《观看之道》
第一部分
伯格主要探讨的是艺术与政治，并且在书的一开始就以超现实主义画家马格利特的画为例，说明言语和观看之间所构成的鸿沟。马格利特（Rene Magritte）认为作画不过是一种“思考”的艺术。在《马格利特.图像的哲学》一书中，刘云卿在文章的一开始便引用了路德维希.维特根斯坦《逻辑哲学论》里的一句话“不是世界是什么样的，而是世界是存在着，这一点是神秘的。”在回到马格利特的画作当中，刘云卿指出，“看”在今天已经无所不在，尽管“凝视‘的意义不尽相同，绘画尤其如此，它不仅与凝视有关而且是对凝视的研究。马格利特通常是作为“思想者”而存在，“艺术”与否并非他思考的问题，如同他宁肯选择伦理学也不去选择美学一样。他思考的可以说是思考本身，图像开始置换思想的位置或者相反。在前言的最后，刘云卿说道“如果光灼伤了你的眼睛，那是因为你看的方式”。我们再回到《观看之道》的第一部分，伯格就观看的方式进行了讨论，在提到马格利特之后，伯格说：“观看先于言语，我们挂看事物的方式，受知识与信仰的影响。影像是重造或复制的景观。每一张影像都体现一种观看方式。然而，影像作为艺术品展出的时候，人们观赏的方式会受一整套艺术旧有的关系影响，比如，美。真理。天才。文明。形式。地位。品位等等。”所以在这里，我认为伯格要表达的意思是，当我们凝视一件作品的时候，作品首先是先于我们要描述它的语言而存在，它存在在那里，然后我们才是观看到它，并且在观看之后根据自身的观赏方式，学识或者地位品位来对作品进行一种诠释。也就是说每个人都有一套自己的观看方式，而这种观看方式跟作品本身的联系并不大。可是透视法的发明，使得观赏者被认为自己就是观赏它的中心，我的眼睛聚焦透视出来，是以我为放射源。但是当照相机出现之后，这种中心便不存在了。
伯格谈到，“照相机的复制使得图画的独特性消失，图画的意义增加并裂变成多重含义。因此，现在原作的独特之处在于它是复制品的原样，而它不复是那个以其形象打动你的独一无二的作品它的首要含义不再寓于它所要表达的内容，而在于它今之所是。原作的含义不在它独特的内容而是独特的存在。绘画的市场价值成为绘画所失落的东西的替代物。每一幅复制的图画都已经成为论题的一部分，它与原作本来的含义毫无关系。当我们不再以怀旧的心情去观察古代的艺术，艺术品也就不再成为神圣的遗物了。但是在原作中，静谧冷凝直透画背，人们可以从中追溯画家当时挥笔作画的情景。证明绘画的直接性。”
也就是说，绘画曾经的独一无二性受到了挑战，以油画为例，以前作为贵族阶层娱乐方式的收藏油画，是一种炫耀富裕和智慧的方式，我拥有这张画，我就是画里所表现的人物或者我就和画里的人物属于同一阶级，在大部分情况下，这些山水风景画或者人物肖像画都是为了取悦贵族，并且仅此一副，当我拥有它的时候，是我自己的私人财富，别人只能到了我的住宅参观我所拥有的东西，但是机器复制品出现之后，所有的名画艺术品都可以被无休止的复制再复制，四处流传，这个时候艺术的权威性受到空前的挑战，艺术品的独一无二性只能够体现在存在性上，在本雅明的文集《迎向灵光消逝的年代》里面，本雅明认为，机械复制时代的出现，也就是灵光消逝之时。我们在约翰伯格的这本小册子当中，看到很多观点均来自本雅明，可以说伯格是本雅明的艺术再诠释者。
随后，伯格提到了艺术与政治的关系，他说“一个被割断历史的民族或者阶级，它自由的选择和行动的权力远不如一个始终得以把自己置于历史之中的民族或阶级。这就是为什么，这也是唯一的理由。所有的古代艺术已经成为一个政治问题。”
第三部分
伯格提到了“女人作为被观看对象”的问题，我认为伯格在这方面所提出的论点很有意思，他说“男人的风度基于他身上的潜在力量。女人的风度在于表达她对自己的看法以及界定别人对待她的分寸。她的风度从姿态，声音，见解，表情，服饰，品位和选定的场合上体现出来。女性将自己一分为二，不断注视自己。女性把内在于她的观察者与被观察者看做构成女性身份的两个既有联系又截然不同的因素。男人重行动，女人重外观。女性内在的观察者是男性，而被观察者是女性，因此她把自己作为对象：景观。”
女人将自己一分为二，作为观察者和被观察者而存在，这就可以合理的解释为什么大部分时候女人路过停车场都不自觉的从车窗的反射中观赏自己的影子。另外一点是，当我们在观赏一副油画或者一副以女人为主的人像照片时，不管观赏者是男人还是女人，都会不约而同的用男性的视角来凝视画中的人物，假如我们将画中的人物变为裸体的男性，那么这种一开始以男性眼光进行观赏的效果会比较乖戾，当然前提是主流的眼光。毕竟伯格在写这一部分比如女人作为被观看的对象的时候，并没有更多的考虑到同性恋的眼光问题。也许在男同性恋的眼中，男性裸体的出现，在被凝视的时候仍然具有女人作为被观看对象的同样的感受。我认为这是值得探讨的。
另外，伯格探讨了裸体和裸像的问题。肯尼斯.克拉克（kennethclark） 在《裸像》一书中，认为裸体只是脱光衣服，而裸像则是一种艺术形式，他认为裸像并非一副画的出发点，而是作品道道的一种观赏方式。换句话说，裸体只是一种平淡甚至无所不在的事实，而裸像则是一种艺术形式，它带给观赏者一种参与其中，好奇，神秘甚至被带入的感觉，比如鲁本斯的描绘他情妇的那幅油画。
第五部分主要是提到了油画的尴尬境地。
我们知道传统油画时代大致为1500-1900年之间，当机械复制时代还未来临的时候，油画的作用不仅仅是一种知识的工具更是一种占有的工具。尤其是对文艺复兴时期的画家而言。莱维 施特劳斯（levi-strauss）认为正是这个为收藏者，甚至为观赏者的利益而占有物品的强烈欲望，构成了一种西方文明中艺术最突出的原始特点。同时，伯格表示平庸之作不是笨拙或者粗野的产物，而是市场需求比艺术要求更为迫切的结果。油画有别于其他绘画形式的地方，在于它能表现所绘物品的质感，纹理，光泽和结实的感觉。所以总结来说，早期油画的诞生尤其是以传统绘画为主，主要是体现统治阶层的财富，是一种炫富的表示。在这里伯格以根斯博洛（gainsborough/）所绘《安德鲁斯夫妇》作品为例。他们夫妇所处的大自然，并非卢梭想象中的大自然，他们是地主，他们的姿势和表情，表现了他们是周遭事物的拥有人。在最后一部分，油画和广告的对比当中，我们可以更深刻的体会这种油画背后所体现的特点特征，不论怎么来说，它都是一种财富的象征，一种占有欲。
最后一部分更为贴近现代生活
伯格主要探讨了广告和广告背后所代表的资产阶级的白日梦，并且对广告和油画做了一系列的对比。比如伯格指出，“广告属于瞬间，因为广告必须不断更新，跟上时代的步伐。广告通常被理解和判定为一种竞争性的媒介，最终有利于大众及最有效率的制造商，因而有利于国民经济。 购买者选购的自由，制造商办企业的自由。”广告告诉人们，“我们只要消费，就会更富有”。所以广告首先作用于人们追求享受的本性。它关注的是人际关系，而不是物品。它许诺额并非享乐，而是快乐---由外界判断的快乐。这种被人羡慕的快乐就是魅力。随后伯格对魅力这个词进行了诠释。当然在谈论广告的时候，我们不得不回过头去想，广告和油画都是某一阶段精神生活的衍生物，有没有异同点。
伯格说， 广告形象往往借助雕塑或者绘画，以增强广告信息的吸引力或权威性。镶上画框的绘画，市场挂在商店的橱窗里，成为展品的一部分。艺术是富裕的标志：它属于美好的生活也是世界赐予富人的装饰品。可是艺术品也隐含着一种文化权威，一种尊贵乃至智慧的形式，凌驾于任何粗俗的物质利益之上。
在说到油画和广告的联系时候，伯格用了大量的图片在证明，广告很大程度上依赖油画语言。但是同时我们要认清一点，广告是消费社会的文化，油画本来是歌颂私有财产的，它根源于“你拥有什么，你就是什么”。广告实质上是怀旧的，它无奈的把过去卖给未来。
彩色摄影之于观赏者-买主，仿佛油画颜料之于观赏者-收藏者。油画显示了它的主人在其产业及生活方式之内所享受的一切，油画巩固了收藏者自身的价值。强化了他对自己原有形象的看法。油画是以事实，即收藏者的实际生活作为起点的，油画为他的局势增色天会。
到底是资本主义衍生出广告还是广告催生出资本主义？伯格的观点很清晰，他认为广告的目的在于使观赏者对他当前的生活方式萌生不满，但并非使他不满意社会的生活方式，而是让他对此种自己的生活方式感到不满。广告示意，假若他购买广告推销的商品，生活便可望改善，它向观赏者提供了改善现状的选择。油画所针对是那些靠市场赚的钱财之辈，针对那些构成市场的人。也就是说假若你有购买力，你就讨人喜欢，如果你买不起，你就不那么可爱。广告把消费转换成民主的替代品。
广告等于某种哲学体系。它用自己的一套说法解释一切。
广告发挥着巨大的影响力，是一种极其重要的政治现象，它说的天花乱坠可是提供的东西却极为有限，它六亲不认，不承认购买力。
广告是资本主义文化的生命，资本主义已经到了没有广告就难以生存的地步---同时，广告有是它的幻梦。
在文章的最后，伯格留出了空白，说让给读者叙述，其实在资本主义和广告相辅相成中，我们不由自主的陷入消费社会的泥沼，甚至还沉溺其中。不仅如此，各种商品逻各斯像草间弥生的LOGO，无处不在，它可以出现在宜家的装饰花纹上，也可以出现在星巴克的杯子上。这种以商品信息为主为鉴别机器的社会，早已经与当年油画的私人收藏与阶级证明分道扬镳。我们可以说我们不相信广告所提供的那一套：你的购买力证明你的个人价值。但是我们不能否认废墟是建立在曾经繁荣之上的。哪怕我们一再强调这些是废墟，可是从这些废墟上我们仍然缺乏能力建立起一套灵光回归的价值体系。
我认为这本书，伯格从不同的侧面提供了我们观察这个世界的方式，不论是看艺术品，体会女性景观，尝试理解本雅明的灵光消逝，机器复制时代，还是探讨广告和资本主义狼狈为奸，向读者传达的不仅仅是一些精致的观点，更多的是一种独立思考，从不同角度观察和凝视的思维习惯。
伯格主要探讨的是艺术与政治，并且在书的一开始就以超现实主义画家马格利特的画为例，说明言语和观看之间所构成的鸿沟。马格利特（Rene Magritte）认为作画不过是一种“思考”的艺术。在《马格利特.图像的哲学》一书中，刘云卿在文章的一开始便引用了路德维希.维特根斯坦《逻辑哲学论》里的一句话“不是世界是什么样的，而是世界是存在着，这一点是神秘的。”在回到马格利特的画作当中，刘云卿指出，“看”在今天已经无所不在，尽管“凝视‘的意义不尽相同，绘画尤其如此，它不仅与凝视有关而且是对凝视的研究。马格利特通常是作为“思想者”而存在，“艺术”与否并非他思考的问题，如同他宁肯选择伦理学也不去选择美学一样。他思考的可以说是思考本身，图像开始置换思想的位置或者相反。在前言的最后，刘云卿说道“如果光灼伤了你的眼睛，那是因为你看的方式”。我们再回到《观看之道》的第一部分，伯格就观看的方式进行了讨论，在提到马格利特之后，伯格说：“观看先于言语，我们挂看事物的方式，受知识与信仰的影响。影像是重造或复制的景观。每一张影像都体现一种观看方式。然而，影像作为艺术品展出的时候，人们观赏的方式会受一整套艺术旧有的关系影响，比如，美。真理。天才。文明。形式。地位。品位等等。”所以在这里，我认为伯格要表达的意思是，当我们凝视一件作品的时候，作品首先是先于我们要描述它的语言而存在，它存在在那里，然后我们才是观看到它，并且在观看之后根据自身的观赏方式，学识或者地位品位来对作品进行一种诠释。也就是说每个人都有一套自己的观看方式，而这种观看方式跟作品本身的联系并不大。可是透视法的发明，使得观赏者被认为自己就是观赏它的中心，我的眼睛聚焦透视出来，是以我为放射源。但是当照相机出现之后，这种中心便不存在了。
伯格谈到，“照相机的复制使得图画的独特性消失，图画的意义增加并裂变成多重含义。因此，现在原作的独特之处在于它是复制品的原样，而它不复是那个以其形象打动你的独一无二的作品它的首要含义不再寓于它所要表达的内容，而在于它今之所是。原作的含义不在它独特的内容而是独特的存在。绘画的市场价值成为绘画所失落的东西的替代物。每一幅复制的图画都已经成为论题的一部分，它与原作本来的含义毫无关系。当我们不再以怀旧的心情去观察古代的艺术，艺术品也就不再成为神圣的遗物了。但是在原作中，静谧冷凝直透画背，人们可以从中追溯画家当时挥笔作画的情景。证明绘画的直接性。”
也就是说，绘画曾经的独一无二性受到了挑战，以油画为例，以前作为贵族阶层娱乐方式的收藏油画，是一种炫耀富裕和智慧的方式，我拥有这张画，我就是画里所表现的人物或者我就和画里的人物属于同一阶级，在大部分情况下，这些山水风景画或者人物肖像画都是为了取悦贵族，并且仅此一副，当我拥有它的时候，是我自己的私人财富，别人只能到了我的住宅参观我所拥有的东西，但是机器复制品出现之后，所有的名画艺术品都可以被无休止的复制再复制，四处流传，这个时候艺术的权威性受到空前的挑战，艺术品的独一无二性只能够体现在存在性上，在本雅明的文集《迎向灵光消逝的年代》里面，本雅明认为，机械复制时代的出现，也就是灵光消逝之时。我们在约翰伯格的这本小册子当中，看到很多观点均来自本雅明，可以说伯格是本雅明的艺术再诠释者。
随后，伯格提到了艺术与政治的关系，他说“一个被割断历史的民族或者阶级，它自由的选择和行动的权力远不如一个始终得以把自己置于历史之中的民族或阶级。这就是为什么，这也是唯一的理由。所有的古代艺术已经成为一个政治问题。”
第三部分
伯格提到了“女人作为被观看对象”的问题，我认为伯格在这方面所提出的论点很有意思，他说“男人的风度基于他身上的潜在力量。女人的风度在于表达她对自己的看法以及界定别人对待她的分寸。她的风度从姿态，声音，见解，表情，服饰，品位和选定的场合上体现出来。女性将自己一分为二，不断注视自己。女性把内在于她的观察者与被观察者看做构成女性身份的两个既有联系又截然不同的因素。男人重行动，女人重外观。女性内在的观察者是男性，而被观察者是女性，因此她把自己作为对象：景观。”
女人将自己一分为二，作为观察者和被观察者而存在，这就可以合理的解释为什么大部分时候女人路过停车场都不自觉的从车窗的反射中观赏自己的影子。另外一点是，当我们在观赏一副油画或者一副以女人为主的人像照片时，不管观赏者是男人还是女人，都会不约而同的用男性的视角来凝视画中的人物，假如我们将画中的人物变为裸体的男性，那么这种一开始以男性眼光进行观赏的效果会比较乖戾，当然前提是主流的眼光。毕竟伯格在写这一部分比如女人作为被观看的对象的时候，并没有更多的考虑到同性恋的眼光问题。也许在男同性恋的眼中，男性裸体的出现，在被凝视的时候仍然具有女人作为被观看对象的同样的感受。我认为这是值得探讨的。
另外，伯格探讨了裸体和裸像的问题。肯尼斯.克拉克（kennethclark） 在《裸像》一书中，认为裸体只是脱光衣服，而裸像则是一种艺术形式，他认为裸像并非一副画的出发点，而是作品道道的一种观赏方式。换句话说，裸体只是一种平淡甚至无所不在的事实，而裸像则是一种艺术形式，它带给观赏者一种参与其中，好奇，神秘甚至被带入的感觉，比如鲁本斯的描绘他情妇的那幅油画。
第五部分主要是提到了油画的尴尬境地。
我们知道传统油画时代大致为1500-1900年之间，当机械复制时代还未来临的时候，油画的作用不仅仅是一种知识的工具更是一种占有的工具。尤其是对文艺复兴时期的画家而言。莱维 施特劳斯（levi-strauss）认为正是这个为收藏者，甚至为观赏者的利益而占有物品的强烈欲望，构成了一种西方文明中艺术最突出的原始特点。同时，伯格表示平庸之作不是笨拙或者粗野的产物，而是市场需求比艺术要求更为迫切的结果。油画有别于其他绘画形式的地方，在于它能表现所绘物品的质感，纹理，光泽和结实的感觉。所以总结来说，早期油画的诞生尤其是以传统绘画为主，主要是体现统治阶层的财富，是一种炫富的表示。在这里伯格以根斯博洛（gainsborough/）所绘《安德鲁斯夫妇》作品为例。他们夫妇所处的大自然，并非卢梭想象中的大自然，他们是地主，他们的姿势和表情，表现了他们是周遭事物的拥有人。在最后一部分，油画和广告的对比当中，我们可以更深刻的体会这种油画背后所体现的特点特征，不论怎么来说，它都是一种财富的象征，一种占有欲。
最后一部分更为贴近现代生活
伯格主要探讨了广告和广告背后所代表的资产阶级的白日梦，并且对广告和油画做了一系列的对比。比如伯格指出，“广告属于瞬间，因为广告必须不断更新，跟上时代的步伐。广告通常被理解和判定为一种竞争性的媒介，最终有利于大众及最有效率的制造商，因而有利于国民经济。 购买者选购的自由，制造商办企业的自由。”广告告诉人们，“我们只要消费，就会更富有”。所以广告首先作用于人们追求享受的本性。它关注的是人际关系，而不是物品。它许诺额并非享乐，而是快乐---由外界判断的快乐。这种被人羡慕的快乐就是魅力。随后伯格对魅力这个词进行了诠释。当然在谈论广告的时候，我们不得不回过头去想，广告和油画都是某一阶段精神生活的衍生物，有没有异同点。
伯格说， 广告形象往往借助雕塑或者绘画，以增强广告信息的吸引力或权威性。镶上画框的绘画，市场挂在商店的橱窗里，成为展品的一部分。艺术是富裕的标志：它属于美好的生活也是世界赐予富人的装饰品。可是艺术品也隐含着一种文化权威，一种尊贵乃至智慧的形式，凌驾于任何粗俗的物质利益之上。
在说到油画和广告的联系时候，伯格用了大量的图片在证明，广告很大程度上依赖油画语言。但是同时我们要认清一点，广告是消费社会的文化，油画本来是歌颂私有财产的，它根源于“你拥有什么，你就是什么”。广告实质上是怀旧的，它无奈的把过去卖给未来。
彩色摄影之于观赏者-买主，仿佛油画颜料之于观赏者-收藏者。油画显示了它的主人在其产业及生活方式之内所享受的一切，油画巩固了收藏者自身的价值。强化了他对自己原有形象的看法。油画是以事实，即收藏者的实际生活作为起点的，油画为他的局势增色天会。
到底是资本主义衍生出广告还是广告催生出资本主义？伯格的观点很清晰，他认为广告的目的在于使观赏者对他当前的生活方式萌生不满，但并非使他不满意社会的生活方式，而是让他对此种自己的生活方式感到不满。广告示意，假若他购买广告推销的商品，生活便可望改善，它向观赏者提供了改善现状的选择。油画所针对是那些靠市场赚的钱财之辈，针对那些构成市场的人。也就是说假若你有购买力，你就讨人喜欢，如果你买不起，你就不那么可爱。广告把消费转换成民主的替代品。
广告等于某种哲学体系。它用自己的一套说法解释一切。
广告发挥着巨大的影响力，是一种极其重要的政治现象，它说的天花乱坠可是提供的东西却极为有限，它六亲不认，不承认购买力。
广告是资本主义文化的生命，资本主义已经到了没有广告就难以生存的地步---同时，广告有是它的幻梦。
在文章的最后，伯格留出了空白，说让给读者叙述，其实在资本主义和广告相辅相成中，我们不由自主的陷入消费社会的泥沼，甚至还沉溺其中。不仅如此，各种商品逻各斯像草间弥生的LOGO，无处不在，它可以出现在宜家的装饰花纹上，也可以出现在星巴克的杯子上。这种以商品信息为主为鉴别机器的社会，早已经与当年油画的私人收藏与阶级证明分道扬镳。我们可以说我们不相信广告所提供的那一套：你的购买力证明你的个人价值。但是我们不能否认废墟是建立在曾经繁荣之上的。哪怕我们一再强调这些是废墟，可是从这些废墟上我们仍然缺乏能力建立起一套灵光回归的价值体系。
我认为这本书，伯格从不同的侧面提供了我们观察这个世界的方式，不论是看艺术品，体会女性景观，尝试理解本雅明的灵光消逝，机器复制时代，还是探讨广告和资本主义狼狈为奸，向读者传达的不仅仅是一些精致的观点，更多的是一种独立思考，从不同角度观察和凝视的思维习惯。
有关键情节透露
