画家之眼——画家独有的观察世界的方式
这是一本难得的讲创作心态和创作这件事情本身所指的书，强烈推荐给想从事绘画创作的人看。路米斯大师的这本书，给了迷惘的我相当大的鼓舞，因为讲美术技法和理论的书很多，讲画家创作心态和审美心得的书却很少。
当我在画画的时候，无论是为公司项目画画，做练习，还是纯粹就想随便画点东西，我常常感到迷茫，不知道自己要画什么。很多时候，我会被“画这个的话，也许更多人会喜欢”，或者“那个太落伍了，还是画这个好”，等等的想法所困扰，然后随意的改变自己的绘画目标，结果就是，我在这样的迷惘和摇摆中损失了大量的时间。
看完这本画家之眼，我觉得我的这种迷惘，一个是因为我自己的绘画目标并不明确，再一个更重要的原因，实际上我并不真的懂绘画这件事情，我从来没有清晰系统的思考过绘画知识体系这个概念本身。
1 关于绘画目标：
其实绘画目标是一件非常非常主观的事情，它就像是画家的“绘画之魂”一样的定西。我认为绘画的目标来源于绘画之外的事物，它关乎于这个人的审美经历，阅读体验和生命经验，绘画目标其实是一件非常作者性的事情，他是每个人的过去经验的集合。
绘画目标在我看来，包括“想画什么”、“建立怎样的画风”、“什么是画的好的标准”、“绘画的目的是什么”等等。这些都是私人化的问题，需要稳固的技法，持续的绘画实践探索，个人强有力的信念，以及广泛的学习吸收，才能逐渐形成的一套答案。而且这个答案也很可能不是终身不变的，它会随着创作者的成长而发生变化，这个形成的过程，就是养育自己的绘画灵魂的过程。
一些关于绘画目标的本书摘抄：
“用取悦自己的方式去画，就能画出一幅好画。别管其他人怎么说和怎么做，除非你认为那个人的作品最能启发你。不要因为别人的说理，含混不清的解释和推销辞令，就照着别人的方式去做。你从“实做”中感受的喜悦，才是你培养任何个人技法的重要基础。记住，你拥有的独特优势是，或许你发现的美，是与众不同的，你用跟他人不同的方式去切入、去发现美。受人敬仰的艺术一定是个人的独特表现，也一定饶富创意。 ”
“我能提供给年轻画家最稳当的忠告就是：先把绘画技法学好，持续不断的探索美，并研究表现美的新方法”，强化本身的内在信念，让个人风格逐渐形成，而且不受任何先入为主的成见影响（例如：别人认为你该怎么画），也不被画评家可能做出的评价所阻碍。“
“自由创作VS商业创作”：在商业创作中，很可能发生的情况是，画家依据客户，而非依据本身的品味与期望作画。这时，画家必须顺从别人的要求，刻意压抑自己，也无法全力展现自身创意。这并不表示商业艺术就不美或者不够资格被称为艺术。我要表达的重点是，画家在接案绘画的事业生涯中，有为自己画过什么作品吗？在接案绘画之外，有设法表达个人独特创意、试着将本身技艺发挥到极致吗、有努力让自己的作品在非商业性的展览中展出吗？画家应该走出户外，跟大自然成为好朋友，养成速写的好习惯，做一些自己想做的事情，而不是只做那些拿钱交办的事。
“建立自己的主题档案”：你可以建立一个主题档案，把自己感兴趣的主题都收录进去，这就是最佳做法之一。可以有照片、剪报、你自己闲暇时的草图和速写等等。这样做除了能训练眼睛观察眼前的题材，也能训练自己留意题材的形状或形体，这样你日后想要进行绘画创作。就有了参考材料。平常就备妥一个题材档案以供日后使用，这是画家最棒的“振奋剂”。
2 观察和诠释世界：
画家独有的观察和诠释世界的方法，即是本书的题眼《画家之眼》，它其实是在说，用一种独属于你自己的主观视角去观察世界。我们要做的不是原样复刻外部世界，而是表达独属于自己的，对世界的感受。以梵高的《星空》为例，那绝对不是真实世界的星空，但是那是梵高眼中的星空。即使是我们以为的写实主义艺术家，也并不是真正纯粹的写实，米开朗基罗的男人体，伦勃朗的肖像画，拉斐尔的圣母，都是对真实世界的提炼和改造。
这种强烈的作者主观性，正是路米斯所歌颂的画家的眼睛。
一些关于观察技巧的本书摘抄：
“眼睛的训练，练习去看整个画面”：我们必须教育眼睛，一次不能只看一样东西，或景象的某个部分。经验老到的画家懂得研究主题的各个面向。在开始作画前，我们对整体效果的观察越深入，画出的作品也就越精彩。画家不会一次只看一样东西，因为所有的东西都密切相关，彼此呼应或互相影响。边缘、轮廓、块面、明度，色彩、等等因素都是互相关联统合在一体的，只对某一处进行单独的观察，很容易就让画作僵硬好人紧绷，创作手法也不够自由，我们没有看到真实景象，只是如同巨细靡遗记录画下的一切而已。
“技法是结果，不是刻意的笔触诠释”：学会以画面的观点去看待每件事。这表示让眼、手、及所选媒材之间，尽可能融为一体。最后，大多数画家的手能自然地随着双眼所见而画，甚至能轻松调和媒材及应用媒材。事实上，画家常会惊喜地发现，自己竟会不自觉的使用某种技法，正确表达本身想要传递的印象。
当我们以技法的观点思考时，就可能无法顾忌明暗、关系或色彩。因为这个时候，我们满脑子只想着用什么笔触，没空想别的。技法是个人特色的强烈暗示，技法就像笔迹一样，每个人都不尽相同。如果你能暗示某项物体或景象并让人信服，那就比一五一十的描绘要好得多。简洁利落的速写通常比精细刻画更加生动逼真。
“好画作的首要法则：学会利用简单块面在色彩和明度的相互关系去检视主题”：应当彻底理解“画出形状”和“绘画”之间的然差异。形状基本功打的扎实，当然就能为出色绘画奠定基础，但是出色绘画的本质不仅是懂得描绘边缘和轮廓，还要表现特定光线下的形状、色彩和质感，以及周遭的空间与氛围。
“练习去画小图”：我们每次观察大自然时，不能像拍照片那样把眼前所见一切全部辛苦的刻画进画面里，那样的话，画面会出现太多无关紧要的细节和琐碎事物，根本无法造就一张好画。
要懂得如何去除不必要的素材，可以先画一小张彩色草图，越小越好，这样就不能把所有繁复细节刻画进去，但是必须安排好块面。然后，再制作一个较大的草图，跟小草图作对比，并将你必须省略的细节除掉。从块面下手，当块面显现足够特征，暗示出地面，叶子，岩石或云朵时，就设法保持原状，别再添加细节，你看到的细节总是比你能画出的细节要多，而且你可能看到画面本来美美的，经过装饰后却变得平凡无奇，那就是做过头了，反而变成什么也不是！
3系统的绘画知识概念体系：
绘画也是一本技艺，一门学科，这门学科在研究什么？
它在研究关于这些东西的知识：光、形状、明暗、色彩、材质、构成、韵律节奏、技法。
很多人初学绘画的时候，其实都处于一种迷惘的状态，觉得绘画是一种神秘飘忽的直觉或者感觉，是一种天赋的才能的宣泄。其实绘画也是一门学科，就像其他学科一样，是由诸多分支下的知识、操作流程和经验一起构成的学问。当你觉得自己的形状不准，很可能并不是所谓的“形感不好”，只不过是造型知识知道的不多，合理科学的造型训练做得不够而已。这种时候应当做的是抓紧时间用各种渠道精进知识，而不是怀疑自己是不是没有天赋。你只是学习思考的不够多而已。
我并不想评价学校或者培训班教育有多少用处，但是我自己画了这些年的经验之谈：学校和培训班教给你的一定是永远不够的，我们需要大量的自学，需要在准确的方向上自己去深挖研究，需要形成属于自己的知识体系，需要为自己定制练习计划。这些东西现在的学校机构教不给我们。
路米斯在本书中关于这些知识体系讲的其实并不多，关于每个点有些泛泛而谈的感觉。相比之下，他的《创意插画》讲的就详细了很多。但是这些知识，仅仅看一两本书是不够的，每个分支，比如色彩，就需要众多渠道的学习和精研。路米斯的这本书，正如开头所说，长处在于绘画心态和经验的总结，而不在于技法的传授。
4 贯穿始终的“统合感：
我理解路米斯说说的“统合感”，实际上就是我们日常绘画时提到的诸如“整体大于局部”，“要注意虚实对比”，“冷暖对比”等等绘画注意事项的概念化总结。好的统合感，能让画面整体上显得协调，主次分明，并且画面轻松流畅。对我来说，做到画面看起来轻松，是一件很难的事情，我常有一种费了老力气画出来，结果画面无比僵硬的感觉，可能原因就在于，我没有用统合的思维去画画，构图、线条、颜色，明暗、光线、材质等等，在我的意识中全部都是分割开来的东西，我采用一种在画画过程中逐个击破它们的顺序步骤去画画，这可能就是画的吃力并且僵硬的原因。
一些关于统合感的本书摘抄：
恰到好处的创作：有位老师跟我说过，画面应该暗示出那张画是在画家心情愉悦下，恰到好处的创作。其实这一点很难做到，因为我们总想把细节通通描绘完毕才罢手，甚至连手指甲、地上的小石头都要画出来才甘心。当一个区域的明度正确，色彩也协调，我们就可以在每样东西都要画出来才甘心。当一个区域的明度正确，色彩也协调，我们就可以在每样东西都描绘完成前就收手，在形状上稍微率性些。为了保留某些形状显示出未完成的美感，我们必须在一开始时就用简单块面手法来处理形状，也利用这种手法处理主题并同时完成作品，而不是一个区域一个区域零碎地完成。一次只完成一个部分，画面就不太可能出现即兴和生动的趣味。可以的话，我们必须时时牢记，自己正在画一张画，而画面的每个部分，都要跟整体设计巧妙搭配。
化繁为简：很多画家的通病是想把太多东西塞进画面，然而经验老到的画家知道，只要专注于眼前景色最有趣的部分。绘画和写作很像，一本书的章句可能太过繁复冗长，让急于知道故事情节的读者越看越火大。就算是很健谈得人也可能讲到细节琐事，就说个不停而忽略重点。画家当然也会犯同样的毛病。
整体与焦点：更常见的情况是，完成的画作无法达到画家原先的预期。画家专注于实际明度、色彩或形体时，原本期望的一些效果突然不见了。画家当初检视想画的景色，透露出统合感和美感，一起也符合原先所见。可是，一旦实际执行就开始出现变量，执行只是能力和理解力的陈述。先前的观察取景是全然视觉化的过程，而实际执行则是彻底讲究技法的过程。
我们也必须领悟到，我们对景物的评估，通常只是检视整体，也受到整体所感动。之后，当我们开始创作，可能逐渐注意到先前忽略的小东西。我们把心思放在这些越来越难搞的细节上时，就会忘记原本的印象，也就是当初让我们决定挑选这个主题的重要印象。这时，唯一的对策就是，休息一下，再试一次。看看你是否能记起，自己在那个地方开始出错，在什么时候开始把第一印象忘记。看看你是否能把妨碍你延伸第一印象的每样东西都省略掉。把那些东西通通去掉，只保留你认为必须出现在画面里，让画面出现戏剧性又能让人看懂的东西。
5 技法问题，一个大谜题
技法是什么？技法是怎样形成的？怎么学习技法？
一些关于统合感的本书摘抄：
首先，技法是自然形成的结果，不是刻意为之的过程。除非画家真正了解明暗、色彩和形体，否则技法根本无用武之地。但是，如果画家具备结合上述特质的丰富技法，就能形成引人入胜的个人风格，让作品更独树一帜也更具辨识性。除非把素描、设计和明度等基本功都打的扎实彻底精通，否则个人根本不可能自己发展出一套有充分根据的好技法。
我们要知道，模仿别人是划不来的事情。因为技法是整体手法，而不是耍花招。如果只是耍耍花招，就容易被模仿，但是要模仿整体手法可没那么容易，除非具有同样的知识与偏好、对设计和色彩有同样的感受或反应，否则整体手法绝对模仿不来。
画家可能用到许多技法效果，而这些技法效果其实对整体效果很有帮助。所以，画家实在没有必要把自己局限于单一技法，那样是自我限制。
基本功的难题：先把基本功打好，个人技法才会开始显现出来。一般来说，绘画基本功的知识不足所造成的差异就是，使画家画的太过完整并且重复修改，最后导致技法统合感彻底丧失。颜料开始变黏，浑浊，再加上缺乏处理媒材的经验，把画面搞得一团糟，原本想要达到的干净利落全都效果尽失。
每种技法都独一无二：谁也无法告诉学生，最后应该培养哪种技法。但是，建议学生自行选择做做实验，却很有帮助。我认识的画家在求学时期和全职创作后，屡屡受到其他画家作品的影响，而且无一例外。画家所依据的重要基础就是，做自己最喜欢做的事。如果他喜欢其他人的作品，那么这样做有助于画家形成自己本身的看法。这当然会让画家偶尔不自觉的想要模仿。如果明白这一点，就能为自己设限，确保自己模仿过头前，回到题材本身。我相信每位画家必须经历一段“搞懂”自己天分与能力的时期，才能找到自己最擅长的表现方式。
所有的创作都跟技法有关。广义来说，技法包括方法与知识的应用，以及题材处理的熟练程度。我把技法列在美的要素的最后一项，因为我认为技法是将所有美的要素集大成。
当你不太确定自己该如何处理某项主题的时候，先画画习作或速写，就能帮助你决定该用什么技法完成创作。奇怪的是，创作方向的决定是很重要的，这样做可以让画家节省不少心力。
6 为自己找到创作的答案
画家的“天分”是什么？才学并不是凭空而来，而是源于坚持不懈的自我学习。每位画家所知道的一切，大都必须依赖自我教导。而个人获取信息后，就要不断学以致用和多加实验。
说穿了，天分就是某种获得知识的能力，以及对那种知识有帮助的事实充满了强烈的兴趣。值得注意的是，通常能把知识做最好应用的人，是那些辛苦得到知识的人，而不是那些轻易取得知识的人。
理论和实务有极大的差别，我们需要懂理论，但是在我们自己透过实务证明理论前，理论根本毫无价值可言。同样的，除非你能不断增加有用的知识，否则持续练习也没有意义可言。不求新知地埋头苦干，也无法让你有什么收获。遗憾的是，这种情况一再地发生也最令人沮丧。我们必须花同样的时间在求知解惑和实际创作上。如果我们有耐心，就能为自己的创作找到解答。
我们不能只是指望奇迹，我们总要为自己创造奇迹。
