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《学琴日记》，作者：林华，上海音乐出版社 2001年
全书以女孩青青学琴六年记录下来的日记为蓝本，作者其中的音乐内容进一步完整地展开阐述。
好多收获，摘取如下：
一 练琴
“谱上往上一格，琴上往右一格；谱上往下跳空一格，琴上往左跳空一格。”
五线谱上无论是线或间，都表示琴上的一线。
高音谱表，低音谱表的距离与双手运动之间的关系。
拜厄教材是通过钢琴上的中音区入手教认低音谱表的。
车尔尼599也是先使双手都集中在高音谱表，有了一个巩固的过程再引进低音谱表的。
从早期训练开始，就应该让学生开口数拍子。养成习惯后便不觉得难了。稍微熟练后，默数。
现在做父母的往往迫不及待地教会学龄前儿童能读会写，可他们未必把认真听取别人说话的态度和正确说话的方法教给他们。
设定目标，努力达到：
练琴之前要想想：老师要求我怎么弹，昨天我练了什么，今天再练什么。每弹完一遍又要问自己：刚才弹得怎么样，错了没有？符合要求么？下一遍要纠正什么？什么地方困难？要不要挑出来练？老师教过我练得方法么？练琴时间完了，又要问自己：今天解决了什么问题？还留下什么问题？
练琴先慢练：慢练得时候，一是要保持脑子的运转仍是快速的，二是手的动作应保持与快速弹奏时相同。
钢琴家塞尔金在介绍他的练琴方法时说：“我练习音阶，或快或慢，但从不用中速。练习时加上触键要求和音量的处理。例如渐快渐慢，渐强渐弱，连奏断奏，三度六度等。每天每个调都弹到。我对自己提出的要求是：练习音乐的要求是手指有控制，音色平均，速度均匀。”
半音阶对初学者是很好的练习，一般都以拇指奏白键，中指奏黑键，再F与C音的时候用食指替换一下。（左手是B与E音）。如果一段半音阶的长度不超过五度的情况时候，可用五个手指轮流弹。
弹奏时，可让手置于黑白键都易于触及到的中部，免得手指在键上滑进滑出。
有了节拍器，并不就是万事大吉了。钢琴家史兰茜斯卡用几种不同级差递增的方法练习，如：
每次增加三拍：60-63-66-69-72
每次增加四拍：60-64-68-72
每次增加五拍：60-65-70
碰到过份慢的拍子，不妨把它的单位拍缩小一倍，亦即把每分钟数乘以二。当然，也可以相反，把过快的拍子，打慢一倍。
要练好休止符，须养成认真数拍子的习惯，把它纳入到节奏的律动中才能把作曲家的意图表现好。
二 琶音
分解和弦是琶音的一种变化，指一切不同时奏出的和弦。
琶音是一种特殊的演奏方法，在钢琴谱上，通常要在和弦的左边以波状的竖线标记。有长琶音和短琶音之分。
纤细一般先从短琶音入手。最初可以练习仅有三个音形式，这可以让学生熟悉和弦的原位以及转位形式。并注意五指是否站稳。接着可以进行四个音的形式。为了使每个手指在弹奏时能和手臂保持一条直线，我们不得不在水平方向上转动手腕。在运用大指时，可以适当地抬起手腕。注意各种手指本身仍须举起。可以采用各种变节奏，变重音的方法练习。
四个音的短琶音指法总是右手12（3/4）5，左手4（4/3）21。当右手把位的第三、四音或左手把位的第一、二音相距为四度时，这个音就是三指，如果距离只是三度，那么通常情况下用四指。
长琶音是把和弦扩展到两三个八度，通常指法是除最外侧音用小指奏出外，各个八度的连接都用大指越指。
长琶音大指略弯，并随手臂的移动而放到三指之下，二指弹完就立刻举起并顺着一条弧线的轨迹落到他的下一个音上去。而不是落入三指的键坑里或和它靠拢。三指弹出音的同时转动手腕，保留在键上的三指回由于手腕的dognzuo， 形成指尖有微小而缓慢的向键前沿方向的滑动。拇指借此动作，稍微抬起奏出下一音。此时应手臂带动手腕和肘部一起向外移动，而不应使肘部向前推。（啊哈，太！这个么，就先留在此处，等自己开始练习长琶音的时候慢慢琢磨）
一般练习长琶音，虽以调号为序，但学生不容易记清指法，建议按一下次序：
C,a,F,d,G,e,c,f,g,b,降G,降e.
这组指法是一样的：
1231235321321
5421421241245
D,A,E,B
1231235321321
5321321231235
降D,降E,降A,#f,#c,#g
2124124214212
2142142412412
降B
2124124214212
3213211213123
降b
2312312132132
3213212123123
三 视谱
在一开始学琴的时候，就应当把学习的重心放在实际的独立读谱能力上，而不是不计一切地，只要能弹上一二首乐曲就引以为骄傲。
由于音乐中音符的进行前后总是有密切关系的，毫不相干的大跳的情形虽有，但终究是少数，因此，记住刚弹完的音，就能根据它与下一个音在运动方向上的关系，很容易找到它在键上的位置。
而所谓“刚弹过的音”的概念又可随着视谱能力的提高而扩展。
对于艰难的生疏乐谱，也许不得不先把负担技术的那一只手先练习一番，但建议你练习一阵之后立即就和另一只手和练，而不是把另一只手也分头练好了再“合拢”。
初练视谱，最好把自己的脑子当成是一只电脑扫描阅读器，得到的音乐并不往心里去，只是非常机械地见一音弹一音，这就可能很精确地配合双手。等到熟练了各种记谱的图形，例如各种音程在谱上的宽度，各种节奏型的图案花样，各种演奏手法，甚至演奏效果的记谱方式，等等，就可以很快在键上做出各种反应。
闲下来无事，可以找些程度浅的乐谱作为视谱练习。有两个一定程度，但过去对视谱不够重视的学生，可以找一些四声部合唱的乐谱，例如教会的颂歌弹来玩玩，这一定会有帮助的。
实际上，孩子们对信息的需求是更甚于物质的（家长也应该培养他们这种渴望）。自始至终，我们（钢琴老师）都应该把启迪他们的智慧作为教学的目标和方法。
四 结构
复调音乐又分为两种，一种是几个旋律构成对比，可称为“对比复调”；另一种就是“模仿复调”，模仿是一种写作的方法，它可以让主句 -- 最先进入的声部，在应句 -- 后进入的声部 里一模一样地出现，也可以让主句作各种变化，例如时值扩大，或者高音翻转着出现甚至顺序颠倒着奏出。
这些，都是复调音乐的“基础语法”。
一个交响乐曲，那些能够让你记住的部分，我想大概就是主题的呈示段落，通常他们总是比较完整的，听上去也比较稳定。而那些你记不住的部分，大概是连接句，或者是发展段。
音乐里有各种各样的句型，初学者会接触到：
一）呈示性句型：无论作曲家表示怎样的乐思，他为着使听众在它初次出现时候就记住它，留下深刻印象，这时的音乐情绪总是鲜明的，结构也是完整的。展开过程中有时会出现的新素材也用呈示性的句型。另外，再现的时候也会用到这种句型。
二）连接的句型：通常用在一个主题到一个主题的过渡，为着完成这个任务，这音乐就不会是稳定的，也不会是太鲜明，（否则就会让听众一位又是一个新的主题了。）相反，它要有动力才好，换言之，这时的节奏通常比较紧密。在古典乐曲中往往就是一连串的音阶、琶音进行的。
三）展开句型：是片断性的，这时色彩转换，主题作各种变化，乐曲的各种乐思在这里冲撞，织体的各部分相互呼应。这时最能显示作曲家才能的段落了。没有这样的过程就不会有乐曲最后的结局。
怎么区分完整和稳定呢？简单说，完整就是大片大片的叙述，分句干净清楚，结束时终止感强，而不是零星片断，支离破碎。
倛音就是在强拍上的，不属于这一和弦结构的音。
五 鉴赏
就拿今天我跟你弹得这首小曲来说吧，要是解释给不懂音乐的人听，也许我不得不说出个名堂来，比如这时山间里飞溅的泉水，你们听，多么清澈呀；或者。。。但是，对于有经验的听众，也许就叫《清澈》，因为它表现的就是这样一种意境，可能它会使你联想到银星，泉水，甚至铁匠铺或者糖果仙人……，作曲家是随你便的，他只要你听了又这种清澈的感受，甚至与连《清澈》之类的标题都不用，有经验的听众听着这些音符，就会明了一切。
“如果言语能表达得清楚的，又何必用音乐？”
作品编号：简写：Op. 但在贝多芬之前，人们还没有想到这个好办法，于是，这件事就只好由后人完成了。海顿的作品根据Hoboken出版社编号称呼的，简作：Hob. 莫扎特的作品是由他的朋友音乐史学家Kochel Verzeichnis 替他编作的，现在注为：K.V. 巴赫的编号是由他的拳击编委会编的，写作ＢＷＶ．
全音阶，每个音之间的关系都是全音，所以整个音阶只有６个因。无论东方西方的民间音乐里都找不到这种音阶的，这好似人工发明的音阶：Ｃ Ｄ Ｅ ＃Ｆ ＃Ｇ ＃Ａ
如果浪漫派是对古典派的不守规矩，那么现代派就是对浪漫派的不规矩了。这种不规矩就可能有两个方向：一是对传统原则的延伸、变通、革新；一是与传统的彻底决裂。前者是在原则上回归古典，即新古典主义。后者是对人的现有的感觉能力的超前，所谓未来主义。后者在审美的意义上是否站得住脚，是很可疑的。在某种程度上说，与其说是艺术，不如说它是心理学的实验。
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最后，这本书的阅读，真的可以说收获颇丰。比如说对音乐风格，演奏史，音乐结构的一些了解。但是，关于练琴，我一直认为，这是件怎么样都可，殊途同归的事情，本书写得有点往高雅高深里去了。这是我不太赞同的地方。
当然，作者他可以有这样的一个态度。而且，任何人，任何事，认真的态度，求精的精神，永远是我喜欢与欣赏的。
因此，还是将有收获的，不管是想要弄懂的还是将来可能需要弄通的，都统统摘录起来了。
全书以女孩青青学琴六年记录下来的日记为蓝本，作者其中的音乐内容进一步完整地展开阐述。
好多收获，摘取如下：
一 练琴
“谱上往上一格，琴上往右一格；谱上往下跳空一格，琴上往左跳空一格。”
五线谱上无论是线或间，都表示琴上的一线。
高音谱表，低音谱表的距离与双手运动之间的关系。
拜厄教材是通过钢琴上的中音区入手教认低音谱表的。
车尔尼599也是先使双手都集中在高音谱表，有了一个巩固的过程再引进低音谱表的。
从早期训练开始，就应该让学生开口数拍子。养成习惯后便不觉得难了。稍微熟练后，默数。
现在做父母的往往迫不及待地教会学龄前儿童能读会写，可他们未必把认真听取别人说话的态度和正确说话的方法教给他们。
设定目标，努力达到：
练琴之前要想想：老师要求我怎么弹，昨天我练了什么，今天再练什么。每弹完一遍又要问自己：刚才弹得怎么样，错了没有？符合要求么？下一遍要纠正什么？什么地方困难？要不要挑出来练？老师教过我练得方法么？练琴时间完了，又要问自己：今天解决了什么问题？还留下什么问题？
练琴先慢练：慢练得时候，一是要保持脑子的运转仍是快速的，二是手的动作应保持与快速弹奏时相同。
钢琴家塞尔金在介绍他的练琴方法时说：“我练习音阶，或快或慢，但从不用中速。练习时加上触键要求和音量的处理。例如渐快渐慢，渐强渐弱，连奏断奏，三度六度等。每天每个调都弹到。我对自己提出的要求是：练习音乐的要求是手指有控制，音色平均，速度均匀。”
半音阶对初学者是很好的练习，一般都以拇指奏白键，中指奏黑键，再F与C音的时候用食指替换一下。（左手是B与E音）。如果一段半音阶的长度不超过五度的情况时候，可用五个手指轮流弹。
弹奏时，可让手置于黑白键都易于触及到的中部，免得手指在键上滑进滑出。
有了节拍器，并不就是万事大吉了。钢琴家史兰茜斯卡用几种不同级差递增的方法练习，如：
每次增加三拍：60-63-66-69-72
每次增加四拍：60-64-68-72
每次增加五拍：60-65-70
碰到过份慢的拍子，不妨把它的单位拍缩小一倍，亦即把每分钟数乘以二。当然，也可以相反，把过快的拍子，打慢一倍。
要练好休止符，须养成认真数拍子的习惯，把它纳入到节奏的律动中才能把作曲家的意图表现好。
二 琶音
分解和弦是琶音的一种变化，指一切不同时奏出的和弦。
琶音是一种特殊的演奏方法，在钢琴谱上，通常要在和弦的左边以波状的竖线标记。有长琶音和短琶音之分。
纤细一般先从短琶音入手。最初可以练习仅有三个音形式，这可以让学生熟悉和弦的原位以及转位形式。并注意五指是否站稳。接着可以进行四个音的形式。为了使每个手指在弹奏时能和手臂保持一条直线，我们不得不在水平方向上转动手腕。在运用大指时，可以适当地抬起手腕。注意各种手指本身仍须举起。可以采用各种变节奏，变重音的方法练习。
四个音的短琶音指法总是右手12（3/4）5，左手4（4/3）21。当右手把位的第三、四音或左手把位的第一、二音相距为四度时，这个音就是三指，如果距离只是三度，那么通常情况下用四指。
长琶音是把和弦扩展到两三个八度，通常指法是除最外侧音用小指奏出外，各个八度的连接都用大指越指。
长琶音大指略弯，并随手臂的移动而放到三指之下，二指弹完就立刻举起并顺着一条弧线的轨迹落到他的下一个音上去。而不是落入三指的键坑里或和它靠拢。三指弹出音的同时转动手腕，保留在键上的三指回由于手腕的dognzuo， 形成指尖有微小而缓慢的向键前沿方向的滑动。拇指借此动作，稍微抬起奏出下一音。此时应手臂带动手腕和肘部一起向外移动，而不应使肘部向前推。（啊哈，太！这个么，就先留在此处，等自己开始练习长琶音的时候慢慢琢磨）
一般练习长琶音，虽以调号为序，但学生不容易记清指法，建议按一下次序：
C,a,F,d,G,e,c,f,g,b,降G,降e.
这组指法是一样的：
1231235321321
5421421241245
D,A,E,B
1231235321321
5321321231235
降D,降E,降A,#f,#c,#g
2124124214212
2142142412412
降B
2124124214212
3213211213123
降b
2312312132132
3213212123123
三 视谱
在一开始学琴的时候，就应当把学习的重心放在实际的独立读谱能力上，而不是不计一切地，只要能弹上一二首乐曲就引以为骄傲。
由于音乐中音符的进行前后总是有密切关系的，毫不相干的大跳的情形虽有，但终究是少数，因此，记住刚弹完的音，就能根据它与下一个音在运动方向上的关系，很容易找到它在键上的位置。
而所谓“刚弹过的音”的概念又可随着视谱能力的提高而扩展。
对于艰难的生疏乐谱，也许不得不先把负担技术的那一只手先练习一番，但建议你练习一阵之后立即就和另一只手和练，而不是把另一只手也分头练好了再“合拢”。
初练视谱，最好把自己的脑子当成是一只电脑扫描阅读器，得到的音乐并不往心里去，只是非常机械地见一音弹一音，这就可能很精确地配合双手。等到熟练了各种记谱的图形，例如各种音程在谱上的宽度，各种节奏型的图案花样，各种演奏手法，甚至演奏效果的记谱方式，等等，就可以很快在键上做出各种反应。
闲下来无事，可以找些程度浅的乐谱作为视谱练习。有两个一定程度，但过去对视谱不够重视的学生，可以找一些四声部合唱的乐谱，例如教会的颂歌弹来玩玩，这一定会有帮助的。
实际上，孩子们对信息的需求是更甚于物质的（家长也应该培养他们这种渴望）。自始至终，我们（钢琴老师）都应该把启迪他们的智慧作为教学的目标和方法。
四 结构
复调音乐又分为两种，一种是几个旋律构成对比，可称为“对比复调”；另一种就是“模仿复调”，模仿是一种写作的方法，它可以让主句 -- 最先进入的声部，在应句 -- 后进入的声部 里一模一样地出现，也可以让主句作各种变化，例如时值扩大，或者高音翻转着出现甚至顺序颠倒着奏出。
这些，都是复调音乐的“基础语法”。
一个交响乐曲，那些能够让你记住的部分，我想大概就是主题的呈示段落，通常他们总是比较完整的，听上去也比较稳定。而那些你记不住的部分，大概是连接句，或者是发展段。
音乐里有各种各样的句型，初学者会接触到：
一）呈示性句型：无论作曲家表示怎样的乐思，他为着使听众在它初次出现时候就记住它，留下深刻印象，这时的音乐情绪总是鲜明的，结构也是完整的。展开过程中有时会出现的新素材也用呈示性的句型。另外，再现的时候也会用到这种句型。
二）连接的句型：通常用在一个主题到一个主题的过渡，为着完成这个任务，这音乐就不会是稳定的，也不会是太鲜明，（否则就会让听众一位又是一个新的主题了。）相反，它要有动力才好，换言之，这时的节奏通常比较紧密。在古典乐曲中往往就是一连串的音阶、琶音进行的。
三）展开句型：是片断性的，这时色彩转换，主题作各种变化，乐曲的各种乐思在这里冲撞，织体的各部分相互呼应。这时最能显示作曲家才能的段落了。没有这样的过程就不会有乐曲最后的结局。
怎么区分完整和稳定呢？简单说，完整就是大片大片的叙述，分句干净清楚，结束时终止感强，而不是零星片断，支离破碎。
倛音就是在强拍上的，不属于这一和弦结构的音。
五 鉴赏
就拿今天我跟你弹得这首小曲来说吧，要是解释给不懂音乐的人听，也许我不得不说出个名堂来，比如这时山间里飞溅的泉水，你们听，多么清澈呀；或者。。。但是，对于有经验的听众，也许就叫《清澈》，因为它表现的就是这样一种意境，可能它会使你联想到银星，泉水，甚至铁匠铺或者糖果仙人……，作曲家是随你便的，他只要你听了又这种清澈的感受，甚至与连《清澈》之类的标题都不用，有经验的听众听着这些音符，就会明了一切。
“如果言语能表达得清楚的，又何必用音乐？”
作品编号：简写：Op. 但在贝多芬之前，人们还没有想到这个好办法，于是，这件事就只好由后人完成了。海顿的作品根据Hoboken出版社编号称呼的，简作：Hob. 莫扎特的作品是由他的朋友音乐史学家Kochel Verzeichnis 替他编作的，现在注为：K.V. 巴赫的编号是由他的拳击编委会编的，写作ＢＷＶ．
全音阶，每个音之间的关系都是全音，所以整个音阶只有６个因。无论东方西方的民间音乐里都找不到这种音阶的，这好似人工发明的音阶：Ｃ Ｄ Ｅ ＃Ｆ ＃Ｇ ＃Ａ
如果浪漫派是对古典派的不守规矩，那么现代派就是对浪漫派的不规矩了。这种不规矩就可能有两个方向：一是对传统原则的延伸、变通、革新；一是与传统的彻底决裂。前者是在原则上回归古典，即新古典主义。后者是对人的现有的感觉能力的超前，所谓未来主义。后者在审美的意义上是否站得住脚，是很可疑的。在某种程度上说，与其说是艺术，不如说它是心理学的实验。
---------------------------------------------
最后，这本书的阅读，真的可以说收获颇丰。比如说对音乐风格，演奏史，音乐结构的一些了解。但是，关于练琴，我一直认为，这是件怎么样都可，殊途同归的事情，本书写得有点往高雅高深里去了。这是我不太赞同的地方。
当然，作者他可以有这样的一个态度。而且，任何人，任何事，认真的态度，求精的精神，永远是我喜欢与欣赏的。
因此，还是将有收获的，不管是想要弄懂的还是将来可能需要弄通的，都统统摘录起来了。
