如何欣赏绘画
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我们如何去欣赏一幅绘画，对于学习美术的人，这是一件简单的事情，可是对于艺术知之甚少却又想了解更多者来说，应该怎么来看一幅画呢？
首先我们先来了解观赏绘画的最简单方法。每当我们看一幅画的时候，我们应该先问自己一个问题， “为什么要画这幅画？”。然后我们应该去了解作品传达了什么样的文化背景。在不同的文化背景里，绘画试图传达的意思是不一样的。三，要看作品是否写实。在古典艺术（约公元前600年至公元300年）以及从文艺复兴（始于15世纪）开始到20世纪初这段时间里，能否真实地表现自然不仅至关重要，而且是对艺术家的一种挑战。当然绘画发展到今天，尽管我们可以问这样的问题，即一幅画是否像它所画的东西，但应该记住，当这个问题与某个作品毫不相关时，我们就不应该这样问。最后，我们要考虑它的构图设计，也就是看它如何使用颜色、如何运用形状。
观赏绘画的更进一步的方法——风格分析法，也就是说，不考虑作品的主题或技法，而只考虑纯粹的形式概念。其中沃尔弗林提出的原则帮助我们学习区分文艺复兴盛期艺术（15世纪晚期－16世纪早期）和巴洛克艺术（17世纪）。
第一对概念是“线性风格”和“非线性风格”
“线性风格”指所有人物以及人物形象范围内和范围外的一起重要物体都用线条清楚画出。画中每个 实体（人或者非生命体）都有明确的边界，都很清楚。每个人物都是平等着力，像雕塑一般分明醒目。（文艺复兴）
“非线性风格”中，画中的人物不是平等着力，而是彼此交融，明亮的光线从一个方向射过来，把有些东西照亮，而另一些就显得黯淡。在黯淡的地方，轮廓消失了，画笔把单个的成分连接在一起，而不是把它们一个一个地区区分开来。（巴洛克）
第二对概念是“平行布局”和“退缩布局”。
“平行布局”的意思是绘画中的所有部分都安排在与该画表面平行的若干个平面上。（文艺复兴）
“退缩布局”中人物与画面形成角度，并向景深退缩，由此而主宰构图。（巴洛克）
第三对概念是“封闭结构”和“开放结构”。
文艺复兴绘画的“封闭结构”把所有人物都放在一幅画的框架之内，构图的基础是横线条和直线条，与画框的形状呼应，也适合于画框所确立的形式。“封闭结构”给人以稳定和平衡的印象，并带有某种对称的倾向。
巴洛克式的“开放结构”中，强劲的对角线与横平竖直的画框形成反差。对角线不仅体现在绘画的表面，而且向后伸展向远方。人物的形象不被局限于画框内，而是在边缘被切断。这让人感到空间是无限的。这是动态而不是静态的构图，它隐含这运动，并有瞬间的效果，与文艺复兴绘画的平稳恬静正好相反。
第四对概念是“多重性”和“统一性”。这一对概念最能体现出相对性，因为所有的名师巨作都必须这样或那样的“统一”。而沃尔弗林的意思是，文艺复兴绘画明显分成许多部分，每一部分都如雕塑群像般自成一体，每个部分有自己的独特色彩，画面中那种均匀散射的光可以把画中各个部分区分开，所以各独立单元的“多重性”就能够相互平衡。而巴洛克绘画更加具有一贯的“统一”，主要用直射的强光来做到这一点。所有的单元都融合为一，其中没有一个可以被分离开。色彩交替混杂，其明暗主要取决与光线的照射。
看到这里，我们应该明白沃尔弗林所说的文艺复兴时期的各种特征，其实是相互关联的：光线的漫射造成了清楚的轮廓，群雕般的造型、各自分开的组成元素和明确的局部色彩。同样，在巴洛克绘画中，一束强烈的光直射过来，加强了“统一性”（这是由穿透表面伸向纵深的持续不断的斜线造成的），融合了物体的形状，冲淡了局部色彩。
最后，我们要明白，沃尔弗林的绘画理论中用于形式分析的范畴是相对而不是绝对的。
应用这些最基本的原理，我们可以踏上艺术之旅了。
(这是看完《剑桥艺术史——绘画观赏》后的摘录和总结。几句话当然不能浓缩一本书的精华，可能让我记住对我最有用的信息。）
首先我们先来了解观赏绘画的最简单方法。每当我们看一幅画的时候，我们应该先问自己一个问题， “为什么要画这幅画？”。然后我们应该去了解作品传达了什么样的文化背景。在不同的文化背景里，绘画试图传达的意思是不一样的。三，要看作品是否写实。在古典艺术（约公元前600年至公元300年）以及从文艺复兴（始于15世纪）开始到20世纪初这段时间里，能否真实地表现自然不仅至关重要，而且是对艺术家的一种挑战。当然绘画发展到今天，尽管我们可以问这样的问题，即一幅画是否像它所画的东西，但应该记住，当这个问题与某个作品毫不相关时，我们就不应该这样问。最后，我们要考虑它的构图设计，也就是看它如何使用颜色、如何运用形状。
观赏绘画的更进一步的方法——风格分析法，也就是说，不考虑作品的主题或技法，而只考虑纯粹的形式概念。其中沃尔弗林提出的原则帮助我们学习区分文艺复兴盛期艺术（15世纪晚期－16世纪早期）和巴洛克艺术（17世纪）。
第一对概念是“线性风格”和“非线性风格”
“线性风格”指所有人物以及人物形象范围内和范围外的一起重要物体都用线条清楚画出。画中每个 实体（人或者非生命体）都有明确的边界，都很清楚。每个人物都是平等着力，像雕塑一般分明醒目。（文艺复兴）
“非线性风格”中，画中的人物不是平等着力，而是彼此交融，明亮的光线从一个方向射过来，把有些东西照亮，而另一些就显得黯淡。在黯淡的地方，轮廓消失了，画笔把单个的成分连接在一起，而不是把它们一个一个地区区分开来。（巴洛克）
第二对概念是“平行布局”和“退缩布局”。
“平行布局”的意思是绘画中的所有部分都安排在与该画表面平行的若干个平面上。（文艺复兴）
“退缩布局”中人物与画面形成角度，并向景深退缩，由此而主宰构图。（巴洛克）
第三对概念是“封闭结构”和“开放结构”。
文艺复兴绘画的“封闭结构”把所有人物都放在一幅画的框架之内，构图的基础是横线条和直线条，与画框的形状呼应，也适合于画框所确立的形式。“封闭结构”给人以稳定和平衡的印象，并带有某种对称的倾向。
巴洛克式的“开放结构”中，强劲的对角线与横平竖直的画框形成反差。对角线不仅体现在绘画的表面，而且向后伸展向远方。人物的形象不被局限于画框内，而是在边缘被切断。这让人感到空间是无限的。这是动态而不是静态的构图，它隐含这运动，并有瞬间的效果，与文艺复兴绘画的平稳恬静正好相反。
第四对概念是“多重性”和“统一性”。这一对概念最能体现出相对性，因为所有的名师巨作都必须这样或那样的“统一”。而沃尔弗林的意思是，文艺复兴绘画明显分成许多部分，每一部分都如雕塑群像般自成一体，每个部分有自己的独特色彩，画面中那种均匀散射的光可以把画中各个部分区分开，所以各独立单元的“多重性”就能够相互平衡。而巴洛克绘画更加具有一贯的“统一”，主要用直射的强光来做到这一点。所有的单元都融合为一，其中没有一个可以被分离开。色彩交替混杂，其明暗主要取决与光线的照射。
看到这里，我们应该明白沃尔弗林所说的文艺复兴时期的各种特征，其实是相互关联的：光线的漫射造成了清楚的轮廓，群雕般的造型、各自分开的组成元素和明确的局部色彩。同样，在巴洛克绘画中，一束强烈的光直射过来，加强了“统一性”（这是由穿透表面伸向纵深的持续不断的斜线造成的），融合了物体的形状，冲淡了局部色彩。
最后，我们要明白，沃尔弗林的绘画理论中用于形式分析的范畴是相对而不是绝对的。
应用这些最基本的原理，我们可以踏上艺术之旅了。
(这是看完《剑桥艺术史——绘画观赏》后的摘录和总结。几句话当然不能浓缩一本书的精华，可能让我记住对我最有用的信息。）
