站在艺术家和粉刷工中间的设计师

这本《版面设计的原理》，是在读了《写给大家看的设计书》之后读的，有进阶之感。

整本书谈不上紧凑，但是却让人觉得好像走进了作者的工作室，参与到了日常的工作中——面对各种细节。

第一章，讲的是建立条理。这个，和《写给大家看的设计书》的亲密性原则强调的东西类似，但是涉及的范畴则更为广泛。

平时，有很大一部分时间，是花在做多媒体上的。但是前阵子要做公司的Flyer，所以临时抱佛脚，买了这本书，才明白同事为什么会在每一页“确定版心、建立边框、设定网格、放入内容、添加变化”。之前，多媒体里面的网格线从没用过，但是现在网格已经成为默认设置了。版心、边框和网格，很像小学时候的书皮，每到开学都要第一时间做的事情。尽管最后，它们都会消失，但是都是一项工作的开始，可以为后面的工作减少麻烦，可以保证后面工作的“卫生”。

和《给大家看的设计书》相比，整本书充满了东方人的审美和思考方式。最生动的例子，莫过于“文字是河水、图片是石头”。文字本身，就是一条条流线、一团团湾流。既有哲学的寓意，又有语言的灵性。从此，我们多了一种视角，去看待固态的版面，让整个设计都充满了生命力。

记得本科的教学楼走廊，挂满了以“科学与艺术”为主题的绘画。之前，一致没有去思考这个问题。也许艺术代表的是和谐美，科学代表的是规律性，而两者给人的感受，确实可以相互叠置的。于是，设计中的条理，便是和谐与规律性的潜在要求。其中，必有感性的创造，也不乏科学的原则。

整个章节读下来，觉得作者是在分析“人体工学”，不过主体强调的，不是坐在椅子上的屁股，而是观看版面的眼睛。椅子舒服不舒服，屁股最清楚，那么一个版面的优劣，一定与眼睛所代表的视觉规律相关。而作者巧妙地将目光的移动，与手在版面上划线统一起来，使得视线变得更为具象。

无论我们如何创新版面设计，但是多数情况下，版面的主体还是由两个要素构成的：文字与图片。据说一张图片所传达的信息量，是一句话的6000倍，但是同时也牺牲了观众的想象力。如何能够在传达信息的同时，给观察者留有想象的空间，成为一个有意思的课题。作者的例子很好，但是我来举一个更为生动的例子。现在大街小巷，很多都包含带有“性暗示”的广告。很多图片都在引起人注意的同时，让观众的大脑去继续“想故事”。所以你会发现Blue图片的模式都是千篇一律的，但是都是在利用这一信息+想象力的模式在吸引人。相比之下，那些过于直白的东西，反而失去了吸引力。

第二章， 添加变化。实话讲，这章信息是在是太碎了，很难理出个思路。但是有一句话挺好的，“平面设计就是这样反复进行保持条理和添加变化的工作”。读了这就话，觉得自己一张多媒体纠结好久是那么的正常，如释重负。闲暇时，去美术馆散步，偶尔会看到很多水墨画。觉得这些简直就是“关于留白的艺术”。也因为留白无处不在，所以也最为重要，最富于变化。

第三章，突出强调。这一章看了两遍，也没有留下什么深刻的印象，倒是最后的“费茨法则”让我想起了“费马定理”，于是生出用场论分析平面设计的想法。

第四章，设计技巧。以前，朋友看过一本叫《百炼成精》的炒股书，翻开把我吓坏了。因为里面全是零碎的技巧，对于我这种应试教育出来的“考点密集恐惧症”的人，简直就是灾难。这一章读起来，觉得如果是考试，那么这一章的考题估计是过不了了。如果剖开所有的技术细节不谈，作者突出了一个好玩的观点。首先，要以设计师的眼光，来看待设计。这一观点很重要，我知道和我明白的差别。这要形成一种习惯，需要不停地自我训练。其次，质地感，可以制造密度感和高级感。结合后面作者强调展示设计的纸张材质等，想到是否也要考虑观察者所处环境的光线强弱，明白了平面设计是一种立体的呈现，而不是简单地设计好扔给别人就可以了。然后，给人留下深刻印象的设计，当中必有故事情节。觉得做到这一点，就可以“手中无剑，心中有剑”了，技巧无非是需要时拿来的东西而已。

这里也提出一个小问题：一张什么样子的图片会让你觉得可爱呢？为什么看着九寨沟的美景，我心中无法生出“可爱”的感觉呢？为什么我们看着很多具象的图标，会觉得很可爱呢？里面是不是拟态的作用，是不是设计师将动物的特质嫁接到了设计中，就像京东的标志一样？

第五章，颜色配搭。好吧，这一章完全是技术主义的胜利，没有什么可以分享的东西。但是将颜色用色相、彩度和明度来分析，将颜色的极限设定为软与硬、冷与暖，还是很发人深省的。

最后，回到这个笔记的题目：站在艺术家和粉刷工中间的设计师
我们常说，每一个工程师，都有一个科学家的梦。每一个软件工程师，都有一颗艺术家的心。其实，平面设计师又何尝不是。因为是“师”而不是“家”，于是创作难有艺术家天马行空的自由表达。同时，与粉刷匠相比，又需要更多的设计技巧。所以设计师带着工匠精神的艺术创造，时常另我们感动和倾心。