺术增光的伟大的佛罗伦萨是米开朗琪罗·博纳罗蒂。
 这些惊人的形象表现了米开朗琪罗能够以任何一个姿势、从任何一个角度去画人体的全部技艺；他们是肌肉健美的青年运动员，身体朝着各个可能想到的方向扭动、旋转，然而总是保持着形象的优美。这样的人物，在天顶上至少有二十个，一个比一个精彩。毫无疑问，当米开朗琪罗在西斯廷礼拜堂画天顶时，那些应该从卡拉拉的大理石中苏醒过来的形象一定大量地涌上了他的心头。
他的艺术奥秘中，有一个奥秘一直受到赞美，这就是不管他让人物的躯体在剧烈运动中怎样扭动和旋转，轮廓总是保持着稳定、单纯和平静。其原因是，从一开始米开朗琪罗总是试图把他的人物想象为隐藏在他所雕刻的大理石石块之中：他给自己确立的任务不过是把覆盖着人物形象的石层去掉而已，这样，石块的简单形状就总是反映在雕像的轮廓线上，并把轮廓线约束在清楚的设计中，而不管人物形象怎样活动。
拉斐尔最伟大的作品好像丝毫不费力气，以至人们往往想不到那是惨淡经营、精勤不懈的的结果。在许多人心目中，他只是个会画优美圣母像的画家。对那些圣母像人们太熟悉了，很难再把它们当作绘画来鉴赏。因为拉斐尔想象出的圣母形象，已经得到后人承认，就像一提起上帝，人们就想起米开朗琪罗构思的圣父一样。
拉斐尔装饰梵蒂冈一些房间的墙壁上画了一系列湿壁画，表现出对完美的设计和均衡的构图十分谙熟。为了充分欣赏作品的优美，人们必须置身于那些房间，多花费些时间，才能体会出动作与动作、形式与形式相呼应的整体配合中所洋溢的和谐性与多样性。如果离开原作的环境，缩小画面的尺寸，它们就会缺乏生气。
正如米开朗琪罗被认为在精通人体方面达到巅峰一样，拉斐尔被认为已经实现了老一代人曾极力追求的目标：用完美而和谐的构图表现自由运动的人物形象。
拉斐尔的作品还有另一个性质受到同代和后代的赞扬，即他的人物形象的纯粹性。无论如何，他在理想化的同时，最终还是丝毫无损于生动性和真实性。