对《画语辑 20位插画师的心理路程》的摘抄和读后感

① TRYLEA

书画、音乐世家，从小的艺术熏陶，长大后的人脉资源，更容易培养出艺术大师，这是不容否定的一点。同理，良好的学习环境，优秀的导师同学，也更容易求知者能够培养审美，解读艺术。不经过院校的洗礼，不去触碰学术的高度，就永远只能在艺术门外徘徊。

闽南自古便是神鬼横行之地，如今更是半里地一座庙，香火繁盛。东方神话在祖国大地这尊千年熔炉的铸造下，如今已经是混杂了佛教、道教、山野故事、远古传说的庞然大物，题材的广度和系统的复杂程度远比其他神话体系精彩得多。神话中经常提及对于神性与人性均衡的探究。希腊神话中对诸神的人性塑造远大于神性，神有了个性，有了喜怒哀乐，进而消除了神格，容易使人产生亲近感。相较之下，东方上古传说起源于对远古未知力量的膜拜，对于诸神也仅限于只字片语脸谱式的描写，将神与凡人剥离开，既强调神性，也容易让人产生神秘感。

②殷尧

在绘画这条路上，确实充满快乐，但不能否认的是，确实也充满艰辛。

有时候看似随心所欲、妙手偶得，其实是千锤百炼所致。这个痛苦的过程，可以训练你去思考，更有助于提高。

宁方勿圆，宁脏勿洁，宁拙勿巧。

大学的意义在于，这是一个可以让你尽情开始眼界去看世界的时期。

我认为没有什么想象力真的是天马行空的，所有的想象力都是建立在对客观现实的了解并熟悉的基础上的。

无论写生、临摹还是根据参考资料的再创作，都是很好的积累素材的方式，而最重要的是多动手去画，因为只有画过一遍，这个东西才能真的留在你的脑子里。

毕加索之所以是毕加索，除了众所周知的他在画抽象画以前写实功底也相当了不起的之外，还有重要的一点是他所诞生的时代。在毕加索创立立体主义画派的时代，也正是爱因斯坦提出狭义相对论的时代。在那个时代，各种思潮、科学、艺术、文字都在激烈地碰撞、交融，然后诞生出新的产物。其实任何时代，创作都不会是完全独立的，惊鸿一瞥看到的是那个时代的缩影。

最后的建议是，无论过程多么艰辛、无趣、痛苦，也一定要坚持完成一整套设计！这将让你受益匪浅！

③白茶

但对于我们这代人来说，过早地沉醉于自我世界的绘画，是一种不太理智和稍显幼稚的行为，因为你还年轻，没有生活的磨砺，没有丰富的感受，没有思绪的沉淀，一切绘画都只会流于浮表。

相信不只是我，爱好与谋生技能这两者之间怎么平衡是很多绘画人面临的问题，谁也不想因为生计问题而把自己深深热爱的职业由喜欢变为厌恶。

我的作品不过是看了很多优秀作品后的鹦鹉学舌。而我自己也越来越不在意那些所谓的风格，不想为了别人夸我很厉害而特意注重色彩和空间结构。

一副完整的艺术作品，最后都会回归于生活而不是技法。

④否来新朗

我喜欢绘画这种便于实现的表达方式，并希望借此维持生计。所以，绘画既是兴趣，也是职业。虽然没有多么高尚，但起码目标明确。何况掂量一下人的平均寿命，即便目标显得短视了点，也够忙活了。

² 初级阶段：常见的学习方法

临摹大师作品、学习对象结构、平时注意观察，外加反反复复的练习，画完一本本速写本，过程虽然非常俗气和枯燥，然而确实有效。

就作者个人看法而言，有一点需要特别指出：绘画未必需要天天坚持。不时停下手上的功夫，阶段性地整理目前的收获，或纯粹地休息一下都不是坏事。

² 中级阶段：模仿各种风格

掌握基本的绘画功底后，选择自己喜欢的绘画风格进行模仿。这个阶段基本上大规模的撒网式的搜索，发现一些没能模仿到位的部位是很正常的。对于画得顺手或不顺手的地方，要将其记忆下来，将来会有用处。

² 高级阶段：培养个人风格

多思考，寻找合适的表达方式，探索与自己性格相契合的风格。

没有该怎样，只有想怎样

作品成功与否不局限于作品本身，作者人气、受众群体、创作时间、社会环境都是不可忽视的条件。若不分析作品连带的一系列因素，就将其奉为“模范教材”，恐怕有失妥当。

相比创作环境，我对创作心境的要求显得略高一些。只要条件允许，创作以心情愉悦为前提，尽量不给自己施加太大压力。即便在面临工作压力或其他不得已的场合时，也要尽可能朝积极的方向调整心情。

⑤矩阵

创作初期很多人喜欢找一种“扯淡”的东西叫灵感。其实创作并没有想象中那么复杂，只要你想画画，天天都可以画画，最起码随笔的涂鸦随时可以，不要把创作的前期想象得这么复杂。

我基本每天都要画画，有工作，还要上课，你不想画也不行，所以就需要掌握一种技能，就是随时都可以把自己调整到创作模式，习惯了之后你随时随地都可以创作，其实这就是更职业的表现。艺术家只是少数，我也谈不上，充其量是不错的从业者而已，而这种职业技能可以更好地配合我的工作。

我觉得画画没有好坏、高低之分，只有爱与不爱的区别。爱画画的人刚开始画得差，但因为对画画的爱他会不断练习和学习，早晚会画好的；不爱画画的人可能现在暂时画得还不错，但他丧失了对绘画的热爱，疏于联系和学习，再好早晚也会变差的。所以创作没有绝对的好与坏。

⑥李彬

李安的电影用他的说法是“直接到达”，意思是我们或许会对很多作品有好感，但真正能让你爱上的作品，是可以让观看者在观看时强烈感受到作者的意念直接到达自身，没有丝毫阻碍感和牵强感。另外，他经营作品的那种细腻感和情感的饱和度也非常打动人，再次引用他所说过的“赚取”来解释，意思是观看者所有的感动，只能依靠创作者一点一滴的精心铺陈所赚取，没有捷径。

《小王子》和《红楼梦》的原作者——他们同样出身于没落贵族家庭，有着很好的艺术修养，个性也是同样的叛逆不羁，作品里又都表现出对成人世界的反感，以及对人性中真诚善良部分的赞美和热爱。

所有绘画的风格化演绎都不能是无缘无故地由着自己性子来，而应该时刻保持以故事为中心，准确适当地传达出每一刻的情节发展之下最精准的角色情感状态，这是决定整个作品最终能否打动人心的关键。

我的理解是，个人风格这件事其实并不重要，只要出发点是以传达作品内容为核心，，该做什么变化就做什么变化，因地制宜才能更好。

如果有人问，我和其他创作者有什么不同的话，大概就是当有人选择表现自我的时候，我选择了把自己当做一个容器，不断变化着自身的大小和形态，去适应和配合将要放进来的不同内容。对观看者来说，他们不需要看到“我”这个人，只需要看到最终出现在他们面前的，通过我的努力呈现出来的这个容器的样子，并且通过看这个容器最终看到自己。

之后辞职开始自由职业，几年下来陆续完成了一些绘本项目和商业项目，生活变得相对稳定，但同时也发现自己不那么爱画画了，感觉热情在不断离我远去，这时的我应该会劝别人：“还是不要把兴趣当成职业的好，距离产生美。”

近来，我开始追求手绘和自由创作，感觉绘画热情又逐渐重新回到身体里，脑子里经常有新的想法跳出来，就像在跟自己进行一场永远没有终点的游戏一样，虽然没有人知道接下来会发生什么，但我相信保持新鲜的头脑和开放的心灵，下一个美妙的灵感火花就会在不经意的念头之中迸发。现在再问我画画是为了什么，我会回答：“就是好玩嘛。”

就这样，转了一圈，我好像又回到了那个出发的地方。

“你一定要穿着大师的拖鞋走一走，然后把拖鞋扔了，在穿和脱的过程中，你就会找到自己。”

⑦李元凯

我翻看了一些经典的中国动画片，体会到了那种大巧似拙的角色设计的魅力，那些老艺术家对形象的提炼和概括能力让我羡慕不已。于是我放弃了之前的绘画方式、技巧……这算是一个转折，我自己心中对于好的标准产生了变化：想法、情绪能够通过作品传播出去并被受众感知，产生美好的感受和体验，那才是好的美术作品。

但是在一开始的时候我却走了一些弯路，进行得并不顺利，画出来的东西不伦不类，看起来和市面上的武侠游戏画面没什么太大区别，就像是时装偶像武侠剧一样：规整、制式化的装备行头，空洞的眼神，扭捏的造型……虽然中规中矩，但怎么看都不舒服。而我那时候一门心思想设计出一些酷酷的侠客，希望当玩家看到他们的时候能够单凭外表就能感受到这个角色的气场和隐藏在外表下的一些东西，这样设计出来的角色才足够饱满生动、有内容。

往往我们捕捉灵感的原型实际上和最终的作品看起来毫无关系，我自认为参考借鉴的意义在于它作为一个激发你灵感的源泉，是一个引子，你要做的就是照着葫芦画瓢。如果还画葫芦，那就是抄袭了。

对于练习的量，我始终觉得认真画好每一幅画才是重要的，质量比数量更重要，即便是工作图，你每解决一次工作图上遇到的难题，诸如设计思路、造型、配色、材质细节及角色玩法等，都会让自己的能力提高一点点。或者带着目的、命题去做画画练习才有意义。

……我平时下班回到家基本是不会动笔画画的，提高自己画画水平的时间基本都消耗在工作上了，放假和下班时间就应该去看电影、玩“3A”大作，去旅游，去看书、消遣、开眼界。这些东西早晚都能用到你的画上，积累成为财富。个人认为画画这件事儿，天赋很重要，勤能补拙这句话不见得适用，没必要让自己过于辛苦。

你不是真的热爱绘画，没有坐在椅子上画一天的耐性，不能承受没有立竿见影获得经济收获的压力的话，那建议你还是去做别的吧。尤其是工作之后，每天机械的工作（画家、雕塑家等不在此列），单调重复，手腕、脖子、腰一起疼，没有对绘画的热爱，是无法坚持下去的。

我认为我还是比较幸运的，我的爱好特长恰好就是我的工作，我热爱它，认真对待它，所以即便我也遇到以上种种问题仍不会放弃。每当看到一幅好的美术、摄影、影视作品或是其他形式的艺术作品的时候，就像打了鸡血、读了成功学书籍一样兴奋，哪还有时间去想累不累呢。

画画提供给我不同于常人的感受世界的角度，让我更容易发现事物美好的一面，即便我身处于纷繁复杂的环境之中，内心依然能够保持一丝安逸与孤独。

⑧苗桑

有天赋当然是好事，但天赋是会消耗殆尽的，世界上有数不清的“方仲永”。因此除了天赋，喜欢画画的心是最重要的。

对于我来说能够进步的方法，就是尽量去自己创作一些比较完整的作品。

即使再厉害的插画师，甚至绘画大师，拉斐尔、伦勃朗、米开朗琪罗等，都是在模仿前人的基础上成就自己的。不过，我们要清楚自己要模仿的是什么，可以是技法，可以是构图、颜色，然而我所学到的更多的是他们的思考方法。这样，我们才能从中取得精华，将这些精华变成自己的。

而看似简单的画面，其实蕴含着很多。第一，我认为一个插画师需要有一定的文化素养，只有脑子里有货，阅历丰富，才能画出更深层次的东西。第二，细腻的观察力是必不可少的，任何画面都不是凭空想象的，在天马行空的想象都是建立在现实的基础上的，细腻地表达生活中的细节更能让观者产生共鸣。第三，我认为，不让画画成为负担是每个热爱画画的人都需要具备的能力，也就是学会适当地解压，在遇到瓶颈期的时候不要去硬碰硬，出去走走，换个方式画画，都是可以纾解心情的好办法，不要让画画成为你的负担。

⑧FELIX_勺子

如果纯粹是因为热爱画画，或者是以此为乐的话，根本就不需要什么条条框框，拿起笔寻开心就好啦。不需要为画画寻找意义，更不需要去画别人认为所谓的好看的画。

如果你有画画的意愿，不用询问任何人，只需想办法去实现它。绘画没有好坏，也没办法评判，因为它们都只是在表现不同创作者的思想和感受。作画的人没有伤害我，他只是表达他自己。我可以说我喜欢或者不喜欢他的绘画作品，但也只能反映了我本人的喜好，客观地讲我没有资格评论它的好与坏。很多看似“画工”不好的作品，反而更能让人感受到强烈的情感。

个人愚见，从客观讲，画画是不能被评判好坏的，但是设计是可以的。因为在我看来，画画是不需要对谁负责的，但是一旦与设计相关，那么它就是一种服务行为，我要为我的客户负责。

我有一定的专业知识，但是我又不能否认的是，客户有他们自己领域的专业知识。很多时候，他们的专业知识和经验，更有利于设计项目的创意和实施。而且，通过与不同领域的客户做项目、打交道，我能或多或少地学到不同领域的知识，有利于以后做相关领域的设计。

此外，如果真的遇到了客观上就很不讲理的客户……但是无论如何，只要他们不侵犯我，我都会尊重他们，因为不管怎样，他们都是想站在自己的角度，为自己的品牌做最好的打算。努力的人，是应该受到尊重的。

⑨田园与猫

我们可以从绘画中感受到蓬勃涌动的生命、温和沉着的从容、睿智深切的思考、永恒安适的平静、激扬挥洒的才情。作者借助材料、形体、色彩、形式，蕴于作品中的情绪、感受、思索，来唤醒我们的丰富体验。犹如一盏明灯，照亮了我们对外部世界和精神世界沟通所构建的探寻之路。

绘画往往在作品中追求的是完全个性的体验和表达；插画不同于纯绘画，属于大众艺术的一种，它具有明确的功能、目的和服务属性，需要插画家在创作时根据媒介信息的需求，融合个人情感、认知理念，借助丰富的跨界手法创作图像，传递出复杂的信息和观点。

在坚持动手自我表达的同时，还要通过大量的看画、读画，涉猎尽可能多的相关门类的艺术，打开眼界。尽可能地多看、多想，去发现兴趣点，积累作品的视觉样式库。尽可能地多看，这个习惯是需要一直保持的。为了构建自己的语言体系，品读过的每一个作品都是创作时可能会用到的单词。

继而品画，找准自己的兴趣点，分析、品读画作之所以打动人的要素，是形式、技法、内容、表达方式、呈现效果，还是莫名的某种感受被画作瞬间激发，原因何在？当积累了一定数量的视觉样本作为参照后，才有可能发现自己在审美趋势上的方向，进而找到精准契合自己的语言和方法。

选择成为独立插画家，运用画画的技能来生活，并不是一件容易的事。这需要承担没有固定收入、没有相应的福利保障、没有庇护的暴露、随时可以陷入令人窒息的创作焦虑等一系列的后果。当然，也能收获到身心体验和环境上的自由，以及随着创作经验的增长随之而来的个人成长和从事自己热爱的工作的成就感和满足感。

² 创作素材库的建立

² 个人作品集的创建

² 合理的工作流程——绝不能因为是在家工作，无人监督而有丝毫的懈怠和偷懒

⑩小菜

可是，我清楚地认识到“渣渣”是很难和“大神”做朋友的。不是他们高冷，而是素质层次不同使我们很难有共同话题，简而言之就是人以群分。当时定了一个目标，希望能够拿到新星杯漫画大赛获得去日本集英社参观的资格。我想让自己变得很牛，然后和厉害的“大神”们做朋友，就这样成了我大学时的一个明确的目标。

当然，勤奋是我认为的最没有必要炫耀的事儿，所以直接省略十万字吧。

要说不辛苦当然是假的，最大的痛苦莫过于忍受孤独、寂寞的同时还要忍受走了太多弯路而进步缓慢的心情。不管怎么说，我是幸运的，我获了奖也去了日本集英社，也算是实现了大学时代的梦想。

其实我现在做了漫画主编后就很少画画了，至于原因，大概是因为不够爱吧。所以我经常会羡慕那些喜欢画画的人，因为我已经变得不怎么爱画画了。这种不爱的感觉就像你长大后拥有再多你小时候最喜欢的玩具，都很难有小时候的那种开心的感觉。

众所周知，每个人的风格成长之路可能都需要经历一个模仿现有成熟风格的画种后，获得审美基本功，然后再将其与自己对世界和绘画的独特观念进行融合进而产生新的风格的过程。

模仿学习就是一种传承，这种学习借鉴是经过自己的思考消化和再表现的才能叫创作，就以目前大家熟知的所谓的独特风格的画师来说，其实也是80%以上的元素重组设计外加20%的个人表现。在初学阶段，模仿我们世界上现有的美术风格是最快的学习方法，所以学习阶段不要避讳模仿。

风格没有好坏，商业只是市场赋予

商业风格的意思是：该风格会有更多人能喜欢，容易商业化。商业风格往往意味着很多人在做这个风格。其实风格本身没有什么商业不商业的，只是商业化变现更方便就被说成商业风格。所以，现在的独立风格，在以后被越来越多地模仿，也很可能变成商业风格。所以风格只有大众、小众之分，没有好与不好之分吧，所谓的好与坏也是时代和人们赋予的。要知道，风水总是轮流转的。

学习最重要的就是态度，其实我并不倡导“埋头苦干”，不经过反省思考的勤奋其实是变相的懒惰。如果方法错了，勤奋地往错误的方向走就是作死。不思考才是最大的懒惰。那么问题来了：思考，思考什么？思考任何事情，只有思考得越明白，你才能越稳定地进步。

一个良好的学习氛围也是学好绘画的关键。良好的学习氛围的核心在于混迹在一群画得很好的人当中。这样会让自己更大可能往对的方向去学习和靠拢。不要忘记和“大神”做朋友，上门采访“大神”是很有用的。多接触一些专业内、行业内有成就的人，他们的经验和建议的价值是巨大的。事实上，大多数“大神”并不高冷，和你一样是凡人，甚至是“逗比”。所以，勇敢地去求学，不要做个死宅。

在我看来，想要成为“大神”，并不是辗转各个培训班，而是培养自己的自学能力……核心本质是提高学习的主观能动性，提升自己的才华，主动去学习比被动接受知识的效率高太多了。

纵观现在厉害的大师们，大多数都是自学成才、自成体系的。因为他们一直在思考，而你一直在被动思考。我不否认培训班可能会给大家带来高效的进步，但那也只是基础，千万别一个又一个班地报，那样只会延迟你独立思考的时间。

别觉得可笑，我自己对画画也是三分爱。你也需要认真思考，你对画画是几分爱，我问了好多画了很多年的“大神”，给我的答案不一，但是大多都算不上热爱，更多的是一种习惯。几年前我发现自己并没有那么喜欢画画后，我很长一段时间不愿正视自己，认为画的不好又不那么喜欢画画的自己简直就是一个废物。

不可否认的是，人总是一直在变的。无论是情感、工作，还是爱好，都容易面临这种问题。很多人有这样的心态，害怕失去对画画的热爱而刻意地不把绘画充满自己的生活。就像有一些人为了保持对偶像的仰慕，而刻意不去和偶像做朋友，只想静静地膜拜他。但是，重点是我们还是要一直做自己喜欢的事，因为人生苦短。所以，大胆地热爱吧，把热爱的事变成自己生活中重要的一部分，即使有一天你的热情殆尽，你也依然会为自己爱过、做过而自豪。或许，以后对画画不爱了，去做了更喜欢的工作，那也不要紧，因为你一直走在追寻自我热爱的人生旅途中。

⑩lost7

现在的绘画风格各式各样，艺术创作者的审美也每天都在进步，什么样的色彩才是最美的呢？这个没有答案。明快的色调画好了好看，高级的灰调运用好了也很漂亮，艳丽的色彩结合好了也会很出彩，所以无论什么色彩，它没有难看的，只看你结合得好不好而已。

读后感：这本书开门见山，开篇到结束都是如题所说的20位插画家的创作心路，不搞弯弯绕绕、华丽花哨的，前言结束就直接正文了。里面的20位插画家分享的内容也是五花八门，有些如题地讲了从幼时至今日的从业心路，有些大篇幅地讲绘画技法或者近期对绘画的感悟。对比不同插画家的自述可以看出，每个插画家具有相似的打基础阶段，但在对绘画及该行业的思考和态度等方面又大相径庭，有的人思想开放，有的人专注又偏执，有的人看重商业需求，有的人随心而行，有的人专注单一画风，有的人视画风为无物，有的人擅长文字表达，有的人语文不过关语焉不详，有的人思路清楚，有的人絮絮叨叨拖泥带水，有的人说了不应给自己设限却又罗列出一堆规矩。总之，这本书里的插画家大多数都很诚挚，分享的很多画画方法以及人生态度对我启发很大，仅有一两个插画家在水文章。